Quantcast
Channel: ערב רב Erev Rav
Viewing all 4030 articles
Browse latest View live

שירת העצמות

$
0
0

אי-אפשר להתעלם מגופו של פסנתר – הגדול במשפחת כלי הנגינה, ספינת האם של ההלחנה והביצוע למן תקופה הקלאסית ואילך. צליליו מתפרשים על פני שבע אוקטבות ויותר, ונשלטים באמצעות 88 קלידים. פסנתר הוא הזמנה לפעולה. הקלידים ערוכים זה לצד זה, לבנים ושחורים, רק מחכים לגוף שיחבור אליהם. קשה להתאפק; כמעט כל מי שעובר על פני פסנתר פתוח נכנע לפיתוי. הלחיצה הפשוטה באצבע מניעה את הפטיש שהולם במיתר המתוח. תיבת התהודה הענקית מעצימה את התנודות, יוצרת את הצליל. הפסנתר הוא חיה עצומה, פלאית ומאולפת. אפשר לשלוט בה בקצות האצבעות.

אמנית הסאונד מאיה דוניץ מזמנת לנו מפגש עם להקת פרא של פסנתרים. אלו פסנתרים שבורים והרוסים, שקובצו ממקומות שונים בעולם אל חלל שבו הם משוחררים מהיותם, ונעשים לחיות. גופו של כל פסנתר הוא פרט בלהקה. יחיד בעל אופי משלו בקולקטיב.

הצליל שמייצרים הפסנתרים אינו נסמך עוד על הפטיש המכה במיתר. תחת זאת הוצמד לגופו של כל פסנתר מרעד (ButtKicker). הפרטים בלהקה מקבלים אותות ממחשב יחיד, והמרעדים המוצמדים לגופם כאלקטרודות מתרגמים את האותות לתנועות שמרעידות את המיתרים ומהדהדות בגופי העץ הגדולים. המוסיקה שנוצרת כך משוחררת מהמשטר הטונאלי המקובל. היא מורכבת מצלילים חסרי היררכיה ומרכז קבוע, שאינם מתלכדים לכדי תבנית שאפשר להיאחז בה. הצליל הוא הדף התדרים באיברי הפסנתר, והוא מהדהד בגוף העץ הגדול, התשוש. הפסנתרים נוהמים, שואגים, מגרגרים, חורקים ושורקים. קולתיהם נעים זה לעבר זה ומתרחקים זה מזה חליפות בניסיון עקר להגיע לנקודת אמצע בלתי אפשרית.

קולותיהם חסרי מתאם צלילי. אין שם מדרגות הרמוניות או צלילים דיאטוניים. אין מאז'ור ומינור, רק הרמוניה שהיתה לכוח טבע. לפנינו פסנתרים שאינם עוד בני תרבות. אנחנו שומעים אותם דרך האוזניים, אבל גם דרך הבטן והגוף כולו. אלו צלילים משישים.

מרחב הרמוני, תהליך הגמוני

נדמה שהפסנתר היה כאן תמיד, כמו המוסיקה עצמה, אך למעשה הוא המצאה מאוחרת, מראשית המאה ה-18. הפסנתר הראשון, שתיכנן ובנה ברתולומיאו כריסטופרי, אוצֵר כלי הנגינה של משפחת מדיצ'י, שינה את פני המוסיקה המערבית לעד. המנעד הרחב, מערך התווים שנפרש בשחור-ולבן בצורה כה נוחה וזמינה ויזואלית, היכולת לשלוט בעוצמת הצליל באופן אינטואיטיבי, באמצעות עוצמת הלחיצה על הקלידים – כל אלה הפכו אותו לכלי הנגינה המושלם. אלא שהבטחה אחת של הפסנתר מיאנה להתגשם, והיא ההבטחה של מעבר חלק בין סולמות בניגון אותה המנגינה (טרנספוזיציה). הצלילים לא עשו כמצופה מהם; פסנתר מכוון להפליא בסולם אחד צבר זיופים בסולמות אחרים.

כדי להבין את עומק הבעיה יש לזכור שמרווחי הצליל המניבים את הסולמות המוזיקליים השונים נשמעים לחוקיות המתמטית שגילה פיתגורס (לדוגמה, יחס של 2:1 מניב שוב אותו תו, רק באוקטבה אחת גבוה יותר מן המקור). כל מיתר של גיטרה או כינור יכול להניב תווים רבים ושונים, כשמיקום אצבעו של הנגן על המיתר הוא שיקבע את גובהם. בפסנתר, לעומת זאת, כל קליד מאפשר להפיק תו אחד ויחיד. לכן צריך לקבוע את היחסים בין צלילי הפסנתר מראש – ולעשות זאת באופן שיאפשר לנגן כל תו ותו.

מתברר שזה לא לגמרי אפשרי. אם ננסה לכוון את הפסנתר על פי היחסים הפיתגוראיים, הכוונון יעבוד בסולם אחד – אבל לא באחרים. ההפרשים ילכו ויצטברו, ויצירה שאפשר לנגן בפסנתר כזה בסולם לה לא נוכל לנגן בו בסולם אחר בלי להיתקל בסטיות צליל טורדניות.

מראה הצבה מתוך "רועות", מאיה דוניץ במשכן האמנים הרצליה, 2021, צילום: דור אבן חן

הפתרון שנמצא נשען על רמאות גרידא: במקום לדבוק במרווחים הפיתגוראיים, ה"טבעיים", הוחלט לבחור בפרדיגמה מלאכותית ולחלק את האוקטבה ל-12 מרווחים שווים בתכלית. ההקפדה על המרווחים הפיתגוראיים הומרה ביכולת לבצע טרנספוזיציות.

כך בא לעולם הכוונון המושווה, שמאפשר לנגן על פסנתר מלודיות בכל סולם, אך במחיר זיוף קל של כל תו ותו. אמנם מדובר בסטייה קלה, כזו שהאוזן האנושית אינה יכולה להבחין בה, אך יש לה השפעה מכרעת על הצלילים העיליים שנוצרים מאליהם מתנודות המיתרים ומעניקות לכלי הנגינה את ה"צבע" הייחודי לו. בכוונון פיתגוראי, תדירויותיהם של הצלילים העיליים הן כפולות שלמות של התדר היסודי עד אינסוף – אך  מרגע שהוחלט להשתמש בכוונון המושווה, הנסמך על החלוקה המתמטית הנחרצת, נגדעה הסדרה. ההרמוניות העיליות הדקות נשמטו בצד הדרך. המוסיקה הוכנסה לסד בצורת פסנתר.

הכוונון המושווה הכתיב, למעשה, את אופיה של המוסיקה המערבית. מאותו רגע ואילך ניתן היה לכונן מערכת חוקים עקבית וסימטרית, עולם סדור ושטוח שהולבש על מציאות מורכבת ממנו. כך זכינו לקלידים המסודרים באופן מושלם: ממשק משתמש נוח שמאפשר לא מעט, אך תוחם את המשתמש עצמו בגבולות נוקשים, כדרכו של כל ממשק משתמש.

נצחונו של הכוונון המושווה היה לפיכך שיאו של תהליך רציונליזציה. תהליך תכליתי.

אין זה מקרי שהכוונון המושווה זכה למעמדו הרם דווקא בזירת ההגמוניה התרבותית של הקפיטליזם. אתוס החופש היצירתי של התקופה הרומנטית פגש בסטנדרטיזציה שהיתה משאת נפשה של המהפכה התעשייתית, ומפגשם תחם את גבולות המגרש המוסיקלי לדורות הבאים. התוצאה היתה עושר מוסיקלי עצום, שהביא לכמה מפסגות היצירה האנושית, אלא שזו אינה רק היסטוריה של עושר – זו גם היסטוריה של ריסון. של הצרה.

מה ממתין מחוץ לגבולות הטריטוריה שגבולותיה המלאכותיים נתפשים כיום כטבעיים ומובנים מאליהם? מה באשר למערכות יחסים לא מתונות, לא מכווננות, צורמות, משוחררות?

להקות פרא

פסנתרים הם לרוב בריות יחידניות. על פי רוב יימצא כל אחד מהם בדד בסלונו או בחדר החזרות, באולפן או באולם התזמורת. אך כעת היו הפסנתרים לקולקטיב. לא עוד זרים, כי אם להקה. עדר. פסנתרי הפרא של דוניץ הם ממותות קדמוניות שנוהמות זו עם זו.

עם שותפה, מעצב הסאונד דניאל מאיר, דוניץ שולחת אליהם באמצעים דיגיטליים פעימות (pulses) שמפעילות את הדחף (impulse) הכמוס בגופי העץ האנלוגיים. האות הוא ראשית הרעד, הגוף מגיב לרעד, וכך נוצרת מוסיקה עתירת דקויות של עוצמה ושל תדרים.

גילם של הפסנתרים ניכר בהם. ניכרים בהם סימני השימוש, הטלטול, הלחות ושינויי הטמפרטורה. ציפוי הקלידים האקרילי מצהיב, סדוק או נעדר כעור שהתקלף. גם בשר העץ חשוף. מקומות שהבהיקו בעבר נותרו עמומים או מתקלפים. סימני מזיקים דוגמת עש ומכרסמים מנקדים אותו כצלקות וככתמי שמש. קורוזיה אטית ונחושה מנקדת ומעכלת את מיתרי המתכת. ההתייבשות וההתכווצות חרצו קמטים וסדקים בגופים היגעים. המנגנון שחוק. רק המספר הסידורי וסמל היצרן משמשים עדות, הד קלוש לזמן שבהם היו הפסנתרים מנגנים. נדמה שכעת הם אחוזי שַׁתֶּקֶת. יש משהו מכמיר לב בפסנתר שאינו יכול לנגן. התקבצותם של כמה מהם במקום אחד משווה לחלל מראה של שדה קבורה לחיות קדמוניות.

מראה הצבה מתוך "רועות", מאיה דוניץ במשכן האמנים הרצליה, 2021, צילום: דור אבן חן

החיות הגדולות והפגומות משילות מעליהן את שימושן ואת זהותן היציבה. הן מתרחקות מהקבוע ומבכרות על פניו את המשתנה, את הפוטנציאלי. הקבוצה כולה נעה מאחדות למורכבות, מארגון לאנרכיה. סדר הדברים אינו יכול עוד להכיל אותם, הם מערערים על מערכת הכוח שבמסגרתה ולמענה נוצרו. הפסנתרים מתמסרים לגלים המשודרים אליהם וזורמים בעצמותיהם. תם זמנו של הפסנתר המאולף. במקומו ניצבת להקה בלתי צפויה, בלתי נשלטת. זהו זמנו של החריג, המודר והמושתק. טווח התנועה המותר אינו אפשרי עוד, ועל כן לא נותרה ברירה אלא לפרוץ ממנו החוצה. כוחו של ההיגיון אינו יכול לנחשול התשוקה. משוחררים מאילוצים של כוונון מתמטי ושל סדר נורמטיבי, הפסנתרים נחלצים גם מעריצותו של הנורמלי. הם יוצאי הדופן, השוטים, הפלואידיים, הלא-מקובלים. הם הסוטים מן השיטה. פגימותם אינה עוד דרך ללא מוצא, אלא חומר גלם. כלי שניתן לפרוץ בו דרך חדשה.

הפסנתרים שתרבותם נפשטה מהם מקבלים כעת הוראת רטט היישר מן האוויר. גלי הקול מתפשטים מתיבות התהודה אל חלל התצוגה, מהדהדים בין קירותיו וצוברים עוד ועוד שכבות של צלילים עליים.

המפגש הראשון עם שירת הפסנתרים עלול להיתפש כמאיים למי שמורגל בתריסר חצאי טונים סדורים. הוא עלול להעביר בגוף רעד לא-רצוני. אלא שההליכה בין הפסנתרים כמוה כהליכה בזרם מים: ההתנגדות לא תועיל, רק תפעיל על ההולכים כוח לא רצוי. אם נרפה, כשם שעשו הפסנתרים עצמם, נצליח גם אנחנו להיסחף בדינמיות של הלהקה, לווסת את פעימותינו לפי פעימותיה, להיות חלק מתנועתה. נוכל לגעת בפסנתרים, לשבת ולשכב עליהם, לגעת בצליל ולהניח לו לעבור גם דרכנו.

זו הזמנה להיזכר בכך שהצליל הוא תנועה בחומר, ושכל הפרטים בלהקה יכולים לקחת בה חלק ולשיר יחד. כוחה של הלהקה הזו נסמך על ייחודו הבלתי מתקהה של כל פרט.

זו תנועה שעוצמתה בשוליים.

גם בעצמות יבשות יש שירה.

הפוסט שירת העצמות הופיע ראשון בערב רב Erev Rav


תלוי מקום –יהודית שלוסברג יוגב

$
0
0

 הציגי את עצמך ואת החלל שאת מנהלת.

שלום, אני יהודית, אני אמנית, אוצרת עצמאית וכותבת. למדתי אמנות במכללת תל-חי ואוצרות במרכז לאמנות עכשווית בתל אביב, אם כי אפשר לומר שבית הגידול האמנותי שלי היה ועודנו מרכז "מעמותה" של קבוצת סלה-מנקה בו פועלים אמנים ירושלמים מדהימים.

כאוצרת עצמאית הייתי מעורבת בעשור האחרון בסצנת האמנות הניסיונית בירושלים, ניהלתי אמנותית פרויקטים מורכבים ומגוונים שבבסיסם מחקר אמנותי ייחודי, ליווי תהליכי עבודה של אמנים להפקת יצירות מקור והתרחבות מושג האוצרות למחוזות של עירוניות, פוליטיקה ונרטיבים דתיים. ואז אחרי כמעט עשור של עבודה ברחבי העיר, עם הרבה מגופי התרבות שפועלים בה, יזמנו לפני כשנה וחצי, יצחק מזרחי שהוא חבר טוב ושותף לעשייה ואני, את הקמת מרכז ענאנה – אמנות עכשווית, טבע ומחקר בעין יעל (יצחק הוא אמן ואוצר שיזם, מנהל ואוצר בשיתוף את ״קופסה שחורה״, יוזמה עצמאית שהתמסדה כגלריית רחוב וכפלטפורמת קבע לתצוגה במרחב הציבורי בירושלים).

מרכז ענאנה הוא מרכז אמנות עכשווית שמוקם בימים אלה בתוך האתר הארכיאולוגי עין יעל. למעשה, ה״חלל״ של המרכז הזה הוא החוץ; הטבע. זה מרחב מדהים של 60 דונם שנמצא בקצה נחל רפאים ליד תחנת הרכבת של מלחה, ובו בוסתני עצים המכילים מאות עצים מעיין, ניקבה, שרידי וילה רומית עתיקה, פסיפס, חמאם עתיק, טרסות וציפורים. לאורך השנה וחצי האחרונות יצחק ואני חוקרים את המרחב הזה ומנסים להבין אותו ביחס לאמנות עכשווית וביחס לאפשרות לחזור ולהתייחס לטבע כקרקע פורייה ליצירת תרבות חדשה. למרכז יש שלושה ענפים וכרגע אנחנו עובדים על שלושתם במקביל:

  1. גן שבילים – מרחב תצוגה לאמנות עכשווית בטבע
  2. סדנאות אמנים
  3. אירוח אמנים בבקתות ייחודיות במסגרת תכניות שהות אמן.

יהודית שלוסברג יוגב ויצחק מזרחי

איך נולד החלל ואיזה חלל הוא בא למלא?

בספטמבר 2019, במסגרת פסטיבל "מקודשת", יצחק ואני אצרנו פרויקט בשם "מבדדים" ("בקצה השביל"). הפרויקט עסק, רגע לפני שהבידוד נכנס בעוצמה לחיינו, בהתבודדות במרחב העירוני ודן בה כפעולה אקטיבית של חיפוש אחר קיום מנטלי אחר. הפרויקט הציע לקהל הרחב מקומות להתבודדות בירושלים. בכל אתר שכזה יצר אמן עבודת אמנות תלוית-מקום (site specific), המתייחסת לגיאוגרפיה/היסטוריה/פוליטיקה של המקום וממוענת לצופה בודד. בחירת המקומות הייתה פרי של מחקר קצה. במשך חודשים שוטטנו בירושלים בחיפוש אחר ה"מבדדים", והשיטוט הוביל אותנו אל סף העיר, אל המקום שבו העיר העכשווית והמוכרת נגמרת וירושלים קדומה ופראית של שכבות ותפרים מתגלה.

אחת העבודות בפרויקט הייתה העבודה ״בטן הלווייתן״ של הגר גורן וניר יהלום. העבודה התקיימה בתוך מערה עמוקה מימי בית שני, בגן העצמאות בירושלים. הצופה המתבודד נכנס למערה לבד. למטה, בעומקה, חיכה לו כיסא מואר אליו חובר חיישן נשימה. כשהצופה התיישב על הכיסא החיישן ניטר את נשימתו. קצב הנשימה הייחודי של הצופה הפעיל והשפיע על מערכות הסאונד והתאורה במערה. היה זה מעין מופע נשימה לצופה בודד ה״מנשים״ את עומק האדמה ומונשם על ידה בה בעת. הפרויקט בעין יעל נולד כהמשך של אותה חקירה של יחסי תודעה בין אדם למקום ולטבע, חקירה שעוברת דווקא דרך מרחב העיר ושיטוט בקצוות שלה. למעשה כבר מספר שנים שאני חווה את הנושא של טבע-תרבות כנושא עם איכויות מיתיות.

הנושא הזה – טבע-תרבות – מעלה קודם כל, כמובן, את העניין האקולוגי. אנו עדים לרגעים עוצמתיים בהם הטבע מסרב להיות מתורבת ומנוהל, מחזיר עשן תחת עשן, מאיים להשתלט בפראות חזרה על הציוויליזציה ששולטת בו באמצעות ייצור, הפקה, פליטה וזיהום. אבל יותר מהנושא האקולוגי מרתק אותי משחק הכוחות טבע-תרבות, שהעסיק את האדם מאז ומעולם. מבחינתי זה רגע מרתק בעידן האנושי, בו שוב מתערערים היחסים בין טבע לתרבות וכתוצאה מכך מתערערים גם מקומה ותפקידה של התרבות בכלל.

אז אמנם המציאות היומיומית של העולם בשנה וחצי האחרונות מצביעה על מחלה, אך כמו שאמר דייויד הנרי ת'ורו: "יש אפילו צורות של מחלה המנבאות צורות של בריאות". המגיפה שפשטה בעולם נתפסת בעיני כצורה של מחלה המנבאת צורה של בריאות בדמות עצירה, התכנסות, מקומיות וגם קריסת מערכות פוליטיות, כלכליות, חברתיות ואישיות. החלל שהמקום הזה בא למלא קשור מאוד למחקר ולניסוח היחסים האלה בין טבע לתרבות.

בהקמת המרכז הזה אני רואה את תפקידנו כשותפים בעיצוב צורתה של הבריאות, כלומר ביצירת אלטרנטיבות תרבותיות מרפאות ומחיות בתוך משבר. זו יוזמה שרוצה להציע מענה לחולי ואפשרות אחת מיני רבות של ריפוי.

מרכז "ענאנה" בעין יעל

חלל נוסף שהמקום הזה מנסה למלא הוא התמודדות עם סוג של ניתוק שאני חווה בשנים האחרונות בעת המפגש עם שדה האמנות ובמיוחד האמנות הפלסטית. לתחושתי, במקרים רבים השדה הזה הולך ומתנתק ממרחבים של חיים וככזה הוא הולך ומאבד את זכות קיומו. בספרו, שנקרא "ברגל", כותב דיויד הנרי ת'ורו: "עיירה ששוכנת בסמוך ליער-עד ואדמת בראשית מרקיבה תחתיה – יישוב אשר כזה עשוי להצמיח מתוכו לא רק תירס ותפוחי אדמה, אלא משוררים ופילוסופים שחזונם יזהיר לדורות הבאים". אני חושבת שקיימת בכולנו איזו כמיהה דחופה ליצור מתוך מרחבים של חיים, של חברות, מתוך שייכות למקום ובקרבה לטבע, ועין יעל על סמיכותה לעיר ועל שלל היוזמות שהולכות ומתפתחות בה לאחרונה בתחומי טיפול, קהילה, ידע ותרבות, היא מקום שמזמין עשיית אמנות חדשנית מתוך חיבור.

איך פעלת השנה? איך הקורונה השפיעה עלייך?

מה שמעניין הוא ששנת הקורונה הזאת הייתה עבורי אחת מהשנים העמוסות בחיי. אמנם על הקמת המרכז התחלנו לעבוד כחצי שנה לפני פרוץ המגיפה אבל ככל הנראה דווקא היא נתנה לתוכניות משנה תוקף ודחיפה קדימה. אז במהלך חודשי הקורונה (והרבה בזכות המחלקה לאמנות והרשות לצעירים בעיריית ירושלים שזיהו ותמכו ברעיון ממש מראשיתו) התחלנו לעבוד פיזית במקום. לאורך כל החורף שיפצנו מבנה אבן מדהים ששימש כסדנאות תצוגה של מלאכות עתיקות והכנו אותו כתשתית לסדנאות אמנים פעילות. יריב בונו הבנאי-אמן הוא הרוח והידיים מאחורי השיפוץ המדהים הזה שכולו נעשה מחומרי המקום ובעבודת יד נדירה, ואני (בהיעדר משאבים וכוח אדם) הייתי הפועל השחור. חפרתי תעלות, סחבתי מריצות, הוצאתי מסמרים וקבלנתי את השיפוץ. זה היה מהלך מרגש וקשה בו זמנית, הזדמנות להיקשר בזיעה ובמאמץ למקום מתוך מחויבות לחלום שלא ברור אם יוכל להתממש.

חוץ מזה במהלך השנה הזאת ואחרי הרבה שנות נדודים משפחתי ואני קנינו בית (ישן ומוזנח שדורש שיפוץ) ככה שאפשר לומר, בגדול, שהקורונה גרמה לי לעניין רב בחלונות בלגיים, אריחי בטון ורצפות עץ ולהבנה (מסוימת) בענייני טיח לבן, צינורות פקס ותעלות ביוב. אני שוקלת הסבה מקצועית.

מרכז "ענאנה" בעין יעל

מי היית רוצה שיבוא לבקר? (אפשר לציין שמות של א.נשים ספציפיים, חיים או מתים)

תראי, אתר עין יעל על אף קרבתו לעיר ועל אף שנות קיומו הרבות הוא מקום שנעלם מהתודעה הירושלמית. אז האמת היא שיותר מהכל הייתי רוצה שפשוט יבואו לבקר בו אנשי העיר: שכנים, אמנים, חברים, שוחרי אמנות, ילדים, משפחות, שהמקום הזה ייפתח בפניהם תודעתית וגם פיזית. בדמיוני אני רואה את המרחב הזה, בעתיד הלא רחוק, כמרחב שחי כבית מלאכה גדול או כמעין כפר המקיים מכלול קשרים בין היוזמות הפועלות בו. הלוואי שנצליח לבסס אמנות עכשווית בחלקת אדמה מקומית, להוות בית להתגבשות של קהילת יוצרים, לאפשר לקהל הרחב לצאת לטבע, לשאוף אוויר ולצלול לתוך חוויות אמנות רב חושיות על העצים או תחת שמים זרועי כוכבים.

״אמנים טובים מעתיקים, אמנים גדולים גונבים״. מי מקור ההשראה הגדול שלך? למי היית רוצה להדמות?

האמת שמקור ההשראה הגדול שלי הוא סבתא שלי, סבתא חנה. היא הייתה אישה אגדה, אישה גדולה מהחיים (וכבר שנים רבות חולה באלצהיימר). חנה רבינוביץ היא אישה נמוכה מאוד, עם פאת תלתלים בלונדינית, שהייתה שותה 12 כוסות קפה שחור ביום, אוכלת מספר חבילות שוקולד ומאמינה עד כלות בחיי הרוח של האנושות. היא נטעה בי איזו תחושה של חופש, של אמונה ביכולת לשנות את העולם באמצעות מילים ורעיונות. אני מתגעגעת אליה מאוד והלוואי שגם היא הייתה יכולה לבוא לבקר בענאנה.

מה תכניות העבודה לשנה הבאה, ומה היו התוכניות האידיאליות בתקציב בלתי-מוגבל?

לחללי העבודה נכנסו בחודש האחרון אמנים מכל תחומי העשייה הפלסטית (תמר שיפוני, מיכל רוטשילד, גיא סער רוסו, דפנה אנגלנדר, ברניקה שניידר). האמנים האלה יעבדו בסטודיו שלהם ובנוכחותם במרחב יהוו מעין תשתית קהילתית לחיים ועבודה במקום ולהתפתחויות אורגניות של המרכז.

גיא סער רוסו עובד בסטודיו על הדפסי עץ

בנוסף, בקיץ הקרוב אנחנו עומדים להשיק מרחב תצוגה לאמנות עכשווית בטבע בשם "גן שבילים". בקצה האתר ישנו גן מדהים שעומד נטוש, יש בו שבילים המתפתלים בין טרסות, עצים, בריכות ותעלות מים. הגן הזה נבנה לפני כ-20 שנה אבל כיום הבריכות עומדות ריקות, תעלות המים נחסמו בעשבייה, צמחים קרסו וחסמו את שבילי ההליכה. הכוונה היא לפתוח על בסיס הגן הקיים גן זן ייחודי בירושלים, מרחב להתבוננות פנימית דרך התבוננות בטבע ובאמצעות עבודות אמנות. בימים אלה אנו עובדים עם אמנים על יצירת עבודות מקור אשר יתמקמו במרחב הטבעי. האירוע בקיץ יהיה אירוע לילי בו ייפתח הגן הנעלם לקהל הרחב עם עבודות אמנות חדשות שיהוו תשתית לתצוגת קבע בגן, שיפעל בהמשך לפי עונות השנה.

בעניין תכניות אידיאליות בתקציב בלתי מוגבל – באופן הזוי ולמרות שאנחנו מאוד מאוד דלי תקציב – אנחנו מנקודת מבטנו עובדים למימוש התוכניות האידיאליות של המקום. כל הפרויקט הזה היה נראה לפני שנה אידילי לחלוטין ולא פרקטי בעליל. שילוב של חלום חזק, התמסרות, עבודה צוות טובה (בהתנדבות) ותכנית עבודה מפורטת, וכמובן תמיכתם של כמה גופי תרבות יקרים, מאפשרים לנו לקדם את החזון הענק הזה צעד צעד, לאט לאט, כאילו היה לנו את כל הכסף שבעולם. חוץ מהקשיים הגדולים שמתלווים לעבודה בתקציב זעום יש גם יתרון לעבודה באופן הזה. היא מדויקת ומחייבת לעבוד שלב שלב. זה מרגיש נכון כשמנסים לבסס מקום לשנים ארוכות קדימה.

הפוסט תלוי מקום – יהודית שלוסברג יוגב הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

סוד הגן הנעלם

$
0
0

אירית רוגוף: לרגל פתיחת הפרויקט החדש שיצרת בעקבות גן הורדוס, נפגשנו לשוחח על מושגי היסוד שמעגנים את עבודתך. כמו אמנים רבים הפועלים כיום, את חוקרת, מודדת, מסתכלת ומחברת מערכות ידע רבות. המערכות הללו מעוגנות בטבע שסביבנו, במחזוריות שבו ובסיפורים בהם הטבע מגויס לתובנות תרבותיות ופוליטיות. נקודת המפתח היא, אולי, החומריות הייחודית של מרכיבי הטבע השונים, שבמרכזם ניסיון לחבר בין קיום גאו-תרבותי במקום ובין יקום שדורש התמודדות עם סוגיות קיומו. תוך כדי כך, פיתחת מספר מושגי יסוד שחשובים לפעולה שלך. אולי נתחיל בכך שנדון בכמה ממושגים אלה.

רלי דה פריס: אתחיל ממושג שנולד מתוך פרויקט מסוים אבל מוטמע גם בפרויקטים נוספים בהם אני עוסקת; ״המצב הערימתי״. המושג התפתח כתוצאה מעניין מתמשך ומעקב אחר הופעתן של ערימות חומרי גלם בתוך מרחבים טבעיים או מרחבים מופרים, שהייתה בהם התערבות אנושית וטבעית כלשהי; תנועה במרחבים של כרייה, חציבה אל אזורי הבנייה וההרס. כשאנחנו רואים חומר נערם, לרוב אין לנו מושג מדוע ומאין הוא הגיע לשם, האם הוא הושלך לפני תהליך או לאחריו. רגע הופעת הערימה הוא נקודה ציון בזמן שנוכח במרחב, לפני הבניה או לאחר ההרס.

הערימות נוכחות כעדות לאירועים משמעותיים שמתרחשים בהן, אבל הנוכחות שלהן כמעט מרוקנת ממהותה, מתחמקת ממשמעותה. כשהערמות מתגלות מול עינינו, אנחנו לא מתייחסים אליהן כי אנחנו רואים בהן משהו סתמי ומובן מאליו. הן גלויות אך אילמות, חומר שנערם ובו בזמן מערים. הערימות ״מדווחות״ על פעולות שמשנות תבניות של מקום, ובתנועתן המונעת ממעשי ידי-אדם הן מייצרות טקטוניקה חדשה. בערמות שמוטלות בשטחי הפקר, מכוונה או מהזנחה, מתפתחות מערכות מיקרו-אקלימיות, אקו-סיסטמיות, נתונות לשינויי אקלים. צמחים נקלעים ומשתרשים בתוך החומר שנחצב, הובל ונפרק הרחק ממקור היווצרו, וכך הערימות משנות לא רק את תבניות הנוף אלא גם את השכבות הגיאולוגיות אשר עליהן הן שוכנות, ולמעשה מסוות את עצמן כחלק מהנוף. אך אם נעקוב אחר הגנאלוגיה של החומר ואחר המשמעויות הכלכליות, הגאופוליטיות והסביבתיות שפעולה זאת מכילה, תתגלה במתח שבין הראיה והידיעה תופעה דרמטית, מורכבת ומלאת סתירות, שמתוכה נוצר "המצב הערימתי"; הוא נראה אך מוסווה, יש לו משמעות אבל אין לא משמעות.

המבט הראשוני שלנו מופנה בדרך כלל כלפי פני הנוף ולא כלפי מורכבות חומריו. מי הוא החומר? כאן אני שואפת לנסח מחדש שוב ושוב את אחת השאלות המרכזיות בעבודותיי, שהיא הפער בין שטח פנים, צורה, תבנית (כלומר טריטוריה), ובין החומר שממנו הם עשויים. אני מעוניינת להסתכל על החומר לא רק כנשא ועד אלא כנושא עצמו של חתכי העומק הגיאולוגיים שמרכיבים את הטריטוריה, של הכוחות שמעצבים את חיינו במובן של ניצול משאבים ושינויים מהותיים. אנחנו עצמנו חיים בתוך ומתוך הרצף הזה של חומרי היסוד.

חומרי הגלם נמצאים במעבר, בתנועה, בהתרכבות והתפרקות, ומגלמים בפעולות אלה מושג נוסף, אותו אימצתי משדה ההנדסה האזרחית, "Cut & Fill". זוהי תכנית עבודות עפר שבה נפרסת רשת על גבי השטח הטופוגרפי הקיים והמתוכנן, ועל גבי הרשת מחושבות כמויות חפירה (CUT) לעומת כמויות הוספה (FILL). זהו חישוב של חיסכון בעלויות ההובלה שיש לו גם אלמנטים של שימור סביבתי. במובן הרחב שלו, המושג "Cut and Fill" הוא למעשה עודפות וחוסר. כך ניתן לדבר על הכוחות שפועלים בעולם, על אימפריאליזם, על גריעה וניכוס של משאבי טבע כמו חומרי גלם וצמחים שנלקחים מאזורים מוחלשים ומשונעים לאתרים מרוחקים ועשירים יותר. לפיכך, מתקיימים יחסי כוח בטריטוריות שהבעלות עליהן אינה חד-משמעית. "המצב הערימתי" מספר על יחסי הכוח הללו במצבים של עודפות וחוסר, של גריעה והוספה.

רלי דה פריס, "עכובית הגלגל", צמח עכובית הגלגל, חוטי כותנה, 1×1 מ׳, 2019

כשחומרי גלם מופיעים ברגעים טרגיים של הרס מבנים, מתוך כוונה או לא, מתרחש ״תהליך ערימתי״ הפוך: אנחנו יודעים בדיוק מה קרה ומה הסיבה, אז חומרי הגלם נוכחים כגל-עד לכוח וחולשה של מצב קיומי. ובאורח פרדוקסלי, ערימת ההרס מחזירה אותנו דרך השברים למקור החומר שממנו בנוי הבית. מה שאיננו יכולים לראות דרך הקיר האטום ניתן לראות דרך שבריו. זוהי מעין דיאגרמה הפוכה של "המצב הערימתי", כלומר, ב"מצב הערימתי", הנע בין הסוואה לחשיפה, מתקיים ספקטרום של תודעת המרחב שמאפשר לחשוב דרכו פיסית ומושגית.

בשיחות קודמות שלנו דיברנו על סלע הכורכר כעד מרתק וכסוכן שמדווח על עמוד הזמן של אזור אגן הים התיכון המזרחי אתו אני עובדת. הסלע הוא סמן למפלס המים שהשתנה, וכנראה עוד עומד להשתנות, מאחר שהוא נוצר תמיד בשולי הים. הוא מסמן לנו את קו הזמן של תנועת המים והתגבשות חומרי גלם כתוצאה מכך. אחת התכונות הייחודיות של הכורכר היא שאותם תנאים המאפשרים את היווצרותו, כמו תנועת חולות, רסס הים, ושינויי טמפרטורות, הם לעיתים קרובות גם אלו שמפרקים אותו. כמו כן, הוא סלע שנחצב לבניה מאז התקופה הביזנטית, ולכן עבורי הוא עמוד זמן פיסי ותרבותי, שאת תולדותיו המרתקות ניתן לקרוא באמצעות המפגש המורכב בין תכונותיו שלו עצמו, כלומר, של השכבות הגאולוגיות, ובין החציבה, הבניה והאופנים בהם נוצל החומר לאורך השנים.

רוגוף: אני רוצה לשאול אותך שאלה שקשורה למחשבה ולהתבוננות הזו בשדה האמנותי: הפכת את ״הערימה״ ל״מצב הערימתי״, את לא מנסה למקם כל ערימה וערימה בתוך הקשר ספציפי או מדויק של היכן היא נמצאת, למה היא נעשתה, מדוע היא נעזבה וכן הלאה? בנוסף, את מדברת על כך שהעין מתרגלת לשינויים כאלה בנוף. בעבודה שלך את מפגישה אותנו עם ה״התרגלות״ הזאת, מאירה את עיננו לצורת ההתבוננות שלנו, שבעצם יוצרת את הסתמיות של הערימה. את לא מנסה לספר את הסיפור המדויק שלה, במקום זאת, את עוברת מ״ערימה״ ל״מצב הערימתי״, וזה בעיניי מהלך מעניין המייצג הרבה עבודות שאני רואה סביבי. מה שמאפיין מהלך זה הוא לקיחת תופעה מסוימת מאד בטבע או בסביבה המידית שלנו, והפיכתה למיקום של דיבור על נושאים רחבים יותר, מהלך של מעבר מתופעה למושג.

דה פריס: אמנם ה"המצב הערימתי" הוא מושג מופשט, ומהווה בסיס למחשבה ולדיבור, אבל  אני בלשית די קפדנית של תופעת הערימות במרחב המקומי. אני עוקבת במשך שנים אחר ערימות שכל אחת מהן מספרת סיפור מפותל של מאין הגיעה ואיך התפתחו בה חיים, או לעיתים מה גרם להיעלמותה. זה משהו שמאפיין את העבודה שלי ואת האופן בו אני מתבוננת ולומדת על תופעות שמערבות טבע ופעולה אנושית. אני חוזרת ל״זירת הפשע״ ומנסה להבין את המנגנון שמייצר שינויים מכוונים ואקראיים, מזהה את הכוחות הטבעיים והאנושיים שפועלים שם יחד. רק מתוך למידה של סוגי הערימות אני יכולה להבין את התופעה הגדולה יותר עליה הן מדווחות.

רלי דה פריס, גביש, ספוג ומלט, 30×15 ס״מ, 2020

רוגוף: כל ערימה ״מספרת את הסיפור שלה״ ומתייחסת לסביבתה, ול״מצב הערימתי״ יש את היכולת להתקשר ל״מצבים יקומיים״.

דה פריס: נכון, ה"מצב הערימתי" הוא מצב יקומי, או קיומי, שמסמן תנועות ופעולות דרמטיות תוך הסוואה וטשטוש כתוצאה מהעורמה של הערימה, ונראה שכך מתנהל חלקו הגדול של העולם. זאת כאשר המשמעות החומרית והכלכלית של הערימה אינה עומדת מול עינינו ואיננו מודעים לקשרים שהיא מייצגת. חשוב להדגיש: אותם ״מצבים יקומיים״ שאני מסמנת לא מגיעים אלינו דרך החדשות, דרך איזו קטסטרופה או ״איום של שינוי אקלים״, אלא דרך התבלות, דרך אסונות קטנטנים, יומיומיים, שקופים, שמלווים את חיינו ואין להם ערוץ תקשורת. הורגלנו לחשוב על שינויים דרמטיים דרך מידע שמגיע אלינו בכל מיני דרכים ותבניות, כמו  גרפים, סטטיסטיקות, מדידות של הנראה והלא-נראה. נראה לי שיש לנו צורך לפתח מחשבה ושפה יומיומית שיאפשרו לנו לקרוא ולהכיל את ההתבלות של סביבתנו הקרובה. תודעת הקיום שלנו לא תיבנה על כתב כמויות ומידע סטטיסטי. אולי אם נפגוש ונזהה את השינוי מול פנינו יהיה בכך ערך שיכול לחולל בנו שינוי.

אני מציעה לקרוא את הערימה עצמה כ״גרף דיאגרמי״ חי, שמונח ב"מישור חיינו הגרביטציוניים", כפי שאני מגדירה את המצע עליו מתחוללת הדרמה הזאת. חומר הערימה עצמו מכיל כמויות גדולות של נתונים וידע. זה אינו גרף מקובל הבנוי משני נתונים, מכיוון שהחיים המשתנים בתוך הערימה מכילים נתונים מורכבים וסותרים. זהו נתון חי ודינאמי, אולי אפילו אינטראקטיבי. בעוד שהערימה עצמה מתנגדת למצבה היא מגלמת בחומריות ובהתנהגות שלה, בגופה ובגבולותיה הלא יציבים, את ההתנגדות לניכוס החומרי שנעשה בה, ומסמנת בכך מצב.

המרכיבים האחרים שנוכחים במרחב ב״מצב ערימתי״ סתמיים לכאורה, בלתי "נספרים" כמו הערימה עצמה; מרצפת משתלבת, קוץ מתגלגל או תבניות יצוקות שמעצבות ומסלילות את המרחב. כמו כיפות המחסום שמילאו את הארץ, שיצאו בינתיים מהתקן, ועמודי מחסום אחרים, כדי הפינג'אן בכניסה למסעדות פלסטיניות וכו׳. ישויות אלה מיוצרות מחומרי גלם טבעיים ונוצקו לתבניות מובנות מאליהן במרחב, אבל ניתן לקרוא דרכן סמנים של כוח, של ניכוס. בו בזמן אני מזהה את התנגדות שלהן, ובכך הן סוכנים של הסתירות שמתקיימות במערכת היחסים של מקום ויקום, טבעי ואנושי, והן תמיד יתקיימו במרחב שאינו מוגדר ואינו מגדיר את גבולותיו.

רוגוף: אי-אפשר לנסח מושג כמו ״המצב הערימתי״, מצב שמחבר יחד את כל התנאים הספציפיים של ערימה ואת כל התנאים הרחבים יותר, לא רק התנאים החומריים של ההתבוננות אלא תנאי מצב שגם מושפעים מדחפים חזקים, אידיאולוגיים ופוליטיים, שבאים לידי ביטוי על ידי ״פיתוח יתר״, השתלטות על טבע וכדומה. יש סוגי ידע נוספים שנתקלתי בהם בעבודה שלך, הנוגעים במה שקורה ״מתחת לפני הקרקע״ מבחינת שכבות גיאולוגיות ומה שצומח מהקרקע, כל אלו אינם שוכנים בתוך ״הסיפורת״ הספציפית שלהם, אלא מתחילים לנוע בין גופי ידע ולסמן לגיטימציה אידאולוגית. ידע הוא מערכות שלובות של תנאים, תובנות ותנופות שפועלות בו-זמנית במישורים חומריים וכוחניים. איך את היית פורסת את המנגנונים האלו בעבודתך?

דה פריס: אני רואה את המערכות המשולבות האלה כמצב גלוי/מוסווה. כשאני חושבת על ״המצב הערימתי״ אני חושבת על מיסוך דווקא ולא על מנגנונים גלויים, כי הערימה גלויה אבל המצב שהיא משקפת מוסווה. אני חושבת שאנחנו חיים במצב מוסווה, אבל באופן פרדוקסלי דווקא המוסווה נוכח וברור בלב החיים שלנו. בעבודתי אני מקווה שאני מאפשרת לצופים לאתר את ההקשרים של המנגנונים האלה.

היסטורית, המיקום של האדם בטבע והרצון שלו למקם את עצמו ולדעת את סביבתו מקרינים אליו בחזרה את המקום שלו בעולם. ״המצב הערימתי״ הוא מצב מתעתע, זו התחבולה של הערימה – היא הודפת הסברים במהותה – אבל יש לה הסבר מסוים ולכן היא מאגר ידע משמעותי. אין פלא שבמדעי המחשב נקבע המושג ״ערימה״ לתיאור אחסון של ידע, ערימת נתונים. לכאורה, ניתן למדוד ולכמת את הערימה הפיסית, אפשר לחקור מהיכן היא הגיעה ומה המרכיבים החומריים שלה. הרי זו שכבה גיאולוגית של חומר שנטחן ונוצק ואחרי שעבר מסע מאוד משמעותי – כי גרגרי החול האלו שמהם הוא נוצר הם בלייה מתמשכת מסלעים שנמצאים באפריקה, על גדות הנילוס, שנסחפו בנהר, הוסעו ונשפכו מתוך הדלתא של הנילוס לים התיכון, ומשם המשיכו והוסטו צפונה על ידי הגלים והרוח, והגיעו לחופי הארץ – יושב למשל בתוך לבני הבניין שמרכיבות את הבתים בהם אנו מתגוררים. אנחנו חיים בתוך תנועות משמעותיות ומורכבות אבל לא יכולים לאחוז בהן. התנועות האלה מתקיימות במרחב פוטנציאלי בלתי מדיד אבל בכל זאת אמיתי.

רלי דה פריס, "שולחן מלחמה", שולחן עץ, חמרה, סיד, קוורץ וחול מחצבה, מוטות אלומיניום, 2X2 מ׳, 2017, צילום: ליאת אלבלינג

רוגוף: האם את טוענת שההתבוננות, המדידה והסימון של כל אותן תאונות ואירועים קטנים שאת רואה בשטח לא משרטטים קו ישיר אל האסונות שאנו חווים היום ונובעים משינויי האקלים?

דה פריס: הם בהחלט כן, אלא שהם אינם מתוקשרים כאסון מדיד או מכומת, מלשון כמות. ה״עדים״ למצב הם יומיומיים, לא האסונות הגדולים. אם נחשוב שוב דרך הערימה, זו הנותרת לרוב בשטחים פתוחים ללא כל הסדרה, תלים של עודפי קרקע נסחפים עם מי הנגר העילי אל המקומות הנמוכים, משנים את הטופוגרפיה ואת כיוון זרימת המים הטבעי, ואז המים מציפים ופוגעים בקרקע ובצמחייה שעליה. זאת תופעה שכיחה שמתועדת על ידי חוקרי המכון לחקר הסחף. אלו שיטפונות והסטות קטנים, הם לא צונאמי, אבל במצטבר הם גורמים לנזקים משמעותיים שמערערים את היציבות של הסביבה, ומכאן חוסר האיזון האקולוגי שמשנה את האקלים. המילה ״sustainability״ נגזרת מהמילים הלטיניות: ״tenere״ (להחזיק) ו-״sus״ (מלמטה). משמעות הפועל ״sustain״ היא ״לשאת״, ״לקיים״, ״לשמר״, מה שמתורגם בעברית לקיימות, כלומר לקיים את האיזון. במצבים האלה, כשהאיזונים מופרים, אין "החזקה מלמטה". המצב הלא מאוזן הוא תוצאה של פעולות אנושיות שמשנות את מרקם הקרקע ומייצרות שכבות חדשות, כמו במושג שהצגתי קודם,״Cut and Fill״. לדוגמא, עודפי קרקע מלב הארץ מועברים לשטחי הפקר ולשטחים הכבושים, בעוד החומרים שנחצבים ברוב המחצבות המצויות בשטחים הכבושים מועברים לבנייה בארץ. אין זה מפליא, אם כן, שאסונות טבע קשורים לעיתים קרובות לבחירות ופעולות פוליטיות, ההתמקמות בטריטוריה יכולה להיות סמן מעמדי-כלכלי. מעניין אותי להסתכל על הקשר שבין תבניות נוף, ניצול נוף ומעמד של אזרחות וקיום.

רוגוף: את מתארת מצב שאנחנו מוצאים במקומות רבים בעולם, של כריית משאבים שמנשלת קהילות שונות ומחבלת באזרחות שלהן, לא רק במקורות המחייה שלהן ובקיומן אלא גם בזכויות האזרחיות שלהן. במקומות מסוימים הדבר נובע מסיבות כלכליות גרידא, מגלובליזציה ושווקים מתרחבים, ובמקומות אחרים זהו ביטוי לדחפים פוליטיים. שאלתי אלייך היא שאלה על גישור בין מחקר ובין יצירה בהקשר של העיסוק שלך בעולם הצומח, בו דברים משתנים כל הזמן בעקבות מצבים אקלימיים ומצבים פוליטיים ושלטוניים. כיצד לדעתך זה מתחבר ל״מצב היקומי״?

דה פריס: הצמחים מוגדרים כחברה, ״חברת הצמחים״. בתוך החברה הזאת חי צמח שההתנהגות שלו משכה את תשומת ליבי, צמח שגיליתי כמובן במקרה ומאז הוא מלווה אותי ואני אותו, כלומר אותה: שמה בעברית ״עכובית הגלגל״, ״עַכּוּבּ״ בערבית, ו-״Gundelia tournefortii״ בלועזית. זהו צמח גלגל, כלומר, כדי להפיץ את עצמו הוא נפרד מהקרקע ומתחיל לנוע, בעיקר באמצעות המבנה העגלגל שלו, התנאים הטופוגרפיים ומשבי הרוח, ובכך הוא מייצר מעין מיפוי של התנועה שלו. זהו צמח מאכל מסורתי בחברה הפלסטינית, והוא ״מגלגל״ סיפור גיאופוליטי-תרבותי מרתק: מצד אחד הוא הוגדר בתחילת המאה כ״עשב רע״ שמשבש את גידולי התרבות החקלאים ושיש לרסס ולהשמיד אותו, אך לפני כחמש עשרה שנה הפך לצמח מוגן. הכנסתו של הצמח לרשימת הצמחים המוגנים נובעת מהרצון לשמר את הצמח אך יש לה גם רקע אידיאולוגי של ניכוס והדרה: העַכּוּבּ הוא מעדן פלסטיני מסורתי, שהפך לחביב הקולינריה הישראלית. מכיוון שמדובר בסופו של דבר בקוץ, הקטיף שלו קשה ומתבצע על ידי הפלסטינים המיומנים בו, גם עבור השוק הישראלי. כאן נכנסים לפעולה הניכוס וההדרה, מכיוון שהקוטפים נקנסים ע״י סיירות ירוקות וחיילי צה"ל.

העכובית מסרבת לקבל את הניכוס שעברה, והיא מתגלגלת ומוצאת את דרכה לאתרים שמאפשרים את מחייתה; לדוגמא מצאתי אותה מתגלגלת לתוך מערכות לכידת מים במדבר, שמטרתן הייתה לעצב נוף חדש על פי ידע נבטי עתיק של צמחי תרבות. העכובית מצאה את דרכה אליהם ומתקיימת לצדם. היא גלגלה אותי כעדה לאין-ספור סיפורים של הגנה משפטית על קוטפים שנקנסו, לעורכי דין שהצליחו לפטור חקלאים ותיקים שקוטפים ואוכלים את הצמח. היא מספרת סיפור גיאופוליטי, תרבותי, חוקתי, וכן והתנועה שלה מנוגדת לכל מה שנכרך בה, משום שהיא מסמנת תנועה שאינה מוכתבת על-ידי דבר, ובמובן הזה היא מעניינת אותי: הנוכחות לכאורה של עשב, של קוץ שהפך מ"עשב רע״ ל״צמח מוגן״ ולישות משפטית, בתוך ״מרחב פוטנציאלי״ שטומן בחובו את האופן שבו האדם מתערב בטבע.

רלי דה פריס, פרט מתוך "גרגר", מיצב-גן, 500 מ״ר, הגלריה האוניברסיטאית, אוניברסיטת תל אביב, צילום: אלעד שריג, 2021

רוגוף: אנחנו חיים בעולם שבו המציאות היא לפחות ״חצי-דמויה״. ההשתייכות היא כבר לא למקום, אלא למשוואות שכולנו מתחברים אליהן דרך מדיה. הנוף שלנו הוא כבר לא הנוף שלנו. האם זו הפרעה גדולה לצורה שבה את חושבת? או שיש בכך אפשרות להמשיך את המחשבה בכיוון אחר?

דה פריס: את שואלת שאלה שמביאה אותי לקשר שבין ראיה וידע. האם אנחנו יודעים את מה שאנחנו רואים, האם זה ידע ממשי או שאנחנו רואים את מה שידענו מראש? התשובה שלי נמצאת בתכונות של נשאי המרחב שאיתם אני עובדת, בגוף שלהם ובמה שהם מייצגים. חלק מהכוח שאני מוצאת בהם נמצא דווקא בכך שהחומריות, ההתנהגות, התנועה והמבנה שלהם מדווחים משהו לגמרי לא חומרי, או בעצם לא ממשי. הידע והראיה מוכלים בזה. הערימה עצמה היא מחזה תעתועים, הייתה או לא הייתה. כך גם ״עכובית הגלגל״ שמתגלגלת במרחב היא כמו מקסם שווא, משום שצמח לא אמור להתגלגל ולנוע, כך הרי מוגדרת חברת הצמחים. הממשי מקרין את הבדיוני. המרכיבים האלו באים מהמציאות אבל הם נוכחים במקום לגמרי וירטואלי. הנוכחות שלהם תמיד אניגמטית, בין הזיה למציאות. ואולי זה מה שמטריד אותי ולוכד אותי: מצד אחד הם נמצאים במקום שקרוב אלינו – החומר, התנועה – אך הם לוקחים אותנו דרך הופעתם והתצורה שהם מייצרים למחוזות רחוקים, עתיקים ועתידיים. לכן, אולי, הם מאפשרים לי לפתח את המושגים עליהם דיברנו. אני לא ממקמת אותם בזמן היסטורי. נכון שיש רגע מאוד מעניין, רגע שבו הדבר הזה מופיע; הצמח מתגלגל, הערימה מוטלת על הקרקע, החלוק נפלט. העיתוי הזה בעל משמעות שניתן לעקוב אחריה אך בו בזמן הוא מגלם בתוכו את העל-זמניות. למשל, אני יכולה לפרט כיצד ערימות מאזכרות נופים בדיוניים, וכיצד הן מייצרות שינויים בתפיסה שלנו של מהם קני מידה של מרחב וזמן. במיקום שלנו בכדור הארץ אנחנו נמשכים בכוחות הכבידה: עדיין המישור שאנחנו מתקיימים בו הוא מישור חיינו הגרביטציוניים. בלבו של ״המצב הערימתי״ שוכן הפער בין ידע לראייה. הוא מושך אותנו למקומות רחוקים, בלתי-אפשריים ובלתי-מושגיים, לעולם שמספר סיפור שאנחנו חיים בתוכו במעין רצף, הרצף שבין הטבעי והלוגריתמי, ואולי איך אנחנו חיים בתוך הדמיה. כלומר ההדמיה היא כאן, לא צריך לייצר אותה.

רוגוף: את מדברת הרבה על ״מרחב פוטנציאלי״. אני חושבת שבהיגיון שלנו אנחנו חושבים על מרחב פוטנציאלי כעל מקום בו מתרחש אירוע, מקום בו יכולה להתרחש התפתחות, בנייה, חפירה, עשייה, מרחב שהוא פוטנציאלי לעשייה ולרווח כלכלי. עם זאת, אני חושבת שאנחנו מדברות כאן על מרחב פוטנציאלי שהוא ההפך הגמור, שהוא מרחב של השהיה; לקחת את ״שפת הפיתוח״ ולהשתמש בה כנגד עצמה, כי ״השהיה״ למעשה מבטלת את לוח הזמנים שתמיד פורץ קדימה בשפה של פיתוח.

דה פריס: בדיוק. ״המרחב הפוטנציאלי״ הוא מרחב מעבר (בהשראת המושג של ויניקוט שקשור במעבר הילד מהיותו קשור לעולם ונפרד מאמו). במרחב הזה מתקיימות זו לצד זו מציאות ופנטזיה. בעבודתי, המרחב הפוטנציאלי הוא מרחב השינוי, מעין שטח הפקר לא מתוכנן שמכיל צירופים אקראיים והיקלעות למצבים. הוא משתנה, אבל אינו מכוון למטרה מסוימת ובהירה. כל המרכיבים הנמצאים ביחד במרחב הזה מייצרים התקבצות מקרית שאפשר להשתהות בה ולקרוא אותה. דרך המרחב הזה אפשר גם ללמוד וגם לדמיין את הפוטנציאל שמתקיים בין המרכיבים הללו ושל כל אחד מהם בנפרד.

רוגוף: אחד הדברים שהשפיעו עליי יותר מכל הוא המושג של אנרי לפבר, ״חלל חברתי״. זהו מקום מפגש בין אמת אובייקטיבית-מוחשית לבין סובייקטיביות-פסיכית-תת-מודעית. ״החלל החברתי״ נוצר מתוך משא ומתן בין שני הצדדים הללו. לכן, אף פעם אי-אפשר להתייחס לחלל על פי השם שניתן לו. מה שקורה במגרש טניס למשל הוא הרבה מעבר למשחק טניס. העניין של משא ומתן ״בין המוחשי לסובייקטיבי התת-מודעי״ חשוב להבנה שלנו של מציאויות, וכאן אני חוזרת לשפות הרבות בהן את מדברת. באיזו צורה ריבוי השפות מתקיים כ״משא ומתן״ אצלך?

דה פריס: בעבודה שלי ״המרחב הפוטנציאלי״ הוא מושג שיכול להיקרא בצורות שונות, הוא גם שטח וגם מחשבה, אי-אפשר לסמן אותו בבהירות. מה שמרתק במרחבים הללו  הוא שמגיע אליהם כל מה שנמצא בתנועה שאינה מכוונת. בנוסף, הם תורמים זה לזה, ומאפשרים לראות אותם בצורה שונה. בעיני, המרחב של לפבר הוא פלטפורמה שאינה מוגדרת מראש, והמרכיבים של המרחב שנוכחים בו הם אלו שמייצרים את השימושים השונים בו, וכמובן בהתאם לאופן הקריאה הסובייקטיבי.

רלי דה פריס, Cut & Fill, חיתוך לייזר, תיבת עץ, חוט מודדים, בטון, אלומיניום וזכוכית, מידות משתנות, 2017, צילום: ליאת אלבלינג

רוגוף: אחת הדוגמאות המעניינות שלפבר נותן ל״חלל החברתי״ נמצאת בארמון המלך: החדר אליו מגיעים אנשים בשביל לבקש בקשות מהמלך. מה שקורה בחדר הזה הוא ייצור של חלל חברתי; בארמון, למלך יש סמכות אבסולוטית ולאזרחים אין סמכות כלל. אי לכך, ברגע שהם ״פולשים״ לתוך החלל שלו, גם אם הם אינם מייצגים כוח מסוים, עצם העובדה שהם נמצאים בחלל שלו ושהם באו בכדי להיכנס איתו למשא ומתן, לוקחת מה״סמכות״ של החלל הזה ונוצרת סמכות אלטרנטיבית עבורם. זה מאוד עניין אותי מהבחינה הזו שאי-אפשר ״לקרוא״ למקום בשם של פעילות אחת שקורית בו. אחד הדברים שמעניינים אותי בעבודתך, הוא ריבוי הפעילויות שאין להן שם. לא ניתן לאפיין אותן, הן גיבוב של דברים, יש בהן אקראיות מסוימת והן כל הזמן ב״סחף״, לוקחות את הסמכות, את הייחודיות ואת ״הסיפור המייסד״ של המקום.

דה פריס: ״הנשאים שלי״, או ״העדים״ של המרחב הזה, הם ״נציגים״ שמתכנסים בסוף יחדיו ויכולים אולי להציג תמונה או מראה של מצב. אני מניחה שדרכם אני מביאה את העולם שאותו אני רוצה להציף. מצד אחד, אני חושבת שהם יוכלו, אולי בהתכנסותם, להיות נציגים של ״נעדרות-כוונה״. ומצד שני, הם מסמנים מרכיבים שמעצבים חיים, הם ״נשאים״ של אידיאולוגיות, של כוח, של גיאופוליטיקה. הם עדים במשפט הגדול שנעשה למקום ושקובע משהו מזהותו. זהו ניסיון להבין מקום.

רוגוף: גן זה שאת עובדת עליו עכשיו, מקורו בגן של הורדוס בקיסריה, שהיה בעצם ביטוי לדחף האימפריאלי להביא צמחים מכל קצוות האימפריה ולשתול אותם במקום מסוים כדי לתחום את האימפריה וגם כדי לנכס מקום ולהשליט הגיון כלשהו שאינו ההיגיון המקומי. כפי שאני רואה בעבודתך, אין כאן חיקוי או הנצחה או ניסיון לשחזר את הגן, אלא מן ״פרימה״ של הגן מכל השוליים האפשריים שבהם יש רמיזה על סוגי צמחים שהגיעו ממקומות אחרים לגמרי, ובנוסף, אין ״ציפייה״ מהם לעשות את ה״הצגה״ שהצמחים המקוריים היו אמורים לעשות. במקום זאת, הם מתחילים שיח על מערכות יחסים חדשות שנוצרות כאשר דברים באים במגע לא צפוי האחד עם השני, מגע שלא נקבע להם על ידי הסדר של הטבע. סוג ״פרימה״ אחר מדבר על מרכיבים שונים של הגן, מרכיבים ממוחזרים שבאים מאתרי בניה, ויוצרים ״הד״ ו״מראה״ לבנייה של הקיסרות הרומית ושל כל אגן הים התיכון. אם הגן המקורי מייצר שפה כלשהי, שפה של חומרים, צורות וצמחים שהם למעשה מן מיניאטורה של המכלול הקיים באימפריה, אז בעבודה שלך את ״מפרקת״ את הגן המקורי לחומרים שונים וכל חומר כזה לא חוזר למקורות של הגן כי אם מתחיל להצביע על מערכות יחסים חדשות שיכולות להיווצר. את עושה זאת באתר שהוא האוניברסיטה, שמתחתיו יש יישוב ערבי, אתר ש״יושב״ בתוך קרקע, וכידוע, מבחינות חקלאיות וארכיאולוגיות, ומבחינת מה שגדל עליו, הוא כל הזמן מגויס לסיפור מסוים של שייכות ושל ניכוס. ה״פרימה״, אם כך, היא ניסיון להשתמש באתר היסטורי כדי לספר סיפור עכשווי.

דה פריס: היחידות שמרכיבות את אתר הגן הן: אבנים שמוכרות לנו מהמדרכות היומיומיות, סלעי כורכר (האוניברסיטה בנויה על גבעת כורכר והגן של הורדוס עצמו גם בנוי כורכר), צמחי תרבות (אלו שנשתמרו במשך 2000 שנים והארכיאו-בוטנית דפנה לנגוט, איתה שיתפתי פעולה, מצאה וזיהתה כמאובנים בגן של הורדוס), עשבים שהזריעו עצמם באתר ודליים שחורים של 10 ליטר המוכרים לנו מאתרים ארכאולוגיים ומאתרי בנייה וחקלאות.

היחידות החיות והדוממות פועלות יחד, הן תבניות ייצור שמייצרות מרחב וסמני תרבות. אפשר לדבר על הגן כאתר שמפרק את התבניות הייצוגיות של גני הכוח וההסדרה המסורתיים והעכשוויים. התצורות שמתהוות בגן הן תחביר של מערכות יחסים בין כוח הייצור האנושי ובין זה של הטבע. הם מתאחדים כאן ומשתפים פעולה. באתר אני מציעה התהלכות בשבילים צפים, כשלמטה נוכחים מצבים שביסודם מתרחשת תנועת התגבשות, הצטברות והתפרקות של היחידות. זהו אתר וההיגיון שלו הוא כשל אתר. הוא אינו עסוק בייצוגיות, כמו שאמורה להיות עבודת אמנות מוצגת, וככזה הוא יכול להיקרא כאתר שהעבודה הופסקה בו לפתע או כאתר שמשהו נחשף בו, אך "הסיום" הזה אמור להתרחש בעיניהם ובראשם של האורחים.

רוגוף: גן הוא גם ייצוגי. גנים שונים מאורגנים למטרות ייצוגיות שונות. ברור מה הגן המקורי בו את עובדת מייצג ובתוך איזה מערכות כוח הוא נמצא, ואילו ל״גן הפרום״ קשה לייחס מערכת ייצוגית, וזה כמובן גם כוחו, שהוא ״סוחב״ לכיוונים שונים ודורש מאתנו שנשאל את עצמנו לאיזו מערכת כוחות הוא מתייחס או שייך.

דה פריס: מה שמתרחש בגן הוא ניסיון לאפשר לחומרי הגלם לפעול. וכך הפעולה לא רק פורמת או מפרקת את שפת הייצוג, אלא גם מסיטה ומפרה אותה. מרכיבי הגן נוכחים כסמנים לכוחות או אירועים משמעותיים שמתקיימים בתנועת גאולוגיות.

אם נתאמץ, נמצא כאן שרידים ארכיטקטוניים וצורות של מבנים סימטריים לכאורה שעברו הסטה. מתרחשות כאן התגבשות והתפרקות של הייצוגיות עצמה. האתר הזה מדבר בשפה ש״מכנסת״ לתוכה את האפשרות שמתרחשת כאן בנייה, אבל בו בזמן גם תהליך שבודק הרס, כאתר מחקר של ייצוגים שנפרמו, ושלתוכו מקודדים מקצבים ושפות של גנים ייצוגים מן העבר ובמיוחד הגנים של הורדוס. אפשרתי לעצמי ״להתנייד״ בהיסטוריה של הגנים הללו. מה שמעניין במיוחד בגן הרומי של הורדוס הוא אילו מסורות עתיקות הוא ירש כשתכנן את הגן, כיצד הוא יתורגם בעתיד לרנסנס. הוא מתייחס גם לגן המצרי וגם לגן של ימי הביניים. הרשיתי לעצמי למעשה ״לנוע״ על ציר הזמן, דרך כל הייצוגים של הגנים, כדי לדבר על הכוחות ש״מניעים״ גן או מקום ועל המשמעות של אתר בו אדם אמור להיות ״חניך״, לפי מסורת העולם העתיק, ולצאת מהגן אדם טוב יותר; אדם חושב, לומד, קשוב ומתבונן.

רוגוף: אם כך, הגן הזה לא נועד רק לנופש.

דה פריס: נכון. זה אתר למידה, מקום שנלך אליו ונצא אולי אחרים, אולי עם נחמה או התרוממות רוח, אולי עם עצב. התנועה והמבטים משנים ללא הרף את המראה באתר. ההתהלכות מייצרת מקצב של מחשבה תוך כדי קריאת התצורות שנבנות ומתפרקות. הגן נבנה כאתר שלכאורה ״מקליט״ אותנו לתוכו, ואנחנו כל הזמן ״משדרים״ אותו, כך יש אפשרות שהאנושי והטבעי מוקנים בהיפוך. ואולי זהו מצב של איחוד עם הטבע אליו אנחנו נמשכים ביסוד קיומנו. כי זה היקום וזה המקום ואנחנו שואפים ללא הרף למקם עצמנו בתוכו. וזאת בהחלט דרמה מתמשכת של חיינו כאן.

 

***

תודה לעידו צרפתי על תמלול השיחה

הפוסט סוד הגן הנעלם הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

המוזיאון לאמנות עכשווית של העתיד: אלפון

$
0
0

כולנו היינו משוכנעים שכבר אין דרך חזרה, שהתשתית יציבה. מכאן דברים יכלו רק לצמוח, להתרחב, להתפוצץ. באקוסיסטם של האמנות העכשווית, "בעל החיים" שגילם את הביטחון הזה בצורה המובהקת ביותר הוא המוזיאון לאמנות עכשווית. המוסד הסתירתי הזה (הרי איך מוזיאון יכול בכלל להציג דבר-מה עכשווי?) — שבעברו שימש כמקדש לחפצים מסתוריים (עבודות אמנות) שרק מעטים העזו להתמודד איתם ולנסות להבין את המשמעויות שלהם עבור יצרניהם (האמנים) ועבור האנושות — הפך למשהו אחר. יש שאומרים שהוא הפך לקניון. אחרים, שעמדתם מגוננת ומתוחכמת יותר, טוענים שהוא נעשה "נגיש" יותר. בעוד שהסיבה העיקרית לבקר במוזיאון לאמנות עכשווית — יצירות האמנות — נותרה פחות או יותר בעינה, כל השאר השתנה: המוזיאונים התרחבו בשטח, במשאבי אנוש ובפעילויות המוצעות, הם הגדילו את מחלקות השיווק ואת המחלקות המשפטיות, הם מיתגו את עצמם כמי ששואפים להציע את "החוויה המלאה".

אם כבר מדברים על גודל, המושג "מוזיאון קטן" נשמע היום כמו סתירה. מוזיאונים לאמנות עכשווית ומודרנית מותחים את עצמם עד קצה גבול היכולת בנסיון למצוא כל דרך אפשרית לתחזק את הצמיחה. הם הולכים בעקבות אסטרטגיות שיווקיות תאגידיות של מוסדות כמו ה-Guggenheim וה-Tate ,ובוחרים להתרחב — או לחלקת הנדל״ן הסמוכה או ליבשת אחרת — כדי לשמור על הקצב, להגדיל את הפעילות או להציג לראווה את האחזקות שלהם. האתרים האלה פעמים רבות הופכים למחסני ענק, כי אחרי הכל תערוכות מתחלפות מביאות יותר קהל מהאוסף הקבוע.

נראה היה שאין דרך אחרת להתקדם, שמוסדות האמנות צריכים לצמוח, לגדול… עד שנגיף פגע בכדור הארץ ואסר על כל התקהלות בחללים סגורים. נוכחנו שבזמנים לא צפויים אלה, אותם ״בעלי חיים״ עצומים שנראו כה חזקים, כה בלתי מנוצחים, היו למעשה השבריריים ביותר. כולנו מכירים את תיאוריית ההכחדה המסיבית של הדינוזאורים: מטאור פוגע בכדור הארץ, משנה את תנאי המחייה ומזעזע את הסטטוס קוו בתוך האקוסיסטם. לפתע אלה דווקא בעלי החיים הקטנים שמצליחים להסתגל למערכת החדשה.

בשלב זה כדאי לציין שהטקסט הזה לא מבקש לקעקע את המוזיאון לאמנות עכשווית כרעיון או לחגוג את המשבר שאליו נקלע. נהפוך הוא, הוא מבקש לנצל את הרגע הדרמטי הזה כדי לאמוד את כל האופציות שיאפשרו לנו להמשיך ולפעול בתקופות רעות כמו בתקופות טובות; להבין לעומק מה באמת חיוני (מילה שהפכה כל כך טרנדית במהלך הסגרים) עבור המוסד המוזיאלי. על מנת שנוכל לעשות זאת, נצטרך לקחת בחשבון שלוש מילות מפתח: א. "נגישות"; ב. "יכולת"; ג. "גמישות".

א. נגישות: איכות על פני כמות

כאמור, אחת התמורות המרכזיות שעבר המוזיאון לאמנות עכשווית נוגעת לכמות המבקרים. כיום, יותר מתמיד, אנשים מתעניינים באמנות עכשווית. מוזיאונים לאמנות עכשווית הופכים לאטרקציות-על שמשתוות בכוח המשיכה שלהן למוזיאונים של אמנות עתיקה וכדומה — מוסדות שכבר "התעכלו תרבותית" ושערכם ה"אובייקטיבי" זוכה להכרה ציבורית רחבה יותר. התור לרטרוספקטיבה של יאיוי קוסאמה נראה בדיוק כמו התור לתערוכה של דה וינצ׳י, ואמן כמו ג'ף קונס יכול להרשות לעצמו לרכוש יצירות מופת של האולד מאסטרז — זהו ההווה שלנו.

זה לא המקום לנתח לעומק את הסיבות לשינוי הזה. ניתן לטעון, בקצרה, שהוא נובע בין השאר מעמדה חדשה באמנות ("אסתטיקת יחסים"), ממדיום חדש (מיצב), מצורה חדשה של פטרונות (חסות תאגידית), ומאופן תנועה חדש (תיירות גלובלית) — אבל סביר שכולנו נסכים כי עבודת אמנות, שלעתים קרובות זקוקה למפגש אינטימי ולתיווך, אינה מתאימה להמונים כמו צורות גבוהות אחרות של התרבות (מוזיקה וקולנוע, למשל). העובדה שמוזיאונים לאמנות עכשווית מסתמכים כיום על הנתון של מספר המבקרים כדי למדוד הצלחה, ושהם בנויים לאכלס כמות אדירה של קהל, הפכה כבר לפרדוקס שחוק, אבל לאור הנסיבות הקיימות הפרדוקס הזה מצריך בחינה מחדש.

המוזיאון לאמנות עכשווית של העתיד צריך להיבנות כמקום בו ההמון לא יוכל להפגין את נוכחותו הגועשת. דברים צריכים להיחשב לעומק, מבקרים צריכים להילקח יד ביד כדי לחוות (כן, אל דאגה, אנחנו עדיין משתמשים במילה הזו!) אוספים מדהימים של אמנות, קבוצות בתי ספר צריכות להיות מסוגלות לבקר במוזיאון כשהוא ריק ממבקרים, שעות הפתיחה צריכות לסגת מהשאיפה המוגזמת ל–24/7. במילים אחרות, השאלה לא צריכה להיות "איך ניתן להגדיל את מספר המבקרים?" אלא "מה ניתן לעשות כדי להימנע ממצב בו הדרך היחידה לראות עבודת אמנות היא דרך מצלמת הסלולר של תייר שעומד ביני ובין העבודה כשהוא להוט לעשות איתה סלפי?"

זה אולי נשמע אליטיסטי, אבל במקום להוקיע אפריורית את מושג ה״אליטה״, אנחנו צריכים לשאול את עצמנו לאיזו אליטה בדיוק אנחנו רוצים לדבר. במילים אחרות, אם האליטה היא רק של עשירים, לבנים, מקצוענים, אז יש לנו בעיה; אבל אם אליטיזם פירושו להביא אל המוזיאון רק את מי שבאמת מתעניין ומתלהב, או את מי שלוקח חלק במסגרת חינוכית (כאן המושגים "חינוך" ו"גילוי" הולכים יד ביד) ולכן משוקע ברצינות באמנות שהמוזיאון מתחזק בגאווה — במקום לייבא את קורבנות השיווק שנמשכים על ידי מבנה אדריכלי נוצץ שמתפקד כסוס טרויאני — אז אולי מצאנו פתרון.

ב. יכולת: Form Follows Fractions

שאלת הנגישות — מיהו הציבור האמיתי של המוזיאון לאמנות עכשווית? — קשורה באופן ישיר לשאלת היכולת: מה המוזיאון לאמנות עכשווית יכול לעשות? למה מוסד זה מסוגל? בזמן האחרון אין מוזיאון לאמנות עכשווית שלא מתרחב או לפחות שוקל התרחבות. הארכיטקטורה של המוסדות האלה — למשל, העיצוב החדש של ה-Museum New שתוכנן על ידי SANA, ה"וויטני" שתוכנן על ידי רנזו פיאנו, ושתי ההרחבות האחרונות של ה-MoMA שתכננו יושיו טניגוצ'י ודילר סקופידיו + רנפרו — מבוססת על עקרון אחד בלבד: ככל שאנחנו מושכים יותר מבקרים, כך אנחנו מצליחים יותר. בעוד שהמגפה הנוכחית היא אמנם קטסטרופה זמנית שבקרוב יימצא לה הטיפול הנכון, היא כן הציפה מערכת של סוגיות עקרוניות שחשוב לדון בהן. אם החלק הקודם של הטקסט שאל מיהו הקהל האמיתי שאליו מוזיאונים לאמנות עכשווית צריכים לדבר, החלק הזה מבקש להתוות את סוג החלל שיוכל להכיל טוב יותר את הקהל האמיתי שלנו.

עד כמה שזה נשמע מטורף, "התבססות" (consolidation), "המשכיות", או "פרגמטיזם" אינן מילות מפתח כאן. המוזיאון לאמנות עכשווית של העתיד עשוי להתאים פחות לזרימה אדירה של קהל אנונימי ולהתמקד יותר, למשל, בבנייה של מסע בחלל הפתוח, עם ביתנים קטנים שפזורים בפארק ציבורי גדול. או, למשל, הוא יהווה תירוץ לגילוי של אזורים בעיר דרך פיזור מחלקותיו בין שכונות שונות — מרכזיות ופריפריאליות, "טובות" ו"רעות", בטוחות ומסוכנות (חשבו, למשל, על ה- Musée Précaire Albinet  של תומאס הירשורן [2004] או על The Modern Procession של פרנסיס אליס [2002]). האפשרות האחרונה היא לשקול שוב את הרעיון של ״המוזיאון כיעד״, כפי שהוא בא לידי ביטוי, לדוגמה, במוזיאונים מחוץ לעיר כמו DIA: Beacon במדינת ניו-יורק, או Louisiana בדנמרק או   Castello di Rivoli  ליד טורינו. כאן אנחנו כן נדרשים לאזן רמה גבוהה של התבססות, המשכיות ופרגמטיזם באמצעות מידה גבוהה של רַחקּות (remoteness). לסיכום, אנחנו לא זקוקים לאטריום נוסף!

ג. גמישות: להדק ולשבור

דנו בקצרה בחשיבה מחדש על הקהל האופטימלי של המוזיאון לאמנות עכשווית של העתיד. נגענו גם בסוג הפתרונות האדריכליים שיש ליישם במקום כזה. השאלה האחרונה, ואולי החשובה ביותר, היא מה צריך להיות הלך הרוח הארגוני של מנהלי המוסדות האלה? זה תמיד מרתק להיזכר איך כמה מהיצירות הרדיקליות ביותר של האנושות באו לעולם בזכות אנשים שלא האמינו באותן עמדות רדיקליות (חשבו למשל על הקשר שבין אמנות ודת). עבודות אמנות ששינו את הצורה בה אנחנו תופשים את המציאות אחוזות בידי צבא של ביורוקרטים. כעת, הודות (לא תודה!) למגפה, כל המבנים השליטים האלה מתחילים להתפורר. זה זמן טוב לחשוב על החלפת הסדר הפירמידלי בסדר מסוג אחר.

בהפגנות תמיד יש איזה סימן שמורה לקהל להתפזר ולהיעלם במהירות האפשרית. בעוד שפעולת המחאה כבר הפכה לפולקלור טהור, דווקא ההיבט הזה בכוריאוגרפיה שלה יכול להעניק השראה למוזיאון לאמנות עכשווית של העתיד בארגון משאבי האנוש שלו. במילים אחרות, צוות העובדים במוזיאון לאמנות עכשווית של העתיד יאורגן ביחידות קטנות: עם אסטרטגיות אוטונומיות, עם דרכים עצמאיות לשרוד (קודם כל כלכלית) ועם כללים משל עצמן. יחידות אלה יפוקחו על ידי דרג גבוה יותר, אבל כזה שאינו ריכוזי. צעד נדרש נוסף הוא ביטול ההיפר-התמקצעות, שכיום כמעט ולא מאפשרת לעובדים לעבור מתפקיד לתפקיד. צבאות (של אוצרים) אינם עוד הפורמט הנכון; זהו זמן ה"קומנדו". ואם יינתן תעדוף למולטיטאסקינג, גם החיוניות של נושא המשרה תתועדף. צוות קטן יותר של אנשים יתמודד עם יותר עבודה ויקבל יותר שכר. יש לצמצם את כוח האדם בצוותים העובדים למינימום האפשרי.

סיכום

עבור הקוראים שעלולים להבין את מה שנכתב כאן כמתקפה חזיתית נגד המוזיאון לאמנות עכשווית כרעיון, חשוב לציין שכל המחשבות הללו אינן חדשות. הן שייכות לסוג של "עבר פוטוריסטי" של המוסד הזה. העלתן באוב עשויה להוביל לתוצאות מעניינות ביותר, או לכל הפחות לשיחות מפרות. מעבר לכך, חשוב גם להדגיש שיש כאן משאלה לקו-הביטציה של "בעלי חיים" שונים, ולא רצון להחליף מין אחד באחר (כמו במקרה של הדינוזאורים, שחלקם הפכו לציפורים או לטאות).

במילים אחרות, אם המגפה לימדה אותנו שמוזיאונים לאמנות עכשווית להמונים הם לא ברי-קיימא בטווח הארוך, במיוחד בתקופות דרמטיות, היא גם חשפה איך מוזיאונים לאמנות עכשווית מסוג אחר עשויים לבסוף להפציע כאופציה היחידה. הפתרון המיטבי עשוי להיות בנוכחות הבו-זמנית של מודלים שונים, שכולם יהיו רלוונטיים במידה מסוימת ושכולם ייתמכו במידה שווה (כלכלית ומוסרית).

ברור שמחבר הטקסט הזה מקווה לנכוח ב"מוזיאון לאמנות עכשווית של העתיד": לקפוץ מביתן אחד לשני בגן מפואר, משכונה מוכרת לשכונה נידחת, לא לחפש את האטריום, לא לנסות להתבונן בציור מבעד למסך הסמארטפון של התייר, לא לעמוד בתור כדי לראות תערוכה שוברת קופות, לא להרגיש שהחנות או המסעדה הן אלה שמניעות את המוסד. אבל אלה, כמוני, שמאחלים לעצמם את כל זה (ועוד הרבה יותר!), צריכים להבין שהאפשרות שאני מציע כאן לא יכולה ולא צריכה להיות האפשרות היחידה.

***

הטקסט התפרסם לראשונה בגליון הבכורה של כתב-העת לאמנות "טיוטה" (תרגום: ארנון בן-דרור וישי שפירא קלטר), שהושק לאחרונה. להזמנת עותק כתבו ל-tyutahmagazine@gmail.com

הפוסט המוזיאון לאמנות עכשווית של העתיד: אלפון הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

רב ערב 15.06.21

$
0
0

קול קורא: התכנית הדו-שנתית לכוריאוגרפיה בכלים

התכנית הדו-שנתית לכוריאוגרפיה בכלים היא סביבה מחקרית, אמנותית ופדגוגית, המיועדת לא.נשים שמתעניינים בגוף ובכוריאוגרפיה ככלי למחקר עומק. התכנית מציעה לימודי המשך דו-שנתיים ומבקשת לייצר מרחב תומך לשאילת שאלות, מקום בו ניתן להתבלבל ולא לדעת, לאבד אוריינטציה ולגלות אותה מחדש, על מנת לפתח ולדייק את הכיוון הייחודי של כל משתתפ.ת. מטרות התכנית הן לסייע למשתתפים.ות לפתח כלים תאורטיים כחלק אינטגרלי מהעבודה הפיזית בסטודיו (תהא צורתה אשר תהא), לנסח את האני מאמין שלהם.ן תוך כדי תנועה ולשאול באמצעות עשייה שאלות יסוד לגבי מה כוריאוגרפיה יכולה להיות.
תכנית הלימודים משלבת בתוכה עבודה אישית לצד שיח ויוזמה קבוצתית, כחלק מהמהלך המחקרי האמנותי. המשתתפים.ות יתנסו בסדנאות קבוצתיות, שיעורים תאורטיים, מפגשי אמן.ית, הרצאות בנושאים עכשוויים שונים, פרזנטציות ומפגשי משוב, הנחייה אישית וקבוצתית ועוד.
מיקומה של התכנית כחלק ממרכז כלים, על פעילותיו השונות, מאפשר למידה רב-ממדית של התחום ומפגש מקרוב עם אופני עבודה ופרקטיקות מגוונות מא.נשים שונים הפועלים בתחום.

התכנית פונה לא.נשים בעלי רקע ונסיון קודם בתהליכי יצירה, בעשייה מקצועית ובמחשבה ביקורתית, א.נשים הרואים את שדה הכוריאוגרפיה כחלק מחייהם בהווה ובעתיד.

מנהלת התכנית: מאי זרחי

לפרטים נוספים http://kelim.org.il/ או cp.kelim@gmail.com

תאריך אחרון להגשת מועמדות: 21 ליוני, 2021

לטופס הגשת מועמדות



צוות מוז"ה, אגף החינוך של המוזיאון מתרחב

אנחנו מחפשים לצרף אנשי חינוך למוז"ה: שוחרי ידע ודיאלוג, אוהבי אדם ואמנות, אמנים.יות

למערך החינוך המוזיאלי של הדרכות קבוצתיות:

מדריכים.ות להדרכות בשעות הבוקר לכשלושה ימים בשבוע (שעות צהרים ואחה"צ, בתיאום מראש).

רקע נדרש: בוגרי מוסדות השכלה גבוהה בתולדות האמנות/אמנות/אוצרות.

למערך החוגים והקורסים:

מדריכי חוגי ילדים ונוער ומדריכי חוגי מבוגרים בתחום הציור.

רקע נדרש:

לחוגי ילדים: ניסיון קודם בהדרכת חוגי אמנות לילדים ולנוער במוסדות מקבילים והשכלה בתחום האמנות.

לחוגי מבוגרים: ניסיון קודם בהוראת ציור במסגרות למבוגרים במוסדות מקבילים והשכלה בתחום האמנות.

החוגים והקורסים מתקיימים בשעות אחר הצהריים והערב.

תחילת עבודה בחודש ספטמבר/אוקטובר 2021.

נא לשלוח קו"ח  לדוא"ל: muzaoffice.museum@herzliya.muni.il



פרויקט ״איים ברשת״

מתוך התערוכה ״ברוכים הבאים לרה_פאבליק״ בבית ליבלינג

בית ליבלינג
סיור בהשראת העבודה: שישי, 18.6.21, בשעה 11:00

המרחב הציבורי, מרחב הביניים שבין הפרטי־אישי לפוליטי־מדיני, הוא זה שעומד במוקד התערוכה החדשה שאצר צוות בית ליבלינג: ״ברוכים הבאים לרה_פאבליק״. התערוכה פורשת מגוון עבודות הבוחנות את מקומו של המרחב הציבורי, את השינויים שעברו עליו, ואת הדרכים שבהן אפשר לחדש אותו, לאתגר אותו ולחשוב עליו באופן ביקורתי ושונה.

כיום, עם עלייתן של פלטפורמות העל גוגל, פייסבוק, אמאזון ואפל ולצד איומים להגדלת הרגולציה והצנזורה באינטרנט, עולות השאלות "האם האינטרנט הוא מרחב ציבורי? האם הוא באמת מגדיל את החופש והאוטונומיה של אנשים או דווקא מגביל אותם?"

בפרויקט ״איים ברשת״ נחזור אל קבוצות האמנים, החוקרות והאקטיביסטיות שאיתגרו את האינטרנט, וניסו להקים באמצעות פעולות עיצוב, אמנות ושיח, מרחבים אוטונומיים זמניים וציבוריים דווקא בלב הפלטפורמות הווירטואליות המסחריות. במסגרת הפרויקט העלה האמן הצרפתי פיליפה וילאס-בּוֹאס את העבודה "Pop Down", המטשטשת את הגבולות התודעתיים בין המציאות הווירטואלית לזו הפיזית באמצעות המרת הסמלים הגרפיים המוכרים מהאינטרנט לפעולה מוחשית ואלמנטים פיזיים: הדביקו כפתור X על אלמנטים פיזיים שמזהמים את המרחב הציבורי. ביום שישי, 18.6.21, בשעה 11:00 נקיים סיור אורבני המשלב התבוננות ביקורתית במרחב הציבורי בהשראת העבודה.

לינק לדף הפרויקט באתר התערוכה: כאן

פיליפה וילאס-בּוֹאס, Pop_Down Project



הכנס הארצי השלישי של העמותה לחקר נשים ומגדר באמנויות בישראל

הכנס יתקיים בזום, באירוחה של אוניברסיטת בר אילן

רביעי-חמישי, 16-17.6.21
קישור לזום 

תכנית הכנס:

יום ד', 16.6.2021

מושב פתיחה, 10:20-10:00 / יו"ר ד"ר מור פרסיאדו

פרופ' מרים ריינר, ראש המחלקה לאמנות יהודית, בר-אילן

פרופ' יעל גילעת, יו"ר העמותה לחקר אמנות נשים ומגדר

 

מושב שני, 11:30-10:20: היא-סטוריה, בחזרה אל תוך תולדות האמנות (חלק א') / יו"ר ד"ר רות מרקוס

ד"ר יונת רוטמן: הגרעין והקליפה סיפורן של יהודית ארנון ושל הנשים שיסדו את להקת המחול הקיבוצית

יעל סגל חרמוני: גרפיקה/אית שימושית בארץ ישראל (1950-1925) – היו ואינן!

מרב שין בן-אלון: ״הגלריה בבורוכוב״ – האם הייתה הגלריה הראשונה והאחרונה לאמנות פמיניסטית בישראל?

 

הפסקה 11:50-11:30 

 

מושב שלישי, 13:00-11:50: אמניות במרחבים דתיים / יו"ר פרופ' יעל גילעת

נעה לאה כהן: ייצוג עצמי באמנות נשית אורתודוקסית

ד"ר נורית סירקיס בנק: נשים חרדיות מובילות תהליכי-על באמנויות רב-תחומיות בציבור החרדי בעשור האחרון

ד"ר דוד שפרבר ונורית יעקבס ינון: ״גוף הטקסט״, אמנות פמיניסטית במרחבי הדת והתרבות בישראל – בעקבות התערוכה

הפסקת צהרים 13:30-13:00

 

מושב רביעי, 14:40-13:30: דיאלוג חוקרת-אמנית / יו"ר ד"ר נירה טסלר

ד"ר אורנה אוריין וד"ר דבורה לדרמן דניאלי: מנמרה לנמרה: מה בין האלה הפטריארכלית לאלה הפמיניסטית

איה אליאב ונועה אברון ברק: בעקבות ״בואי אמא״, דיאלוג על אימהות טרנס לאומית

שרון שפלן-לזר ומורן אסרף: גוף-זהות-מקום: בחינת עבודותיה של האמנית מורן אסרף מנקודת מבט פמיניסטית מזרחית

 

מושב חמישי, 15:50-14:40: טיפול, אמנות, מחקר וזהות מגדרית / יו"ר פרופ' עינת מטצל

ד"ר דפנה מרקמן סינמנס: כשהמסייעת היא המציירת – פרויקט אמנותי קהילתי

ד״ר שירה דיאמונד: אמנות כסביבה של מכוונות והחזקה: משמעות מעשה היצירה מנקודת מבטן של אמניות שורדות שואה

ד"ר אורית דודאי: ייצוגים לחלל נפשי בהיבט מגדרי ופסיכואנליטי: לואיז בורז'ואה והגוף הנשי

פרופ׳ עינת מטצל: בין הפרטי למקצועי: שיקולים אתיים, רגשיים ותרבותיים בהבעה אותנטית של המטפלת-יוצרת-אישה

 

הפסקה 16:00-15:50

 

מושב שישי, 16:50-16:00: מושב לזכרה של דורית פלדמן / יו"ר ד"ר יעל (ילי) נתיב

דפנה נאור: פורצת דרך, דברים לזכרה

פרופ' יעל גילעת: ״שפת האבנים הנני״: עיון בעבודתה של דורית פלדמן – אמנית חוקרת בגוף ראשון

ד"ר נאוה סביליה שדה: ארץ מקודשת מובטחת: עיון בדימויי אדמה ומקום ביצירתה של דורית פלדמן

הפסקה 17:00-16:50

 

מושב שביעי, 17:50-17:00: אמניות ישראליות / יו"ר ד"ר אליה ברטל

ענת מנדיל: חנה שיר: יומן קורונה

אלינור דרזי: האמנות כמרחב של התקפה על חיבורים ביצירתה של מיכל היימן

 

מושב שמיני, 18:30-18:00: פתיחת תערוכה משותפת למחלקה לאמנות יהודית, אוניברסיטת בר־אילן ולעמותה לחקר אמנות נשים ומגדר בישראל, 'עושות במלאכה: קראפטיביזם קהילתי נשי' / יו"ר ד"ר צבי אורגד

אוצרים: אפרת פרידנזון וד"ר צבי אורגד

 

יום ה' 17.6.2021

מושב ראשון, 11:10-10:00: היא-סטוריה, בחזרה אל תוך תולדות האמנות (חלק ב') / יו"ר ד"ר הדרה שפלן לזר

ד"ר נגה ברנשטיין: יוליה קיינר ושאלת המודרניזם הארץ-ישראלי בעיצוב טקסטיל

ד"ר סיגל דוידי: "ואני הייתי אחת מהם": הסטודנטית הראשונה לאדריכלות בטכניון העברי בחיפה

יובל עציוני: אוולין רוזן פאוקר מעצבת טקסטיל (2018-1928)

 

מושב שני, 12:20-11:10: אמנות ומגדר במרחב החברתי / יו"ר ד"ר טל דקל

ולריה גסלב: הקמפוס האקדמי כמרחב אמנותי בעל משמעויות מגדריות

ד"ר לני דותן: פייטה כחול לבן: גילום החוזה החזותי הרנסנסי של השכול באמנות הישראלית

ד"ר שחר מרנין דיסטלפלד: נשים, אמנות וגילנות: אמניות "חובבניות" בישראל

הפסקה 12:30-12:20

 

מושב שלישי, 13:40-12:30: הגוף והלבוש / יו"ר ד"ר ליאת סידס

ד"ר דליה בכר: דימוי שמלת הילדה ללא גוף באמנות ישראלית

רינת פודיסוק רייזנר: העיסוק בלבוש ובכיסוי הגוף כמקום להסדרת היחסים בין האני לאחר וכייצוג של קונפליקט הזהות של אמניות דרוזיות עכשוויות בישראל

ד"ר זמירה פורן ציון: ״הגוף כשדה קרב״: היבטים אתניים ומחאתיים בעבודותיהן של האמניות: מורן אסרף, ורד ניסים ושגית זלוף נמיר

הפסקת צהרים 14:30-13:40

 

מושב רביעי, 15:40-14:30: אלימות נגד נשים ואקטיביזם אמנותי / יו"ר ד"ר גליה בר אור

ד"ר עאיידה נאסראללה: אלימות נגד נשים והשתקפותה באמנות פלסטינית, מנאל מורקוס כמודל בוחן

ד"ר אפרת גרוסמן: תערוכת ״תיקון חצות״, אקטיביזם חזותי במרחב החברתי של ישראל

פרופ' אסתר הרצוג וענת צרויה: יצירה אקטיביסטית-פמיניסטית: מאבקן של אימהות יחידניות נגד רמיסת אימהוּתן והפגיעה בילדיהן

 

הפסקה 16:00-15:40

מושב חמישי, 17:20-16:00: הקרנת הסרט ״על כיסא הבמאי יושבת אישה״, במאית: סמדר זמיר, מפיקים: דרומהפקות – אלעד פלג וחגי ארד. הקרנה ולאחריה דיון עם סמדר זמיר / יו"ר זיוי ברמן

דורית פלדמן, שְניוּת (דואליטי), 2011, מוזיאון ישראל



"Mother Opium" / שגית מזמר

מרכז מעמותה לאמנות ומחקר בבית הנסן

פתיחה: 23.6.21, בשעה 19:00
נעילה: 15.8.21
אוצרות: סלה-מנקה
שעות פתיחה: שלישי-חמישי בשעות 14:00-19:00, שישי בשעות 10:00-14:00

"Mother Opium" היא תערוכת יחיד של שגית מזמר במרכז לאמנות ומחקר מעמותה. בתערוכה יוצגו רישומים, פסלים ועבודת וידאו, הם פרי מחקר חזותי ואישי של האמנית בנושא התמכרויות לסמים בכלל ושימוש באופיאטיים בפרט.

המחקר שהוביל לתערוכה נע בשני צירים מקבילים בזמן שנפגשו בסטודיו. ציר אחד משקף את המחקר של מזמר בייצוגים מוקדמים של טקסי אופיום והשימושים בו, ובפרט ייצוגים של פולחנים עתיקים לאלת האופיום שהתקיימו באזור אגן הים התיכון. הציר השני כולל ראיונות והקלטות שקיימה שגית מזמר במשך שנתיים עם אדם המתמודד עם התמכרות לאופיאטים למעלה מעשרים שנה. המפגש של שני הצירים הללו, הקדום והעכשווי, בא לידי ביטוי בתערוכה הנוכחית ברישומי דיו וצבעי מים על נייר ומגילות, בפסלים אשר נוצרו בשיתוף פעולה עם האמן רועי כרמלי ובעבודת וידאו.

התערוכה אורגת יחד את ההרסני והקדוש, הממית והמשחרר, ומעל לכל היא מבקשת להזכיר שבבסיס האנושי נמצאת הכמיהה לקשר.

התערוכה בתמיכת מועצת הפיס לתרבות, משרד התרבות והספורט ועיריית ירושלים.

לאירוע בפייסבוק



קותימאן – ממקסס את העולם מחדר במדבר

הוא יוצר בעל שם בינלאומי שנולד בירושלים, גדל בזכרון יעקב, עבר לת״א ומשם לקיבוץ צאלים; אוטודידקט בעל השכלה עצומה ויכולת נגינה בשלל כלים; סוליסט שמרבה לעבוד בשיתופי פעולה, ואדם שטביעת ידו מופיעה בפרויקטים רבים כמלחין, נגן, מפיק ומעבד, צלם, עורך וגם אנימטור. קוראים לו אופיר קותיאל, המוכר בשם הבמה קותימאן, יוצר פרויקט הרשת מעורר ההדים thru-you, והוא האורח שלנו בלשם שמיים – פודקאסט התרבות של בית הנסן ומגזין ערב רב.

להאזנה

הפוסט רב ערב 15.06.21 הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

תומר רוזנטל הוא זוכה הפרס לציור ע"ש אסנת מוזס לאמנים צעירים לשנת 2021

$
0
0

תומר רוזנטל הוא זוכה הפרס לציור ע"ש אסנת מוזס לאמנים צעירים לשנת 2021, המוענק בשיתוף עם בית האמנים ירושלים. הפרס, המשלב מענק כספי בסך 10,000 ₪ ותערוכת יחיד בבית האמנים בירושלים, הושק בשנת 2007. תערוכתו של רוזנטל תיפתח בבית האמנים ירושלים ב-9 באוקטובר 2021, וטקס הענקת הפרס ייערך ב-24 באוקטובר 2021.

רוזנטל, יליד 1987, הוא בעל תואר ראשון ושני מהמחלקה לאמנות בבצלאל. בנימוקי הבחירה כתבו חברי ועדת השיפוט שי אזולאי, מרים כבסה ואלי פטל:

תומר רוזנטל מציג גוף עבודה מובחן ומגובש. עבודתו עוסקת באופן בלעדי בפעולה של רישום ומחלצת מתוכו מבט פנימי עמוק ועמום כאחד. רוזנטל עוסק בַּפּנִים, בנפש ובמצב שעל פניו נדמה שאינו ניתן לתיאור באמצעות דימוי. עבודתו מתקיימת במרחב איטי. מייצרת דמויות, הממוקמות כאנימזם (מונח שטבע האנתרופולוג א.ב. טיילור כאחד המקורות הקדומים לדת, ומשם לנשמה ולנפש) הנע בין הסימלי לאורגני בחלל של שקט מוחלט, כאילו רובצות על סף קיפאון,  לעיתים הן  מפתות ומגלות לצופה משהו על עצמו, אולי על זרות פנימית או על דבר מה מאיים ומנחם כאחד בפנימיות. עבודותיו של רוזנטל קוראות לריכוז, להעמקה, לצפייה אישית המחייבת מרחב נשימה.

תומר רוזנטל, "התקלות", 2018, פחם על נייר

הפוסט תומר רוזנטל הוא זוכה הפרס לציור ע"ש אסנת מוזס לאמנים צעירים לשנת 2021 הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

לגדל דומם במוזיאון

$
0
0

אַתָּה יוֹשֵב בַּחֶדֶר וְכָל הַקּירוֹת מִתְגַבְּהִים.
הַצְּבָעִים נַעֲשִֹים עַזִּים יוֹתֵר
מִטְפַּחַת כְּחֻלָּה הוֹפֶכֶת לְעֹמֶק בְּאֵר.

(דליה רביקוביץ, "אתה בוודאי זוכר")

***

את הצהרת האמנית שלה ענבל הופמן תולה בחלל הכניסה של בית אנה טיכו; מעל הכיסאות המקוריים, למרגלותיהם שלט 'אסור לשבת', היא תולה צילום של שני ילדיה משחקים בטאבלט כשהם יושבים על אותם כסאות ממש. תמונות משפחתיות טובות הן אלה שנותנות לבית אופי וגורמות לו לא להיראות כמו וילה להשכרה לסופ״ש, אלה שבהן הילדה עם גביע גבינה על הפרצוף וכולם קופצים עם נעליים על הספות. הופמן נכנסת לבית טיכו בהכרזה: היא באה להחזיר את החיים.

הופמן רוצה להחזיר את החיים לא רק לבית טיכו אלא, במובן מסוים, למעשה האמנותי כולו: מרוב אקטיביזם, קריאות אינטרטקסטואליות וקירות לבנים נדמה כאילו האמנות מתחילה מהגלריות אחורה. כאילו לב המעשה האמנותי מתחיל בתמונה הממוסגרת והנקייה או הדיון העכשווי הבוער. אל מול זה מחזירה הופמן את האמנות למרחב הביתי שלה, אל הממד המשחקי בו אפשר להרהר באמצעות האמנות ולא רק לנסח אמירות מהודקות. הופמן מחזירה את המעשה האמנותי לפעולת ההרהור במקום המחשבה הנפוצה עליו: יצירת תוצר.

ענבל הופמן, מראה הצבה מתוך "פסגות היומיום", בית טיכו, 2021, צילום: אלי פוזנר

בשולי הדברים צריך לומר: לכאורה, הערבוב נוסח וורהול בין גבוה לנמוך (או אפילו מוקדם יותר, בבית מדרשו של מרסל דושאן למשל) צריך היה להשיב את הממד המשחקי כבר קודם ולעשות את שדה האמנות קליל יותר, כשה'נמוך' הוא המשחק וההתנסות וה'גבוה' הוא ההתחייבות למשמעות מהודקת יותר. לא צריך להיות בלש כדי לראות שזה לא ממש קרה, ובמקום הנמוך הפך גם הוא לגבוה; אולי גם בגלל זה בוחרת הופמן טקטיקה אחרת, שלא "מנסה להוריד את המחיצה בין גבוה לנמוך", שלא לומר "להעלות שאלות", "לחתור תחת ההגדרות" או "לערער", ואף על פי כן מצליחה לומר משהו מעניין על הדינמיקה ביניהם.

הופמן נכנסת לבית לשימור ומתחילה להשתעשע. הפאנלים של הבית האירופאי מלא ההדר הופכים להרים נישאים, בולי עץ מצופים בקטיפה בעזרת מסמרי רפדים, כסאות מצמיחים הררי קטיפה שבראשם דגלי סוכרזית מתנופפים ברוח. הסטודיו, מבחינת הופמן, הוא המקום שבו הדומם מתחיל לצמוח והדמיון מתחיל להניע תהליכים: ממש אפשר לראות איך התיישבות בכורסת הקטיפה שבמרכז חלל הכניסה היא שתעיר את המוצגים והיא שגורמת לתהליכי הצמיחה של החפצים.

הופמן פועלת בחלל כמו ילדה שמשחקת בלגו וממש אוהבת את זה. חלק מהקסם הוא הערבוב בין קטן לגדול, שמאפשר לה ליצור כאן מדרגות לשולחן הכתיבה ובעבודה אחרת, שמוצגת כרגע בבית הנסן כחלק מתערוכת התואר השני של בצלאל במדיניות ותיאוריה של האמנות, להניח על קרש גיהוץ הררי תחרה שגולשים כל הדרך לבובה בגובה חמישה סנטימטרים, כשקנה המידה המתכווץ מאמן את העין לרגישות מסדר גודל אחר. מפה לשם החומר מתעורר לחיים וזמן מועט לאחר שהתחיל הדומם לצמוח מתחילים להופיע החיים. בגלריה שהופמן בונה גמדים יבואו גם יבואו.

המהלך הזה מתאר את החלל הראשון של התערוכה, בו שולטת האווירה האירופאית, והוא מתאר אובייקטים וחומרים עם פאסון או מה שנקרא 'אופי'. בחלל השני, לעומת זאת, קורים דברים אחרים לגמרי. כדי להבין אותם צריך לדבר רגע על ילדים שמשחקים בלגו.

ענבל הופמן, מראה הצבה מתוך "פסגות היומיום", בית טיכו, 2021, צילום: אלי פוזנר

הילדים שאנחנו מדברים עליהם משחקים בלגו מתוך הרצון להתנסות. זה ברור שהם לא בונים את מה שעל האריזה, אבל זה כמעט מובן מאליו. הדבר החשוב באמת הוא שהם עסוקים ב'בניה' לפחות כמו שהם עסוקים ב'דמיון': הם מפתחים את הדומם ("ועכשיו על החללית שלי יש שלושה טילים מונחי ריח!") לפחות כמו את החי ("וווההוהוורררררררםםם" עם יד שמסיעה את החללית). בצורה הזאת, על כל חללית שנבנית יש ניסויים שנשארו מאחור. בסוף מבקשים מאמא שתרשה לשמור בצד לפעם הבאה את מה שעבד ומסדרים את השאר (או לפחות מבטיחים לסדר את השאר).

אל מול החלק הדמיוני של המשחק באובייקטים, החלק המבני-משחקי זוכה לפחות יחסי ציבור, הוא נראה כמו בלגן ולכל הפחות כמו דומינו ראלי. מה שהופמן עושה בחדר השני זה להכניס אותנו למעבדה שלה שבה היא מפתחת דימויים, וחלקים מהמכלול שהיא מייצרת שם הם החלקים שנראה ממוסגרים בסופו של דבר, הם אלה שנוצרים בהם החיים לאט לאט. לכן החלל השני גם נראה כמו מעבדה, עם חוטים וצינורות ומכלים ותאורה והיגיון פנימי לא מנומק.

***

הרטוריקה שהתערוכה משתמשת בה, וגם מציעה כתצורת קריאה, קשורה לטיפול בבית ומתייחסת לחומרי העבודה של עקרת הבית שמשמשים כחומרי התערוכה: הררי הפאנלים בנויים מספוג פלא, חוטי וילון וחשמל מקבלים סלסולים ופונפונים וחיבורים, שקיות ניילון ומאווררים הופכים לשמשות זורחות, הקיר מצופה במגבות נייר וכן הלאה. את האוצרות זה לוקח ל'אמנות התחזוקה' (אותו מושג של מירל לדרמן-יוקלס משנות השבעים) ולמתח בין ה'אמנות' לבין הצורך להכניס כלים למדיח, אם בפירוש (פתיחת התערוכה) ואם ברמז (זה מנחה כמה בחירות אוצרותיות).

אני חושב בזהירות שאין זה המתח שבאמת מכונן את התערוכה הזו, ואנסה לדייק. הופמן אכן בונה דמות של עקרת בית ב'עולם החוץ-אמנותי', ואולי ככזו היא צריכה להכין צהריים ולהכניס מדיח וכדומה, אבל עיון ברשימת המטלות שלה (שטקסט התערוכה מתאר) לעומת רשימת המטלות שהביאה להמצאתה של אמנות התחזוקה גורם לי לרצות לדייק: הסיפור הוא לא 'הזמן שלוקח לעשות את כל הדברים' אלא הפניות הנפשית.

ענבל הופמן, מראה הצבה מתוך "פסגות היומיום", בית טיכו, 2021, צילום: אלי פוזנר

אין כאן כמובן כוונה לזלזל באתגר. זמן הקורונה המחיש (לפחות לי) שההתמודדות שלי היא לא בהכרח עם חוסר הזמן כמו עם העובדה שאין לי פניוּת, שאין לי חלל פנוי (שלא לומר חדר משלי) לחשוב בתוכו. כאמור, זה אתגר לא פחות קשה בעיניי, והוא מביא לקריאה אחרת לגמרי של המתח שעליו בונה הופמן את הפער בין ה"פסגות" לבין ה"יומיום".

בניגוד לרטוריקת התחזוקה האמורה, ספוגי הפלא ומגבות הנייר אינם מסמלים את הזמן שנשאב על ידי מטלות-הבית וכעת נגאל לשדה היצירה החופשית, אלא קשורים להיותם חפצים של מבוגרים משעממים שאין בהם חיות. קשירתם כאן דווקא עם הביתיות היא וריאציה אחת על רעיון עקרוני יותר. במובן הזה, ה'יומיום' הוא לא המטלות אלא השעמום הממית. החפצים מאבדים את חייהם בגלל התעשיה, לא בגלל הזמן שהמטבח דורש: לכן הם מקבלים חיים באמצעות המשחק בהם. באמת ספוגי פלא תמיד נראו לי כמו משהו שגדל בערבות שופרסל-דיל ויום אחד יברח.

***

אבל סביב מה המשחק של הופמן? מה היא מחפשת? בעבודות עבר שלה אפשר לראות את הנוכחות הגדולה של הצמחייה: אפשר לנחש שהעבודה עם חומר אורגני התקבלה בפחות התלהבות במוסד מוזיאלי (זה נשמע סיוט אוצרותי) ואפשר להניח שלהופמן יש עוד מוקדי עניין בחיים. כך או כך, כאן היא מגדלת דומם.

הדומם הזה צומח מלמטה ומשתפל מלמעלה כמין מערת נטיפים: הניסיון להוביל קו בין תקרה לרצפה מנחה רבות מהעבודות בחלל המעבדה של הופמן, וניסיונות שעולים יפה מסוגלים לעבור מסגור ולהגיע אל המנוחה והנחלה שבחדר הראשון, הביתי והחמים. במובן מסוים הופמן נותנת כאן דימוי מבריק לעבודת האמן: היא לא יודעת לאן העבודה תגיע. היא שותלת אותה ומקווה לטוב, וחלק מסוים מהניסיונות יכול לעבור לעציץ.

ענבל הופמן, פרט מתוך "פסגות היומיום", בית טיכו, 2021, צילום: אלי פוזנר

בחלל המעבדה משקפת עבודתה של הופמן משהו מהמרחב הקפוא המודרני, הן של המעבדה, הן של 'הטיפול בבית' והן של המוזיאון, והצמחים שהיא שותלת בו מתפקדים קצת פחות ובעיקר חסרים משהו מהאינטימיות שנותן גדיל של וילון או מסמר רפדים. הופמן מאמינה בעבודות מוכוונות-אתר וברור למה, אבל החומרים התעשייתיים שהיא מכניסה לחממה וצופה בצמיחתם מגדלים תוצרים מודרניים מדי: בחלק מהעבודות הם מצליחים לגעת ברגש אבל בחלק אחר הם מייצרים ניכור ומרחבי אבסורד עודפים, מעין פקודה שיצאה משליטה.

הופמן, שמשתמשת בדרך כלל במרחבים פחות סטריליים ומשלבת חומרים אורגניים יותר, מפגישה כאן בין חומרים תעשייתיים למרחב נקי, בין מודרנה למודרנה. מהתוצאות של הניסוי הזה אפשר להסיק שהקובייה הלבנה אינה נענית להופמן עד הסוף. הרגע הזה מעורר מחשבות הן על המרחב הביתי שלנו והן על מרחב האמנות שלנו, על הסטריליות והניקיון שלהם והמחירים שהם גובים; וברוחה של הופמן, לנסות למצוא דרכים לעורר בהם את החיים.

 

"פסגות היומיום"/ ענבל הופמן
אוצרת: שוע בן-ארי
בית טיכו, מוזיאון ישראל
נעילה: 30.10.21

הפוסט לגדל דומם במוזיאון הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

שי זילברמן הוא זוכה פרס אן וארי רוזנבלט לאמנות חזותית לשנת 2021

$
0
0

שי זילברמן הוא זוכה פרס אן וארי רוזנבלט לאמנות חזותית לשנת 2021. הפרס, שמטרתו לתמוך באמנים ישראלים, היוצרים במדיומים שונים ולקדמם, מוענק זו השנה השישית בשיתוף עם בית האמנים תל אביב. הפרס על סך 30,000 ש"ח, כולל מענק בשווי 15,000 ש"ח לאמן ותערוכת יחיד בתוצג במהלך שנת 2022 באוצרות אורלי הופמן שתלווה בקטלוג.

חברי ועדת הפרס הם: גליה בר אור, חוקרת אמנות ואוצרת; איה לוריא, מנהלת ואוצרת ראשית, מוזיאון הרצליה לאמנות עכשווית; דלית מתתיהו, אוצרת בכירה לאמנות ישראלית, מוזיאון תל אביב לאמנות; אריה ברקוביץ, מנהל ואוצר ראשי, בית האמנים תל אביב; אורלי הופמן, יוזמת הפרס ואוצרת תערוכות הפרס; אן וארי רוזנבלט, תורמי הפרס.

שי זילברמן מתגורר ופועל בתל אביב-יפו, שאליה שב לאחר שהות ממושכת באירופה. בלב הפרקטיקה האמנותית שלו מצוי הקולאז' הידני – טכניקה מודרניסטית, המשמשת אותו כמנגנון פעולה מהותי. בעבודות הקולאז' שלו הוא אורג יחדיו תרבות, טבע ואדם, ובאמצעות נייר ומספריים בורא עולם מרובד, הנע בין האישי לקולקטיבי. הוא מפיח חיים בפני השטח והופך את היצירה לבעלת נפח; יצירה נושמת, רוטטת, המגיבה לתנועות הגזירה והחיתוך.

שי זילברמן, "ללא כותרת"

זילברמן מלקט זיכרונות ומוצא את חומרי העבודה שלו בכתובים: ספרי מסע, היסטוריה, אמנות ופוליטיקה לצד מחברות ישנות, תוכניות אדריכליות, מסמכים משרדיים ועוד, שנמצאו בשווקים או חולצו מערימות הפסולת של ההיסטוריה. את השראתו הוא שואב מממצאים אלה, המשמשים אותו כמאגר בלתי נדלה ואינסופי לחקר וליצירה. הוא מחבר אותם זה לזה ללא כל היררכיה וללא התייחסות למקום, לשפה, לגבולות או לסדר יום.

לצד הנייר עושה זילברמן שימוש בחומרים נוספים, ביניהם טקסטיל, ובטכניקות מגוונות, כגון הדפס ופיסול. יצירתו משתנה תדיר, מרחיבה את גבולותיה תוך כדי תנועה ומגדירה את עצמה בכל פעם מחדש.

הפוסט שי זילברמן הוא זוכה פרס אן וארי רוזנבלט לאמנות חזותית לשנת 2021 הופיע ראשון בערב רב Erev Rav


האלכימיה של החשכה

$
0
0

שלום לאוצרת טלי בן נון ולאמן אבי סבח. אנחנו נפגשים היום כדי לדבר על התערוכה ״אפיים ארצה״. אנא הציגו את עצמכם.

אבי סבח: אני עובר אורח פה. אני חי כרגע בפורטוגל, נסיעה זמנית שנמשכת כבר כמעט שנתיים. נולדתי וגדלתי במעלות תרשיחא. למדתי אמנות בבצלאל ואני מלמד אמנות בבצלאל. הייתי חלק מהמקימים של גלריה ברבור, פרויקט שאני גאה בו מאוד. ואני מצייר. מנסה לצייר. זאת אומרת, אני עסוק בציור כבר די הרבה שנים.

מה זאת אומרת מנסה לצייר? מה הבעיה בלצייר?

סבח: מה, אני צייר? סזאן צייר. אני מנסה את כוחי ומזלי, אבל מנסה הרבה. הרבה שעות, כל יום. מנסה, מנסה וממשיך לנסות. כל כך מנסה, עד שהניסיון הזה די מגדיר אותי, וזה חתיכת ניסיון. אני חושב שצריך לשים עליו חיים שלמים כדי להצליח להגיע למשהו.

אולי אתה אוהב את הווריאציות.

סבח: אני משנה את כל סט החוקים שלי מסדרה לסדרה. בגלל זה הסדרות שלי לא דומות אחת לשנייה. יש לי עניין עם גילויים חדשים כל פעם, סט מגבלות חדש כל פעם, עולמות חדשים כל פעם. אם אתה עסוק באותו חומר ובאותם נושאים כל הזמן, אולי אתה חופר עמוק יותר, וזה טוב, אבל יש גם אפשרות שאתה מקובע.

נעבור אלייך, טלי.

טלי בן נון: גדלתי בכפר תבור, בבית צבאי שלא הייתה בו ועדיין אין בו שום זיקה לאמנות. נדמה לי שדיברנו על זה, נכון יהונתן? על העניין הזה, שצריך להסביר להורים מה את עושה; מצד אחד את רוצה שההורים יתגאו בך, ומצד שני הם לא כל כך יודעים או מבינים מה זה המקצוע הזה, אוצרת. אני אוצרת עצמאית כבר חמש עשרה או שש עשרה שנים ובתוך העשייה הזאת אני כל הזמן לומדת עוד, מכל שיתוף פעולה, מכל עבודה עם אמן. מה שאני כל כך אוהבת בעבודה הזאת זה הממד האנושי, הקשר שנבנה עם אמנים. קשר אינטימי, גם בקשרים קצרי טווח וגם בקשרים ארוכי טווח; קשר רציף עם אמנים זה משהו שממלא אותי. זאת דרך, ודרך ארוכה. כשאני נכנסת לזה אני מתמסרת, אני מאוד שם.

אתם מכירים הרבה שנים. נכון?

בן נון: אנחנו מכירים מאז צעדיו הראשונים של אבי אחרי התואר הראשון, שנעשו במקביל לצעדיי הראשונים כאוצרת, בשנת 2004. אני זוכרת את פרויקט הגמר שלו, ושזמן קצר אחר כך כתבתי לו מייל או שהשגתי איכשהו את הטלפון שלו ואמרתי לו "נעים מאוד, אני רוצה לבוא לסטודיו". הוא עבד אז בסדנאות האמנים בירושלים ואני היססתי כי חשבתי שאין לי הרבה מה להציע. וככה זה התחיל, משם לאט לאט נבנה קשר שהוביל לשיתופי פעולה, לתערוכת יחיד בגלריה 39 בתל אביב. אחר כך היו עוד שיתופי פעולה והרבה הרבה פגישות בסטודיו, לפעמים כאלו שבכלל לא קשורות לשום פרויקט, אלא פשוט חברים שנפגשים לקפה וסיגריה, כשסביבנו נמצאות העבודות של אבי אז מן הסתם מדברים גם עליהן.

אני רוצה לחזור אחורה ולשאול אותך, טלי, מה זיהית בתערוכת הגמר ההיא בשנת 2004?

בן נון: ואו, זרקת אותי הרבה שנים אחורה. זיהיתי בעיקר את העניין של האלכימיה, עבודה עם חומרים שכבר אז הייתה נוכחת. זה לא היה ברמה של ציור יפה או ציור מעניין, אלא יותר ברמה של חומרים שנפגשים. בדיעבד הבנתי שאבי התלבט בין לימודי אמנות ללימודי כימיה.

אבי, מה הכריע את הכף לטובת לימודי אמנות?

סבח: שבאמנות יש את כל הכימיה שאני צריך. באמנות יש את הסיכוי, עדיין לא ידעתי מה זה אומר אפילו, שכימיה תהפוך לאלכימיה. לעומת זאת בכימיה אין את כל האמנות שאני צריך.

בן נון: אני גם זוכרת שכשהגעתי לסטודיו בירושלים, לסדנאות, כבר היו לך ניירות מטוגנים, ציורים מטוגנים, ניירות ספוגים בשמן. אני זוכרת שהיה שם גם משהו שנראה כמו צ'יפסר, כזה עם אור אדום, כמו אלו שמחממים את הצ'יפס בפלאפליה. אני זוכרת אותך מייבש שם את הציורים אבל יכול להיות שאני ממציאה את זה.

אבי: את זוכרת נכון, שמתי ציורים בטוסטר. הייתה לי כירה חשמלית שעליה בניתי מתקן מנחושת שעליו טיגנתי ציורים.

חשבתי שציורים מטוגנים זאת מטאפורה.

בן נון: לא לא, זה אמיתי.

סבח: המטאפורה מגיעה בהמשך. אני עובד כמעט תמיד על נייר, והטיגון הפך אותו למן עור או קלף. באמת טיגנתי ציורים, עשיתי ניסיונות עם שמן.

אבי סבח, מתוך "אפיים ארצה", שמן וגרפיט על נייר

נחזור ל'אפיים ארצה'. מה הסיפור מאחורי העבודות האלו?

סבח: הסדרה הזו נולדה ברגע מאוד ברור. הייתי במוזיאון המטרופוליטן בניו יורק ונכנסתי לחדר שחור לחלוטין מהתקופה הרומית, שכנראה נשדד והובא לשם במלואו. החדר נמצא בקומות המרתף וקצת קשה להגיע אליו. לקח אותי לשם ראובן ישראל, אמן וחבר שחי בניו יורק, שאמר לי ״בוא, בוא, אתה תאהב את זה״. מה שרואים זה חדר שמכוסה בפאנלים, כנראה מעץ, שעליהם מונחת אדמה שחורה שרופה ומשויפת, מה שנותן לכל החדר הזה תחושה שהוא מעושן, שנכנסים לתוך עשן. אתה מאבד שם את כוח הכבידה, את היכולת להבחין, את קנה המידה, אתה שומע קולות. קרו לי הרבה דברים בחדר הזה. ובמרכז כל פאנל יש ציורים קטנים כאלה של רגעי חולין, רגעי שגרה: אנשים שואבים מים, אנשים עובדים פסל של אל. בכל אופן, אני החלטתי, בגוף או במודע, שאת האנרגיות האלה אני מנסה לייבא לסטודיו. וזה שלח אותי לצייר.

ניסיתי לעשות כל מיני פעולות, למשל לייצר פאנלים שחורים כאלה ולצייר ציור קטן באמצע. זה לא הצליח. המשכתי לפעולות יותר גורפות, יצרתי פאנלים סוערים יותר, את האדמה השרופה החליף צבע שמן שעליו ציירתי עם גרפיט. ואי אפשר היה לצייר בקטן. חלק גדול מהסדרה צויר בחושך, כדי להרגיש את החושך או לעסוק בשאלה הזאת של חושך, איך זה לצייר בחושך; החושך הוא אלמנט מרכזי בתערוכה הזאת. לעיתים עבדתי בחושך מוחלט. החזקתי פטיש או תפוח וניסיתי להבין ממה הדבר הזה עשוי. התשובה המורכבת יותר תהיה שהדבר עצמו עשוי מחושך. ברגע שאין את ההחזר של האור, ואם אתה לא נשען על זיכרון של תפוח, אז הוא פשוט עשוי מדחיסות אחרת של חושך.

איזה עניין אתה מוצא בחושך?

בן נון: אני רוצה לענות על זה. לסדרה הזאת קדמה סדרה בשם ׳עונשין׳. אלו רישומים שצוירו בלילה. אבי כבר היה אבא ולא היה לו המון זמן להקדיש לסטודיו, מה שעורר תסכול מצד אחד וחרדה מצד שני, כהורה. אני זוכרת אותו מספר לי שהוא ממש רושם בחושך, בקושי עם איזו תאורה קטנה, ליד הילדים או במיטה, פשוט רושם. ובתערוכה יש באמת בתוך הרישום סיטואציות רישומיות, ציוריות, פרפורמטיביות, שהן קשות, מאוד אלימות: עריפות ראשים, סקילת אבנים, אנשים תלויים על עצים, יש שם כל מיני סיטואציות לא פשוטות.

אני רואה זיקה ישירה בין 'עונשין' וההתחלות הראשונות של 'אפיים ארצה', למרות ש'עונשין' לא סדרה כהה או קודרת בצבעים שלה – היא על דף נייר לבן, רישום תכלכל כזה, עם קצת צהוב, כתום, סדרה יחסית בהירה בצבעוניות שלה – ובכל זאת, יש בה משהו קשה ואלים.

סבח: לחלוטין. בין היתר, חלק מהאלמנטים ב׳עונשין׳ הם עשן ורוח, יש הרבה מאוד עשן שמצויר עם אפר סיגריות, ממש פיזית מהמאפרה, וחידודים של עיפרון. זה עוד משהו שמעניין אותי, לצייר עשן עם עשן, לצייר את העשן עם העשן של הסיגריות, או לצייר כוויה עם כוויה: לעשות כוויה ולצייר. היום אני מצייר פה בפורטוגל מים עם מים, מצייר גופים מימיים עם מי גשמים או מי נהר. זה להכניס את הרגע הפיזי לתוך הציור, ולא רק את ההתרשמות. גם הטיגון, זה היה לצייר חום בחום.

לי זה נשמע כמו הגבלות מדיטטיביות, כמו מאסטר זן שאומר לך עכשיו תעמוד רק על האגודל במשך יום, ואז תגיע להארה.

סבח: זה מעניין שאתה אומר לעמוד רק על האגודל כי השם של הסדרה, ׳אפים ארצה׳, הגיע מתוך התנוחה של הגוף בזמן שאני מצייר אותה. גם התנוחה של הגוף הייתה מגבלה, בגלל הגרפיט הייתי חייב לצייר בכריעה. עם הזמן הבנתי שאני ממש בתנוחה של תחינה, כאילו אני מתפלל. ב'אפיים ארצה' אני עם הפרצוף לקרקע והטוסיק לשמים. פסח סלבוסקי מדבר על זה בספרו ׳ההשראה חוזרת לתיקונה׳, על המחול. המחול שהצייר מחולל כשהוא עובד על הציור הוא גם תקשורת בין מחול למחולל. הסטודיו הוא בכלל סדנת כוריאוגרפיה. התנועה של הצייר בסטודיו היא התנועה המציירת והיא המחול שמחולל את הציור.

אבי סבח, מתוך "אפיים ארצה", שמן וגרפיט על נייר

מעניין אותי, טלי, מה ראית מהפרספקטיבה שלך בזמן העבודה?

בן נון: ראיתי בעיקר מלא שדים. הרבה שדים חדשים. כל היצורים ההיברידים האלה, סאטירים, כל מיני דמויות של אלוהות. אם יש אלוהות או אם מישהו מאמין באלוהות, אז פתאום אלוהים מחזיק סיגריה ומעשן, מסתכל עלינו מלמעלה. בעיקר ראיתי סט של שדים, סיוטים, חרדות שנכנסות אל תוך הציורים. דמויות מכונפות שכל הפרופורציות שלהן שונות ביחס לאלמנטים אחרים בציור. וגם צצים להם דברים שפתאום מצחיקים אותי. טקסט שגורם לי לגיחוך, כמו "הנכד של כולנו", על משקל הילד של כולנו. פתאום איזה חתול, תחת שנהיה חתול, תחת שמקבל שפם, שק אגרוף. כל פעם שאני מזהה משהו כזה אני מרגישה כאילו אבי מצייר בכזאת אינטנסיביות שאולי הוא פספס פרטים, אז אני אומרת לו, למשל, ״תראה, יש פה מדרגות שמובילות למערה״.

אבי, אתה לא תיארת שום דבר שקשור ליצורים. הם שם, אבל נשמע שאתה מצייר אותם בלי לדעת שזה מה שאתה מצייר.

סבח: באיזשהו אופן אני יודע שכל הדברים האלה נכנסים אל הציור. אני זוכר את שק האגרוף שהיה בחדר וציירתי אותו. אני זוכר את המחשבה על מערה, ואת המדרגות לתוך המערה ואני זוכר את האלוהים המעשן. דרך אגב, זה הוביל לסדרה שעבדתי עליה פה בפורטוגל, 'דה גרייט סמוקר', המעשן הגדול. אבל אני לא עסוק בלפרוט את הדימויים, אלא בשהייה במצב תודעתי שהדימויים משרתים אותו. נגיד המעשן הגדול: אני לא מצייר אלוהים מעשן, אני מדבר על חוסר אונים. אתה מבקש עזרה מלמעלה, אבל למעלה יש איזה מישהו שמעשן ונח, ולא מקשיב. אני עסוק במושגים שבסופו של דבר מוצאים את ההופעה שלהם בתוך דימויים קונקרטיים, אבל הדימויים הקונקרטיים האלה מעסיקים אותי קצת פחות. אני רוצה להסתכל על זה כמו חיים; אתה חי חיים מסוימים ובתוכם מתרחשים דברים, אבל אתה לא נושא את הזיכרון הקונקרטי של הדימוי שמייצג את מה שקרה בחיים, אתה נושא תחושות. אם הייתי אומר לך היום להסתכל אחורה על החיים שלך, אז היית זוכר את העוצמה של הטרגדיה, או את העוצמה של האהבה, וזה מה שאני מנסה להעביר.

בן נון: כן, גם אמרת לי את זה כמה וכמה פעמים. איך פתאום אירוע אלים ברחוב בין שני נהגים, הרגע הזה שפתאום מישהו יוצא עם שפת גוף כזאת מהרכב ורוצה להעיף סטירה למישהו אחר, כשאתה מסתכל על זה מהצד. או איזה רגע בסרט שראית או ספר שקראת. הרגעים האלה נשארים ונצרבים ואז יוצאים בציור גם בלי שזה מתורגם לדימוי חזותי של רגע אלים ברחוב. רק תחושת הדריכות והחרדה.

סבח: לגמרי, התחושה כרוכה אצלי בדימוי. באחד הפאנלים ב'אפיים ארצה' מופיע סוס צועק, ממש סוס צועק. והסוס הזה הגיע מתוך טקסט של בורחס שמצביע על משהו ששייקספיר העלה ביחס למונח ׳חלום בלהות׳ באנגלית: ״סוסת לילה״, הנייט מר. עכשיו, מה זה סוסת לילה? איך מתמודדים עם דימוי כזה? יש סוסה ויש לילה. וסוסת לילה, הרושם שמשאיר בך דימוי כזה הוא מצמרר. וזה דימוי ציורי, זה ציור. זאת אומרת, אתה קורא טקסט ואתה נמצא מול ציור, כשהוא מספר על הנייט מר אתה נמצא מול ציור. בעיניי זאת התקשורת בין ייצוג, דימוי, סיפור, ציור. כשקורה לי דבר כזה אני שומע פעמונים, אני מרגיש את הכימיה, את האירועים הארציים הופכים לאירוע אלכימי. אני חושב שזאת פואטיקה, זאת המילה.

בן נון: אני לא אשכח את הרגע שבו אבי הגיע למוזיאון, חצי מתוח, חצי מתרגש: היום שבו הוא פתח לראשונה את הציורים בחלל המוזיאון. זאת הייתה הפעם הראשונה שהוא פגש אותם אחרי שהוא לא ראה אותם שנה כי הם היו מאוחסנים. הוא אמר לי: ״מה עשיתי, זה אני ציירתי? מה עשיתי, מה הולך פה״. רגע כזה, מבוהל ואמיתי. הרגשתי שאני צריכה ללכת משם ולתת לו להיות כמה שעות לבד עם הציורים.

טלי, כשהגעתי לבקר בתערוכה אמרת לי לקחת רגע להתרגל לתאורה. הציורים כהים והתאורה מעומעמת.

סבח: זה חדר שאתה נכנס אליו ולוקח לך זמן להבין מה קורה בו. זה יכול להיות אפילו החדר שלך, בלילה כשאתה הולך לישון. כשאתה נכנס לחלל חשוך, ואתה יודע שעוד רגע תתרגל, ותמצא את המיטה ואת הבגדים גם בלי לראות אותם ממש. קיווינו שזה יהיה המצב גם בתערוכה הזאת.

בן נון: אנשים שבאים לתערוכה משתפים אותי בחוויות, תחושות, מחשבות שעולות. הרבה מהם מתארים את השניות הראשונות האלו כשהכול חשוך, ואיך לאט לאט החדר נפתח, הציורים נפתחים, האור נפתח. ואז הם מתחילים לגלות דברים.

יותר מזה, גם אחרי שהאור לכאורה כבר מתייצב, הם מתחילים לעשות סיבובים בחלל ובכל פעם הם מגלים עוד משהו: שיש גם צבעים מתחת לשחור, שיש כיתוב, שיש טקסט, פתאום הם מגלים עוד סצנה קטנה שמצוירת שם, בתוך השד הגדול. וזה דבר משמח. קודם כל זו ההשתהות, העובדה שאנשים שוהים בחדר. דיברנו על זה, כמה זמן אנשים יהיו מסוגלים להיות בתוך החדר השחור והמאיים והקשה הזה. ואנשים שוהים.

אבי סבח, מראה הצבה מתוך "אפיים ארצה", צילום: לנה גומון

לסיום, אני אציין שעוד לא יצא לי לראיין אוצרת ואמן יחד על תערוכה ספציפית.

בן נון: אחד הדברים היפים בקשר שלי עם אבי זה היכולת לראות במבט רטרוספקטיבי את השפה שנבנתה לאורך השנים, את האבולוציה שלה, הארכיאולוגיה שלה, לראות דימויים שעכשיו מופיעים ב׳אפיים ארצה׳ והולכים אתו עשור ודימויים חדשים לגמרי ש'אפיים ארצה' הולידה.

סבח: זה קשר שלא יסולא בפז. אני מאחל לכל אמן ואמנית תקשורת כזאת עם אוצרת שמלווה אותו. בסוף, מעט מאוד אנשים יכולים לצלול איתך לתוך החור השחור הזה שנקרא סטודיו באמת לעומק, לצאת ממנו בשלום ולדווח.

הפוסט האלכימיה של החשכה הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

האבן, העלה, וקונכיית החילזון

$
0
0

ימים רבים, כמו קרישנה במרכבתו כן אווטאר מהר בבא, האב הרחום, אל בגוף אדם, נוהג באפיריון האוטובוס הכחול הצנוע שלו במרחבי הודו-הגן, ופמלייתו, תוכה רצוף אהבה, מותשת ורדומה מסביבו. מהר חורש מחוז אחר מחוז, כפר אחר כפר, אוסף את המצורעים והטמאים ומוכי הגורל למיניהם, יוצק מים טהורים על רגליהם, מלטפם ומרכין ראשו עליהם – "המצורעים" הוא אומר "הם נשמות יפות בסוגר מכוער". מעת לעת, הוא עוצר לפתע את פמלייתו באמצע שום מקום, מגשש בדריכות את השדות סביב, ואז נפנה בהילוך נמרץ אל עבר עץ או גבעה שם מתבודד אחד מה'מאסטים' שלו, יצורים פרושים שהאהבה לאלוהים העבירה אותם על דעתם עד שהם הופכים לעירומים מכל וכל כביום הולדתם.

מהר באבא, השרוי בתענית דיבור מזה ארבעים שנה, פותח אז בשיח סימנים עלום, נמרץ ונלהב ביותר, עם המאסט העלום שלפניו. הם חדלים כשהמאסט מתרומם בקלילות ממקום רבצו, פוסע בזהירות ובולש בעין בוחנת את הקרקע במשך דקה ארוכה תחת עינו הפקוחה והסקרנית של מהר באבא. המאסט נעצר, נרכן ארוכות מעל פיסת קרקע ולפתע מתכופף ומרים חלוק אבן אחת, אותה הוא מגיש למהר באבא כמחווה של מסר מעולם אחר. מהר באבא בוחן את האבן היטב היטב מכל צדדיה, נועץ עין נץ בקרקע שמסביב ומתחיל בתורו לגשש את הרצפה, נעצר מעת לעת רכון מעל דבר מה, בוחן את פניו הדרוכות של המאסט, נמלך, וממשיך בגישושו. והנה, הוא אוסף עלה ומניחו בחטף ביד המאסט. עתה הם יושבים שעה קלה ב'שתיקה' כשהמאסט ממולל מהורהרות את העלה בידו. אחר כך הוא קם ופוסע שוב סביב, רכון מעל הקרקע בעיניים עצומות. בפקחו את עיניו, הוא מצביע מיד על קונכיית חילזון ריקה. מהר באבא פורץ בצחוק אדיר בשעה שהמאסט מגביה את אצבעו לפניו כסוקרטס בפני אסכולת אתונה.

מצע עץ, מדפסת תלת ממד, סיב ביו-פלסטי, ערכת רכב, אפוקסי, וצבעים

אלה הם הכלים והחומרים מהם בנויה ה'טענה' המסתורית של איתן בן משה בתערוכה, בצורת סדרה הדוקה של כעשרה תבליטי קיר המציגים היתוכים שונים ומשונים של צורות ארכיטקטוניות מן הטבע ושל אברי רביה זכריים ונקביים מן החי ומן הצומח. אנרגיה עזה של ארוטיקה מורבידית וטורדת קורנת מהעבודות בצד אי נוחות ורושם של קיפאון מנוכר של דגימות מעבדתיות מניסוי מפוקפק שיצא אולי מכלל שליטה וננטש, ואיננו בטוחים שאנו רוצים באמת לעמוד על טיבו. בה בעת, ומזווית אחרת, מדפסת תלת הממד של בן משה העומדת בפינת הסטודיו נראית תמימה ומרגיעה, היא מזכירה מכונה ביתית פרימיטיבית, מעין כישור או נול, והתוצרים הסופיים של הפסבדו מעבדה להנדסה גנטית שיצר מעלים על הדעת שרידים לא מפוענחים של תרבות פרהיסטורית לוטה בערפל. הדעת, אם כן, מגורה ומסוכסכת למדי לנוכח תבליטים אלה.

בצד כל אלה, כאילו חומק עובר, מוצג גם סרטון אנימציה פיגורטיבית ומופשטת כאחד, שמדמה מחול מלבב ועליז של כותרות פרחים המדמים גם כפות ידיים שמשתלבים אלה באלה כבפולחן סיבת הסיבות עלום, ומתוכם פרח ה-Y המסתורי עולה ונמוג לחליפות. את הסרטון מלווה מנטרה/תפילה בודהיסטית מרגיעה ומהפנטת, כולה שריקות ציוצים ופעמונים, ששואבת אותך אל עולם שכולו טוב. עתה אנו מקווים שהסרטון הזה אינו אלא ה'מנטרה' או ה'מפתח' לכל התבליטים המאוימים הללו או תוהים בדאגה אם אינו משמש כניגוד מובהק להם? כחלוקה רדיקלית בין החלל המלא וריק לאין סוף לבין החלל הפנוי ומלא לאין סוף. ולמה המאוים נוטה להיות כה יפה ומושך? לאלוהים פתרונים.

איתן בן משה, סטיל מתוך וידאו, Aomori 2021

הסיפור של Y

כמו ריבוי אברי המין מן החי והצומח המותכים זה בזה בתבליטים של בן משה, Y מתחלפת ואינה יציבה, סמל/צעצוע משונה של התודעה, מעין מגדל בבל מתהפך חליפות על פי זרמי חב"ד שונים ומתחלפים לבקרים או ללילות של התודעה.

בתיאולוגיה הקלאסית Y היא סמל סוד האלוהות והבריאה: 'אחד' שנפתח לריבוי (אריסטו/הרמב"ם) או ריבוי שמתאחד ב'אחד' (שפינוזה). בתורת הסוד Y היא סמל סוד/שבר האלוהות: אם 'לית אתר פנוי מיניה' הוא המלאות האינסופית, הרי שהצמצום האלוהי (האינסוף) אינו יכול לייצר אלא ריק אינסופי, הוא הוא החלל הפנוי, פנוי אף מן האלוהות עצמה. עולה על הדעת שהחלל הפנוי של המיסטיקה המאוחרת אינו אלא היפוך אמוני של הסדק שנבקע בחלל המלא והממשי הקדום, בשחר ההיסטוריה של התודעה האלילית, הוא הוא החלל הפנוי הקיומי של זמננו.

בפילוסופיה המערבית ה-Y היא הצעה קרטזיאנית ליין ויאנג המזרחי, משום שב-Y יש הפרדה הכרתית ואילו ביין ויאנג יש חלוקה דינמית. ויש הסבורים ש-Y הוא, או חלוקת 'או או' של החלל המלא והחלל הפנוי של התודעה עצמה, המלא מלא עד אין סוף והפנוי פנוי עד אין סוף, או שלילה רדיקלית של תיאולוגיית החלל המלא/פנוי על ידי הפיכת ה'חלל' ל'מישור' אחד ואינסופי. לפי זה Y אינו אלא 'קוונט' של הבחירה החופשית.

במגדר הוא פאלוס הנפתח לפות או להפך, או שהוא סמל לתשוקה ההרמפרודיטית המסורסת של התודעה, האחד שהוא לכאורה סיבת עצמו והמשך של עצמו, ריבוי סתמי ולא מאוחד של עצמו בלב מישור פנוי ואינסופי (דלז).

כך או כך, נראה שהכוכבים, האבן העלה והחילזון נמצאים בחלל המלא, ואילו הדעת האנושית היא לבדה שרויה בחלל הפנוי. זהו שער החוק שלה בלבד, מולו היא עומדת בזרות ובבדידות אינסופיים בתוך היקום הקיים לעצמו.

האלילות, הדת, הפילוסופיה והאמנות אינם אלא מפעל עצום להשבת החלל המלא על כנו.  האמנות היא עבודת האלילים החדשה, מלאכת פרך/תשוקה בחלל פנוי מיניה וביה (באינסופי).

האמנות, ארוטיקה של גוף נטול אברים

באופן פרדוקסלי, זו הסיבה שחוש המישוש, הליטוף, הוא טאבו מבין כל אפשרויות הקלט של האמנות, שכן האמנות ביסודה היא לעולם השגה בדרך של תעתוע, אומרת דבר אחד ומתכוונת למשהו אחר, גוף נטול אברים בתוך חלל פנוי. והרי, אם לא היה חלל פנוי, הדעת הייתה כמים לים מכסים או כמים בתוך מים, וממילא שאלת האמנות האמונה והרוח לא הייתה נשאלת כלל.

האמנות, כמו האמונה והרוחניות הן ארוטיקה של העין, לראותם בלבד, בעוד שהדת והאורגזמה החומרית אינם אלא שכרון חושים, צניחה וחזרה מעגלית לנקודת ההתחלה בחלל הפנוי, וחוזר חלילה, עד הגאולה בידי הגואל או בידי המוות.

בכל מיתולוגיות החלל המלא למיניהן, כולל בזה של ה'רחם' על פי פרויד, היה האדם ייצור אוטו-מיני (אנדרוגינוס) המסור למעשה האהבה העצמית עד מוות. משעה שגורש אל החלל הפנוי, נחתך, חולק, פוצל, הוא נתון למשימת חיים אחת ויחידה, להשלים את ה'חסר' במחיר חייו. האחד הקדום מתפרד כאן לתחנות כוח של ארוטיקה, התענגות לא מסופקת, ומוות, שעליהם נבנים חברות וציביליזציות.

ריבוי אברי מין במקום השלמת החסר באבר/תותב תואם ושרירותי יכולה להיות אסטרטגית חמיקה או הכחשה בידי מכונת התשוקה כנגד עריצות האיווי המדומיין של אידאולוגיית החלל המלא – החלל הפנוי הממלא את היקום כולו יהפוך אז לריזום אינסופי ונטול גבולות של תשוקות ללא תכלית אלילית/אידיאולוגית. האמנות, היא היא אחד מהאפיקים המובהקים של הריזום הזה.

מראה הצבה מתוך "סיפורה של Y", איתן בן משה בגלריה אלון שגב, 2021, צילום: ירון אתר

אמת ואמונה באמנות

אחת האמרות הנועזות בהיסטוריה של האמנות הינה זו של פול סזאן לאמיל ברנרד: "אני חייב לך את האמת בציור, ואני אומר לך אותה". רבים האמינו לסזאן, ועוד רבים אחרים ניסו להוכיח את אמונתם בו. ויפה מאבחן דרידה באמרתו הקשה של סזאן את המשולש החשוב "הבטחה/התחייבות – אמת – חובה/חוב". כשהייתי שואל את האמן פסח סלבוסקי לדעתו על אמן מסוים הוא היה משיב בפשטות, "אני מאמין לו" ללא כל ניסיון לאמץ את ג'רגון השיח המקובל על האמן 'החשוב'. אשר על כן האמניות והאמנים נקראים כן, אמנים, כי הם מן קהילה משונה של נאמנות ונאמנים שקשורים במעין חוב לאמת ואמונה באמנות.

ואולם בעידן שבו יותר מתמיד העיצוב, הנראות והסימולציה חופף יותר ויותר אמנות, ושניהם נטמעים יותר ויותר בחברת הראווה עד שאין אנו יודעים להבחין בין 'אמנות' לבין 'עיצוב אמנות', אנא אנו באים? מי יגיד לנו אמת באמנות? אולי לזה כיוון איתן בן משה באומרו "האמן הוא המדיום", כי בניגוד ל"מדיום הוא המסר" שמשתנה, כמדיום כן המסר, לבקרים, האמן, הוא, יכול להישאר נאמן תמיד, על אף שהמסר שלו עשוי להשתנות, ואף חייב להשתנות. עם זאת, לפי האמור לעיל, אם נחבר את האמן ל-Y שלו, נגלה שהאמנות אינה אלא עניין של אמונה, 'קוונט' של הבחירה החופשית, והזרמים באמנות אינם אלא קהילות של נאמנים ומאמינים.

 

"סיפורה של Y" / איתן בן משה
גלריה אלון שגב

הפוסט האבן, העלה, וקונכיית החילזון הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

הרחק מן ההמון הסואן

$
0
0

קריאה ביצירתה הכמוסה והנפלאה של אביבה שי-נחום על פי גסטון בשלאר, או: שיחה (תמונה מספר 1)

בשנת 1989 סיימה אביבה נחום את לימודיה במדרשה לאמנות ברמת השרון. קשיי החיים והפרנסה אילצו אותה לזנוח את חלומה לפתח קריירה כאמנית, והיא מצאה את דרכה כעובדת בכירה בבנק הפועלים, אולם חלומה ואהבתה לאמנות לא נזנחו: בשנת 2004 סיימה לימודי תואר שני בתולדות האמנות ובשנת 2011 סיימה לימודי מוזיאולוגיה באוניברסיטת תל אביב, תחת הנהגתו של מוטי עומר. אולם דומה כי רק בימים אלו, כאשר שי-נחום עומדת בפני פרישה, התפנתה נפשית ורגשית לבחון את כלל יצירתה, שנעשתה למרות הכול (היותה אם חד הורית, עבודתה במשרה מלאה) לאורך השנים. הבחינה הזו היא שיחה, כשם יצירתה המרגשת המציגה את אמה בשיחה עם אמה- שלה. שי-נחום בוחרת ברגע מכריע בחייהן של השתיים, רגע המפגש והשיחה הטעונה. אמה של שי-נחום גודלה למעשה על ידי סבה וסבתה, ולא על ידי אמה הביולוגית, בשל נסיבות חיים מצערות. משפחתה של שי-נחום הייתה בעלת מעמד גבוה בעירק. מוצאה המקורי היה מתורכיה1, וסבה נשא בתואר הכבוד "פאשה" משום שהיה רופא נערץ ולמעשה נשלח לעירק עם משפחתו בכדי להקים שם בית חולים. האב, שהיה קצין בצבא העותומאני, נהרג בקרב הדרדנלים. האם, שנותרה אלמנה מטופלת בילדה, נסעה אל הקהילה היהודית עירקית המשגשגת בהודו, והותירה את בתה הקטנה, לימים אמה של שי-נחום, בידי הוריה. בהודו היא אף נישאה מחדש. ברבות השנים חזרה האם לעירק, ומשם אף עלתה לישראל. המפגש הטעון בין השתיים הוא מפגש לאחר שנים בהן לא פגשו האחת בשניה, והציור מצליח להעביר את כובד המעמד. מבחינה סגנונית, בחרה שי-נחום במודוס הנע בין נפחיות תלת מימדית לשטיחות המאזכרת את סגנונו של אנרי מאטיס. בפינה הימנית מצוירים שלושה ריבועים צבעוניים, המונחים כקוביות זה מעל זה: ירוק אדום ואפור. התצורה הלא מימטית מדגישה ומטעימה  את האופן בו שי-נחום אינה רואה עצמה מחויבת לחוקי הפרספקטיבה, אלא לחוקיות הסמויה מן העין שמכתיב הקנווס, שמכתיבים הצבעים והצורות. קיר התכלת האוריינטלי גולש לרצפה, והחדר כולו נדמה זע ונע, בסערת רגשות. שתי הדמויות, האם והבת, כמעט זהות, כפילות האחת של השניה: פניהן עשויות באותה תבנית, לשתיהן אותו דפוס של לבוש- חצאית פסים וחולצה, ולשתיהן כיסוי ראש. מנח הידיים המשוכלות זהה אף הוא.

תמונה 2: אביבה שי נחום, דיוקן האמנית כילדה

אולם מעבר לרקע הביוגרפי המרתק, ברי כי הדמויות מייצגות גם חברות, שכנות, עמיתות, בנות, דודות; שיחה בין שתי נשים באשר הן, שיחה בינה לבין עצמה, שיחה בינה לבינינו, שיחה שלי עימכם על מכלול יצירתה. ולשיחה הזו בחרתי לצרף דברים משל הוגה הדעות גסטון בשלאר, מספרו "הפואטיקה של החלל"2.

חוט השני העובר במכלול יצירתה המגוונת, משטיחי קיר עד לתמונות אקריליק, הוא העיסוק בגניאולוגיה המשפחתית. שי-נחום, בת למשפחה עירקית, חוותה מראשית דרכה את הפער בין הדיסיפלינה המובחנת של "תולדות האמנות", הנלמדת באוניברסיטאות מפרספקטיבה אירופוצנטרית מובהקת, לבין המסורות האסתטיות והויזואליות אותן הביאה עימה3.

תמונה 3: אביבה שי-נחום, דיוקן עצמי

אחד המוטיבים החשובים ביצירתה הוא מושג השטיח. השטיח הרך, הארוג בקפידה, הטומן בחובו מסורות של מלאכת מחשבת של אריגה, הנושא עימו שלל צבעים ודוגמאות. השטיח הוא לב ליבו של הבית המזרחי, המיניאטורה המייצגת אותו. אריגת השטיחים היא מסורת מפוארת וארוכת שנים בתורכיה, באיראן, באפגניסטאן, ובארצות הסובבות אותן. השטיח העבה כיסה את הרצפה הקרה בחודשי החורף, ושימש מצע רך לישיבה, אכילה ושינה בכל חודשי השנה. הישיבה הנמוכה, הנהנית ממנעמי השטיח, אופיינית למזרח התיכון. השטיח אינו בבחינת קישוט דקורטיבי גרידא, הוא אוגר בין קפליו את חום הבית, את מרחב האינטימיות, את העבר. התבנית הצורנית של המסגרת- בתוך- מסגרת, של קומפוזיציה ערבסקית הסובבת ותוחמת את צורתו של השטיח, אופיינית ליצירותיה של שי-נחום4, וראו למשל את התמונות מספר 2 (דיוקן עצמי כילדה) ו-3 (דיוקן עצמי). בתמונות 2 ו-3 מאומצת התבנית הצורנית, ואף השטיח עצמו מצויר, אולם גם השטיח עצמו, כמודוס אמנותי מובחן, כיצוג אונתולוגי, הוא גיבורן של שתי יצירות מפתח.

תמונה 4: אביבה שי-נחום, "שורשים"

היצירה "שורשים"- ראו תמונה מספר 4, מציגה את הסבתא של האמנית כנטועה בתוך מרחב רך, בלתי מוגדר. תווי מתאר מטושטשים של כמעין-כורסא, נבלעים ברקע הצבעוני, העשוי שכבות שכבות של אדומים וכחולים, מסגרות ופסים. דמות הסבתא הופכת ל"דמות בשטיח", אם להזכיר לרגע את הנרי ג'יימס. אנו שואלים את עצמנו מה "בפנים" ומה "בחוץ",  אולם כדבריו של בשלאר:"הדיאלקטיקה של הפנים והחוץ: הכול מקבל צורה על הדף"5. הדיאלקטיקה המערבלת אכן מוצרנת על הדף, מערבלת ומערבבת אם האם עם הרקע. העיטוף של הדמות היחפה אינו רק צורני. חקירה של המהלך האינטלקטואלי העומד מאחורי התמונה פותחת צוהר אל אירוע היסטורי ואל תמונת מפתח בתולדות האמנות הישראלית.

תמונה 5: אביבה שי-נחום, "שטיח יהודי עריק לנציב העליון"

בשנת 1920 מונה סר הרברט סמואל היהודי לנציב הראשון בארץ ישראל,  מטעם המנדט הבריטי. מינויו של יהודי לתפקיד מושלה הראשון של ארץ ישראל עורר התרגשות רבה בקרב קהילות יהודיות רבות בעולם. הקהילה היהודית בעירק החליטה להעניק לו לכבוד המאורע שטיח קיר, (תמונה מספר 5) עליו ארוגה דמותו לבושה בבגד רשמי, בכחול ואדום. בצידי השטיח כתובות בעברית וערבית – לסר הרברט סמואל, ו- ציונות עירקית (שגיאות הכתיב מעידות על רמת העברית המועטה שהייתה לנשים האורגות את השטיח). ברבות השנים רכש את השטיח הדיפלומט והאמן אריה ארוך, ובהשראתו צייר את התמונה הידועה "הנציב העליון", אחת התמונות המפורסמות בכרונולוגיה הויזואלית של אמנות ישראל- ראו תמונה מספר 6.

היצירה של ארוך מצטטת למעשה את השטיח, מטביעה מיניאטורה משוכפלת שלו, וחוזרת על צבעיו- אדום וכחול. על העבודה נכתבו מאמרים רבים, כאשר המפורסמים שבהם הם מאמרו של מוטי עומר: "ירושלים של אריה ארוך: בין רחוב אגריפס לבין הנציב העליון" (1989) ומאמרו של גדעון עפרת, "בספרייתו של אריה ארוך" (2001). עפרת ועומר מצביעים על המשמעויות הרבות הטמונות ביצירתו של ארוך, מן ההתייחסות לסמכות השלטונית הזרה בארץ ישראל ועד לסמליות של הכחול והאדום, כמסמלים זכר ונקבה, שלטון וכוח, נצרות (כחול ואדום הם צבעי הבתולה), רוח וחומר.

תמונה 6: אביבה שי-נחום, "הנציב העליון"

יצירתה של שי-נחום מבקשת להסיט את המבט הגברי אל מקום אחר: אל הקהילה שהנביעה את השטיח, ואל האורגות עצמן. שי-נחום בוחרת בדמות סבתה, בכדי לסמן בו זמנית שתי פונקציות מנוגדות: הן את הקהילה שבחרה להעניק מתנה מיוחדת לנציב העליון, והן כמייצגת הנשים האורגות עצמן. הסבתא האישית נמזגת בפרסוניפיקציה של דמות הקהילה כולה, כ"אם הגדולה". לא בכדי נבחרו גם הפורמט המדמה שטיח, וצבעי הכחול והאדום.  כך מנכסת שי-נחום בחזרה את מורשתה-שלה, דרך עבודתו הקאנונית של אריה ארוך. הרוגע שמקרינה העבודה מהדהדת את מילותיו של בשלאר: "כפי שנדרש בחקירה  על אודות דימויי האינטימיות, אני מעלה את סוגיית הפואטיות של הבית. השאלות כאן רבות: כיצד חדרים סודיים, חדרים שנעלמו, מתקיימים עדיין כמשכנו של עבר בלתי נשכח? היכן וכיצד מוצאת לה המנוחה מצבים מועדפים?"6 שי-נחום מעלה מן האוב את העבר הנשכח, המוצנע, הנשי, של יצירת האמנות הגברית, הנחגגת ברוב עם. החדר הסודי, החדר הנעלם, נפתח, והשטיח שמכסה אותו, שנארג בעבודת כפיים נשית אינסופית – מתגלה. העבר לעולם אינו נשכח.

האם מתוארת בעבודה "המנוחה של אחרי העבודה" , אחרי האריגה, אחרי הענקת המתנה, מנוחה של שלווה ושביעות רצון, או מנוחתה של האם? השאלות כולן מצויות בעבודה, מרחפות מעליה.  השטיח עצמו, כחפץ של כבוד, מצא ביטוי גם בעבודה אחרת של שי-נחום, הקרויה "אייקון"- ראו תמונה מספר 7. דיוקנה של האם הנערצת, האייקון וההשראה בחייה של אביבה עצמה, מוטבע כתליון במרכז השטיח, אותו ארגה אביבה שי-נחום עצמה, בשיתוף עם המערך המקצועי של "דקלה". הצורך הוא "להעניק שטיח" לאם עצמה, ולא רק לנציב העליון, להחליף את היוצרות ולהעלות על נס את עבודתה המפרכת והבלתי מתוגמלת בגידול 12 ילדים, "להעניק שטיח" של כבוד לרוקמות עצמן ולהעריץ את פועלן.

תמונה 7: אביבה שי-נחום, "שטיח, אייקון האם"

השטיח המוקדש לאם מייצר העלאה-באוב של העמלנות הנשכחת, של האישה המזרחית הנדחקת לא פעם ל"אחורי הקלעים" של האומנות הישראלית. "ולא רק הזיכרונות שלנו "משוכנים", אלא גם השיכחות שלנו. הלא מודע שלנו "משוכן". נשמתנו היא בית. וכאשר אנו נזכרים ב"בתים", ב"חדרים", אנו לומדים "לשכון" בתוך עצמנו. דימויי הבית צועדים בשני הכיוונים: הם נמצאים בתוכנו בה במידה שאנו נמצאים בתוכם"7 כותב בשלאר. התמטיקה של שי-נחום היא עמוסת זיכרון, מבקשת לפלח את ההוויה הדכאנית של הווה ולהנכיח מחדש את העבר. דרך הפרקטיקות של הציור והאריגה מבקשת שי-נחום "לשכון מחדש בתוך עצמה", לייצר משקל- נגד אישי, פרטי וקסום לגופי הידע הקאנוניים. דיוקנה העצמי כילדה (תמונה מספר 2) מציג אותה כילדה המציירת את דגל ישראל על פי הצעתו של הרצל, כוכבים ולא מגן דוד. במילים פואטיות להפליא מנסח בשלאר, בהקשר אחר כמובן, את המוטיבציה העקרונית של שי-נחום בציור זה, החיפוש האובסיסיבי אחר "החום הראשוני" שהבית אצר בחובו: "עלינו לבחון מקרוב כיצד מיוצגים בגאומטריה החולמנית, בתי העבר, בתים שבהם נמצא מחדש, בחלומותינו שבהקיץ, את אינטימיות העבר. עלינו ללמוד ללא הרף כיצד החומר העדין של האינטימיות מוצא מחדש, באמצעות הבית, את צורתו. את הצורה שהייתה לו כשאצר חום ראשוני."8 ה"חומר העדין של האינטימיות" מפכה בכל ציור וציור של שי-נחום, יחד עם רפרטואר שלם של סמליות: ה"ציונות העירקית" ו"דגל הכוכבים" הם סימנים מטונימיים לציונות האחרת, "הציונות של המנוצחים", הציונות המזרחית.9  יצירתה של שי-נחום היא קריאה לשיחה אומנותית חדשה, שיחה נשית, אישית, טנדו מלב אל לב. "הבתים האבודים לעד חיים בקרבנו. בקרבנו, הם מתעקשים להיות מחדש, כאילו ציפו מאיתנו לתוספת קיום! — לזיכרונות הישנים שלנו יש פתאום אפשרות ממשית לקיום! אנחנו שופטים את העבר. מעין חרטה על כך שלא חיינו די לעומק בבית הישן מתגנבת אל הנשמה, עולה מן העבר, מציפה אותנו."10

 

המאמר פורסם בגיליון מיוחד של "הכיוון מזרח" לרגל 20 שנה לתנועת אחותי, עורכות: שולה קשת וליאת סידס

הצג 10 הערות

  1. שם המשפחה "נחום" מזוהה עם הקהילה העירקית כורדית, בשל היותו של קבר נחום הנביא מצוי בעיר אלקוש (נחום האלקושי, על פי התנ"ך) הנמצאת בשטחי כורדיסטאן העירקית
  2. גסטון בשלאר, הפואטיקה של החלל, 2020, בבל. תרגום: מור קדישזון
  3. בהקשר זה ראו מאמרי: "בלי נעליים", בתוך: נעליים, רסלינג
  4. אמניות בולטות שהשטיח הוא מוטיב משמעותי ביצירתן הן למשל שולה קשת ופטמה אבו רומי
  5. בשלאר עמוד 304
  6. בשלאר עמוד 32
  7. בשלאר, 33.
  8. בשלאר 92
  9. להרחבה בענין זה ראו:
  10. בשלאר 101

הפוסט הרחק מן ההמון הסואן הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

רב ערב 22.06.21

$
0
0

"דרך חיפה"

מוזיאון חיפה לאמנות, שבתאי לוי 26, חיפה

מוזיאון חיפה לאמנות חוגג שבעים להיווסדו. לכבוד ציון הדרך המשמעותי מוצגת ״דרך חיפה״: תערוכת ענק המתפרשת על כל רחבי המוזיאון ובוחנת את האוסף העשיר והייחודי של מוזיאון חיפה לאמנות, שנאסף במשך 70 שנות עשייה אמנותית ענפה. התערוכה מבקשת לפענח את זהותו של מוזיאון חיפה לאמנות באמצעות בחינה של אוספיו, ועל יסוד זה מציבה עבורו יעדים חדשים למימוש בעתיד. בטווח הזמן המיידי, התערוכה מבקשת להשתתף בריפוי הפצעים החברתיים בישראל בכלל ובחיפה בפרט, שעומקם נחשף לאחרונה בקונפליקטים בין-קהילתיים, ולהציע קריאה של תולדות האמנות בישראל באופן שמכיל קולות שונים.

לפרטים נוספים

צילום: מתן סיוון



"גן בעדן" / תערוכה קבוצתית

גלריה תפוז, בית אליאנס, ירושלים

אירוע פתיחה: רביעי, 23.6.21, בשעה 20:00
משתתפים: טליה פרי, טל אקשטייין, דוד דוכי כהן, אימרי פניאל, ריקה גרינפילד, מירב אל-עיני, הילה מדינה אמיר, שלומית לב-רן, קלוד משה קמון, אלקנה לוי, חמוטל בר כהן

מוזמנים ומוזמנות לאירוע פתיחת התערוכה "גן בעדן". באירוע נחגוג יחד את פתיחתה של התערוכה ונשמח על הקמתה של גלריה תפוז, גלרייה שיתופית-מסחרית ששמה לה למטרה להציג ולמכור עבודות אמנות עכשווית של חברי הגלריה, רובם בוגרים בית הספר ״פרדס״, בית הספר הגבוה לאמנות בגבעת וושינגטון. פרדס מעמיד דור חדש של יוצרים ויוצרות הלוקחים את השראתם מעולם הרוח היהודי ומבקשים ליצור ולהתבטא במרחב התרבותי הכללי, תוך יצירת זיקות חדשות בין עולם האמנות לעולם האמוני באופן שיפרה ויעשיר את שניהם גם יחד. מטרתה העיקרית של הגלריה היא לתת במה ראשונית לאמנים להצגה ומכירת אמנות, תוך הקמת מוקד תרבותי תוסס בלב ירושלים; מוקד שיביא קול חדש לעולם האמנות. חברי הגלריה מעוניינים ליצור קבוצה שחבריה מפרים אחד את השני מתוך אמונה שהעבודה המשותפת תתן מענה לצרכים האמנותיים של כל אחד.

לארוע בפייסבוק



"Mother Opium" / שגית מזמר

מרכז מעמותה לאמנות ומחקר בבית הנסן

פתיחה: 23.6.21, בשעה 19:00
נעילה: 15.8.21
אוצרות: סלה-מנקה
שעות פתיחה: שלישי-חמישי בשעות 14:00-19:00, שישי בשעות 10:00-14:00

"Mother Opium" היא תערוכת יחיד של שגית מזמר במרכז לאמנות ומחקר מעמותה. בתערוכה יוצגו רישומים, פסלים ועבודת וידאו, הם פרי מחקר חזותי ואישי של האמנית בנושא התמכרויות לסמים בכלל ושימוש באופיאטיים בפרט.

המחקר שהוביל לתערוכה נע בשני צירים מקבילים בזמן שנפגשו בסטודיו. ציר אחד משקף את המחקר של מזמר בייצוגים מוקדמים של טקסי אופיום והשימושים בו, ובפרט ייצוגים של פולחנים עתיקים לאלת האופיום שהתקיימו באזור אגן הים התיכון. הציר השני כולל ראיונות והקלטות שקיימה שגית מזמר במשך שנתיים עם אדם המתמודד עם התמכרות לאופיאטים למעלה מעשרים שנה. המפגש של שני הצירים הללו, הקדום והעכשווי, בא לידי ביטוי בתערוכה הנוכחית ברישומי דיו וצבעי מים על נייר ומגילות, בפסלים אשר נוצרו בשיתוף פעולה עם האמן רועי כרמלי ובעבודת וידאו.

התערוכה אורגת יחד את ההרסני והקדוש, הממית והמשחרר, ומעל לכל היא מבקשת להזכיר שבבסיס האנושי נמצאת הכמיהה לקשר.

התערוכה בתמיכת מועצת הפיס לתרבות, משרד התרבות והספורט ועיריית ירושלים.

לאירוע בפייסבוק



קותימאן – ממקסס את העולם מחדר במדבר

הוא יוצר בעל שם בינלאומי שנולד בירושלים, גדל בזכרון יעקב, עבר לת״א ומשם לקיבוץ צאלים; אוטודידקט בעל השכלה עצומה ויכולת נגינה בשלל כלים; סוליסט שמרבה לעבוד בשיתופי פעולה, ואדם שטביעת ידו מופיעה בפרויקטים רבים כמלחין, נגן, מפיק ומעבד, צלם, עורך וגם אנימטור. קוראים לו אופיר קותיאל, המוכר בשם הבמה קותימאן, יוצר פרויקט הרשת מעורר ההדים thru-you, והוא האורח שלנו בלשם שמיים – פודקאסט התרבות של בית הנסן ומגזין ערב רב.

להאזנה

הפוסט רב ערב 22.06.21 הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

לבית הספר לאמנות וגלריית 'הקוביה'דרוש/ה מנהל/ת

$
0
0

המחלקה לאמנות פלסטית בעיריית ירושלים, החלה בחיפושים אחר ממלא/ת מקום לתפקיד:

ניהול הקוביה- בית ספר גבוה לציור ולפיסול וגלריה לאמנות עכשווית.

ביה"ס הקוביה מפעיל מסלול לימודים רב שנתי בתחומים ציור, פיסול, עיצוב קרמי ומדיה דיגיטלית לצד מערך של קורסים לקהל שוחר אמנות  ומציג תערוכות אמנות עכשווית לאורך השנה.

התפקיד כולל: הנהגת חזון מרכז האמנות בהתאם לאג'נדה העירונית וניהול המקום על כל היבטיו, ביחד עם המנהל האמנותי.

דרישות סף:

– תואר אקדמי באמנות או חינוך, חינוך בלתי פורמלי או מדעי ההתנהגות.

– ניסיון ניהול , ארגון והפעלת פרוייקטים בתחום האמנות הפלסטית של ארבע שנים לפחות.

– ניסיון בהנחיה ובהפעלת עובדים.

– ידע וניסיון בהכנת תכניות עבודה ותקציב.

– ידע וניסיון בהפעלת מערכות מחשב ובעבודה בסביבה ממוחשבת.

קורות חיים יש לשלוח לקוביה:

 hacubia@jerusalem.muni.il

הפוסט לבית הספר לאמנות וגלריית 'הקוביה' דרוש/ה מנהל/ת הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

מושגים ומימושם: על ההדפס של מנשה קדישמן*

$
0
0

 * 'מושגים ומימושם' (Concepts and their Realization) היה שם תערוכתו של מנשה קדישמן במוזיאון קרפלד (Museum Haus Lange, Krefeld) בגרמניה בשנת 1972. המאמר מבוסס על הרצאה שהתקיימה במרץ 2019 ב'מועדון חובבי ההדפס' של מוזיאון ישראל, ירושלים, והתפרסם לראשונה בכתב-העת 1280°c, גיליון מס' 41, אפריל 2021.

 

 

אחד המקורות העיקריים להדפס האמנותי היה הצורך לשעתק יצירות אמנות למדיה אחרת, בעיקר כאיור לספרים ולדברי דפוס. את אלה עשה בדרך כלל דפס-אומן על פי עבודתו של צייר. בכך הפך ההדפס ל'סימן של סימן', שלעיתים נתפס כשעתוק נחות, אבל בה בעת גם להד קולה של יצירת האמנות.

בספרו "על הגרמטולוגיה" בחן הפילוסוף הצרפתי ז'אק דרידה את מעמדו של הסימן כמערכת יחסים בין הסימן למסמן:

"ההדפס: הואיל והאמנות נולדת מן החיקוי, רק מה שניתן לשימור בהדפס, בהטבעה המשעתקת של קווים, שייך ליצירה פשוטה כמשמעה. אם היפה אינו מאבד דבר בשעתוקו, אם הוא ניכר בסימן שלו, באותו הסימן של סימן שהוא ההעתק, הרי זה משום שכבר עם הפקתו "בפעם הראשונה" כבר היה בעל מהות משעתקת. ההדפס, המעתיק את דגמיה של האמנות, הוא בכל זאת בה במידה הדגם של האמנות. אם מקורה של האמנות נעוץ באפשרות ההדפס, הרי מותה של האמנות והאמנות כמוות מוכתבים מראש משעת לידתה של היצירה".1

יצירתו של האמן הישראלי מנשה קדישמן (1932–2015) מאפשרת בחינה של אותה מהות. לשם בחינה זו נשהה את העיסוק הסוציולוגי בשכפול של קדישמן, ונתעלם מעדרי הכבשים המצוירות ומאינסוף שרבוטי העט על מפיות וגזרי נייר שחולקו בנדיבות לכל עובר אורח. נעשה את כל זאת כדי לבחון את מנגנוני 'הכתיבה' (גרמטולוגיה) של יצירתו ואת הפרשנות (הרמנויטיקה) של יצירתו.

סקירה של יצירתו של קדישמן, שעסק בהדפס רוב שנות יצירתו האמנותית, מגלה כי למרות השפע העצום של יצירות האמנות שיצר, בכל הנוגע למוטיבים ולנושאים המתוארים בחר האמן להצטמצם. מראשית שנות השבעים של המאה ה-20 ועד סופה של אותה מאה שבים וחוזרים אותם נושאים של אדמה בקועה, עצים, כבשים (עם או בלי רועה). כל  אלו, כמו שנראה, מחדדים את העיסוק של קדישמן במה שאדם ברוך כינה 'חומר-נושא'.2

בפישוט של תהליך החשיבה המודרניסטי אפשר לומר שהדימוי החזותי (ה'סימן' במושגים לשוניים-פילוסופיים) הוא ביטוי של העולם הממשי (ה'מסומן'). בהדפסיו המוקדמים, לדוגמה, שעתק קדישמן את יצירתו הפיסולית לכדי הדפס דו-ממדי. תיאור כזה של המהלך הוא דוגמה למחשבה על המקור הראשוני של הסימן, המלווה את הפילוסופיה המערבית מראשיתה: המציאות ובבואתה – המתגלמת ביצירת האמנות – הן דרך לבחינת טיבו של האל וייצוגה של אלוהות זו. ה'מקור' זוהה עם האל (ה'לוגוס'), שנתפס כישות קוהרנטית, בלתי משתנה.

"יער כביסה", מראה תצוגה במוזיאון ישראל, ירושלים, מנשה קדישמן, 1975, צילום: ראובן מילון, באדיבות מרכז המידע לאמנות ישראלית, מוזיאון ישראל, ירושלים

אבל הפסל של קדישמן איננו זהה כמובן להדפסו, בין היתר משום שקדישמן מעצב מחדש את הרקע של התצלום. במקום ערכים של משקל, של חומר ושל יחס תלת-ממדי בין הצופה ליצירה; במקום קוביות שמונחות זו על גבי זו ויוצרות דימוי ובו חללים נגטיביים, ההדפס מציע חידוד של הצורה הגרפית, ה'תרבותית', ועימות שלה עם ייצוג של 'הטבע'.3 קדישמן שואף לנטוע את הצורה מחדש בסביבה ממשית שמקיפה את הסימן, והוא עושה זאת בעזרת אמצעים אמנותיים כגון קיטוע, הדגשת שולי הדימוי באמצעות משטחי צבע בוהק או שילוב 'קולאז'י' של נוף מצולם. אלה יוצרים סביב האובייקט חללים ופערים.

בסוף שנות השישים החל קדישמן לעסוק בזכוכית כחומר פיסולי. במישור אחד שימשה הזכוכית כאמצעי לשחרור של החומר מהמסה, כדרך ליצור את ה'קסם' של חומר משוחרר מכוח הכבידה. במישור עמוק יותר שימשה הזכוכית כדרך להכניס את הסביבה אל תוך האובייקט האמנותי. את שאריות הזכוכית מהעבודות שיצר קבר בחצר ביתו 'כדי שיצמחו עצי זכוכית'.4 אבל קדישמן לא היה שמאן ולא ציפה שעץ זה יצמח. במקום זאת הפכו שברי הזכוכית לגוף פיסולי עצמאי, ערמות של שברי זכוכית מרובי קווי שבירה שחסמו דלתות (1972) או נערמו לערמה בתוך גלריות (1975–1976).5

בראשית שנות השבעים של המאה ה-20 הפך קדישמן את הזכוכית לעבודות רצפה שכללו תצלומים של אדמה בקועה באגם החולה, שצילם פטר מרום, ועליהם לוחות זכוכית. דרך הזכוכית התגנבה המציאות הארץ-ישראלית לראשונה אל עבודותיו הבוגרות של האמן.6 רגבי האדמה המתבקעים הדהדו את שבירותה של הזכוכית, ואילו הזכוכית יצרה שכבת מציאות נוספת על משטח האדמה הפצועה.7

כבר בשנים 1972–1973 החל קדישמן לשכפל את דימוי האדמה הבקועה לכדי סדרות הדפסים. בעבודות המוקדמות שיצר בסדנת הראל ביפו שחזר את המציאות באמצעות הדבקת חול על גיליון הנייר, שנעשתה בעזרת הדפס-רשת של דבק פלסטי. בהדפסים המאוחרים יותר כבר השתמש קדישמן בתהליכי עבודה של הדפס, שתרגמו את הנושא ממדיום הפיסול למדיום ההדפס על ידי הדגשת שוליהם של רגבי האדמה.

בסדרת התחריטים שהדפיס בשנת 1983 בסדנת ההדפס ירושלים, נהפכו הסדקים לחומר פיזי על ידי שימוש בטכניקה של תצריב צילומי. זה היה תהליך צילומי שבו הודפס הדימוי כנגטיב על לוח המתכת, כדי להקל על תהליך ההדפסה. התוצאה שהתקבלה לאחר צריבת הלוח הפכה את שוליהם של רגבי האדמה לקווי מתאר בולטים, מעיין הדפס בלט, שהודפסו בצבע אדום, שחור או כסף על גבי נייר לבן גדול ממדים. בהדפסי הרשת מסטודיו קלפרה (Kelpra) בלונדון (1980–1983) הדגיש האמן את הסדקים על ידי שינוי צבע ושרטוט קווי קונטור חופשיים.

עוד סדרת הדפסים שניתן בה דגש לסדקים היא 'הכותל' (1978–1979), שאף היא הודפסה בסדנת ההדפס ירושלים. הסדרה מבוססת על גלויה מסחרית של הכותל המערבי שנהפכה בסיס למשחקי צורה וצבע, סימון של מחווה צבעונית שמעלה על הדעת גם את פרויקט הכבשים מהביאנלה בוונציה. אם נתאר זאת בצורה מודרניסטית, המהלך של קדישמן מערער את היחס שבין דימוי לרקע, הן מבחינה חומרית והן מבחינה אידאית. כמו האדמה, גם הכותל הוא משטח מונוכרומטי שבתוכו משובצים רווחים וחללים ריקים. 'בכותל כל כתם של צבע זה בקשה', הסביר קדישמן את כתמי הצבע על התצלום המשועתק. 'אנחנו לא מתפללים לאבנים – כי לא מבקשים שום דבר מאבן. אנחנו שמים בקשות בין האבנים, וזה "הכותל האחר" '.8

את אותה 'אחרות' שברווחים נוכל למצוא גם בהדפסים אחרים של האמן.9 כך בהדפסים של דפי ספרי הטלפונים האנונימים (1979–1983), שנהפכו למערך של קווים, מחיקות וגושי צבע; בסדרת הניירות השחורים (1975) שקדישמן פצע על ידי קריעת חורים (בעזרת שואב אבק); בעשבים הפורצים מרווחי המרצפות הניו-יורקיות (1982–1983); ובתיאורים של מגדל שלום (1972), שנהפך לדימוי נטול חומר של קווים או נקודות.

נדמה שדווקא בשני הדפסים יחידאיים שהודפסו ב'הראל' בשנים 1982–1983 מופיעים השוליים כחומר בצורה הממשית ביותר. אלו הם הדפסי-רשת המבוססים על תצלומים מתוך המיצב 'יער הכביסה' שהציג קדישמן במוזיאון ישראל בשנת 1975. העצים במיצב, שנגזרו מתוך יריעות הבדים המתנפנפים, ניתקו מן הדימוי של העץ, והפכו, כמו שתיאר יגאל צלמונה, ל'צל, התרחשות פנימית, תנועה, רוח שורקת, אפשרות למשחקי שקיפות'.10

בהדפס הפכו אותם שוליים להתרחשויות של חומר-לא חומר, שמתגלמות על ידי גרעיניות התצלום ונקבי רשת ההדפסה. רוחות רפאים של דימוי ומקום. ה'חומר-נושא' של קדישמן הוליד מרחב ושוליים שמשתרעים בין נוכחות להיעדר. מרחב לימינלי זה נוצר על ידי מנגנון השכפול, שעליו הצביע דרידה, היוצר מערכת שבה פערים בתפיסת האובייקט ('דיפרנס') הם חלק אינהרנטי מן הדימוי. בהדפסים פערים אלה הם שמאפשרים את התגלמותן בחומר של 'רוחות הרפאים', החללים שדרכם מתגלה כי השוליים ביצירותיו של קדישמן הופכים – במושגיו של המשורר רילקה – ל'קצה-גבול של הויה ונהיה'.11  מה שמנסה להתגנב בין הסדקים היא ההבנה של מה היא האמנות ומה ניתן לבטא בעזרתה.

הצג 11 הערות

  1. ז'אק דרידה על הגרמטולוגיה, תל אביב: רסלינג, 2015 , עמ' 315.
  2. אדם ברוך, 'לא פרא ולא יער', ידיעות אחרונות, 7 באוגוסט 1981
  3. השימוש של קדישמן בצבעי היסוד, בייחוד בצהוב, מעניק לאובייקט המפוסל 'אחרות' מובחנת מן הסביבה הטבעית. כך נעשה בפסלים מופשטים מוקדמים בשנות השישים וכן ב'יער' (1972) בקרפלד בגרמניה או ב'ריבוע הצהוב' (1972) ששורטט על האדמה בקרבת מוזיאון ישראל
  4. מנשה קדישמן, 'מהחומר אל הצורה-צבע', קו 7 (ינואר 1967), עמ' 20–21.
  5. בביקורת על תערוכתו בגלריה ג'ולי מ. כתבה שרה ברייטברג-סמל כי נוצר מצב מוזר שבו המציאות (יריעות הזכוכית הסדוקה) מתרגמת את עצמה מיד לשפה מסורתית של אמנות הציור ומנתקת את עצמה מהקשרים מציאותיים ויומיומיים. ראו: שרה ברייטברג, 'תערוכה שבירה', ידיעות אחרונות, 14 במאי 1975
  6. 'תצלום של האדמה הבקועה ועליה זכוכית שבורה ביטא געגועים לארץ, כי באותה תקופה חייתי בחו"ל', אמר קדישמן. מצוטט אצל מרדכי עומר, 'כבשים חיות בביינאלה בונציה, 1978' ,תיקון, תל אביב: הגלריה האוניברסיטאית ע"ש גניה שרייבר, 1998, עמ' 206
  7. ראו מרדכי עומר, מנשה קדישמן: הדפסים, תל אביב: הגלריה האוניברסיטאית ע"ש גניה שרייבר, עמ' 54.
  8. מנשה קדישמן בשיחה עם מרדכי עומר, 5 בנובמבר 1988 , מצוטט אצל עומר, שם, קדישמן: הדפסים, עמ' 110
  9. ב-1975 יצר קדישמן את הדפס המוזיאון. הדפסי ניסיון מתהליך ההדפסה נשלחו אל אמנים שונים ש'מילאו' בהם את החללים. העבודות המשותפות הוצגו בתערוכה 'מתקשרים עם קדישמן' (מוזיאון ישראל, 1979).
  10. יגאל צלמונה, 'יער כביסה', מעריב, 29 באוגוסט 1975, עמ' 40
  11. ריינר מריה רילקה, 'קערת הורדים' (1907), תרגום: עדה ברודסקי, כרמל, 1999.

הפוסט מושגים ומימושם: על ההדפס של מנשה קדישמן* הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

שבוע העיצוב ירושלים 2021 |״קרקס הבריחה״

$
0
0

בית הנסן גאה להציג: ״קרקס הבריחה״

שבוע העיצוב ירושלים 2021

אירועים, מופעים ותערוכות עיצוב מקומיות ובינלאומיות, 1-8.7.2021
בית הנסן, מרכז תרבות לעיצוב, מדיה וטכנולוגיה

ניהול כללי: סמדר צוק ורן וולף, חברת רן וולף | מנהלת אמנותית: ענת ספרן | אוצר ראשי: טל ארז



השקת שבוע העיצוב וערב פתיחה: יום חמישי ה- 1 ביולי, בשעה 19:30

ההשתתפות בכל האירועים הינה ללא תשלום ופתוחה לקהל הרחב

שעות פעילות במהלך השבוע:

1.7 – 19:30-23:00 ערב פתיחה
2.7 – 16:00-10:00
3.7 – 23:00-10:00
4-8.7 – 23:00-10:00

שבוע העיצוב הוא יוזמה של משרד ירושלים ומורשת ושל הרשות לפיתוח ירושלים

ערב הפתיחה של שבוע העיצוב יצוין במספר התרחשויות ומופעים:

בערב הפתיחה החגיגי לצד חשיפת כלל התערוכות והמייצבים, יתקיימו ברחבי בית הנסן שלל התערבויות מוסיקליות, פרפורמטיביות וקרקסיות, כשביניהן:

הליצן x, חבורת אמנים מולטידיסיפלינריים, פועל כקבוצת הקרקס הרשמית של שבוע העיצוב ירושלים כשבערב הפתיחה יקיימו יחד עם מוזיקאים ואורחים נוספים מופע מרכזי גדול לצד שלל התערבויות בכל רחבי בית הנסן.
האמנית סלי קריסטל קרמברג יחד עם האמן בר פלש יקיימו פרפורמנס קעקועים מתמשך.
משתתפי פרויקט השדכן יזמינו את הקהל  לחוויה קולינרית עיצובית ירושלמית.
ועוד…

לצד הביקור בתערוכות ובמיצגים יוכלו המבקרים ליהנות במהלך שבוע העיצוב ממתחם אוכל ומשקאות מבית פיצה פלורה, מבית הקפה של משק עפאים, ובר ה'דיר' ולבקר בחנות הפופ אפ לעיצוב ישראלי של "אסופה".

סלי קריסטל קרמברג

התמה השנתית:

אנו בורחים מתלאות היומיום אל הוירטואלי, אל הטבע, אל מקומות אחרים, אל זהויות ותרבויות אלטרנטיביות. אנו בורחים מפרדיגמות שולטות לרגעים של עונג טהור. אנו מאזנים את קשיי היומיום על ידי הפניית העורף אליהם, ליום או לחיים שלמים, כדרך למרוד, או בתנועה יחד עם ההמונים אל עבר הסחות דעת חדשות ומפתות.

אולם יותר ויותר, אנו מבינים שלאסקפיזם שלנו יש מחיר. המודעות הגוברת לעלויות החברתיות, הפוליטיות, האקולוגיות והתרבותיות של החיים המערביים מזהמת את טוהר המפלט.

מתוקף תפקידו כפסטיבל, צורה אסקפיסטית כשלעצמה, שבוע העיצוב ירושלים 2021 מבקש להחיות וללבוש צורה טהורה לכאורה של אסקפיזם, לפחות במקורותיה – פסטיבל הפסטיבלים, היכל הבידור והפלא – הקרקס הנודד. ישות טעונת קונפליקטים, הקרקס הוא באחת פלאי ומסוכן, מכיל ונצלני, קסום וטכנולוגי, טהור ואפל. הוא ההגשמה של הפוטנציאל האנושי, וכשהוא מתפרק, מזכיר לנו את חוסר היכולת שלנו למלא אותו. הוא מראה לנו את פלאי העולם והטבע, בעוד הוא מזכיר לנו את המחיר שנדרש כדי להביא אותו לפתחינו. הקרקס הוא המקום בו האסקפיזם הטהור ביותר והמציאות הקשה נפגשים.

לאורך שבוע קיומו, ״קרקס הבריחה״ יחקור את החזית הבוהקת של אסקפיזם ואת אחורי קלעיו האפלים, ואולי אף יציע לנו רגע של נחת, כמו שעיצוב עושה לא פעם. אבל אולי, רק אולי, הוא גם יזכיר לנו שקשה לברוח מהמציאות, ושמה שאנחנו עושים הוא תמיד השתקפות של מי שאנחנו.

דנה בן שלום, אלון שריד ועמית פורטמן

אודות שבוע העיצוב

שבוע העיצוב ירושלים מתקיים מ-2011 בהובלת בית הנסן – מרכז לעיצוב, מדיה וטכנולוגיה. בית הנסן מקיים ומקדם עשייה רבה ומגוונת במהלך השנה לקידום תחום התרבות והעיצוב בירושלים ושבוע העיצוב הוא אירוע השיא של מארג הפעילות השנתי של בית הנסן, כאירוע התרבות והעיצוב הציבורי הגדול והמשפיע בישראל. בשנת 2016 התרחב שבוע העיצוב לאירוע בינלאומי המתפרס על שורת אתרים בירושלים ומכיל ערב רב של אירועים, מופעים ותערוכות עיצוב מקומיות ובינלאומיות. מדי שנה שבוע העיצוב מתמקד בתמה מרכזית אשר בוחנת סיטואציות ירושלמיות וישראליות ייחודיות בעלות רלבנטיות בינלאומית, מתוך מחשבה כי הנוף התרבותי הייחודי בישראל הופך אותה למעין מעבדה חיה של נושאים גלובליים בוערים, ומתוך אמונה כי על עיצוב להגיב לנושאים אלו. שבוע העיצוב הוא יוזמה של משרד ירושלים ומורשת ושל הרשות לפיתוח ירושלים  ומנוהל ע״י בית הנסן- חברת רן וולף.



תערוכות שבוע העיצוב 2021

כל התערוכות והפעולות בשבוע העיצוב מתארגנות השנה דרך שישה פרקים שכותורתיהן לקוחות מעולם הקרקס והן מגיבות לתמה הן ברמה האוצרותית והן ברמה המרחבית:

היריד

היריד הוא החזית הנוצצת של הקרקס. מעבר לשער הכניסה נפרסים, כאילו ללא מאמץ, פלאות גדולים ומרהיבים. אלה מבקשים לכבוש את לבבנו מיידית, ולהשאיר את העולם שעזבנו מחוץ לשער. כך יוצגו בגינה היפה של בית הנסן מספר פרויקטים אשר יקבלו את פני הבאים:

  • פרוייקט המעטפת, פרי שיתוף פעולה בין אלון שריד, עמית פורטמן ודנה בן שלום מבקש להפוך את מבנה האבן המאסיבי של בית הנסן לאוהל, מהחצר שלו, דרך החזית ועד תכולתו. חצר בית הנסן הופכת לעיר אוהלים, הכניסות מתהדרות בדים מתוחים, הבית עוטה מסכה חשוכה ומסתורית והחצר הפנימית הופך לארנה מעגלית ולזירת התרחשות דרמטית באמצעות טקסטיל, אור ותנועה.
  • קוף מתנפח בגובה שמונה מטרים מציץ מעבר לחומות. לאחר שברח מהקרקס הוא שב אליו אך הפעם משקיף על בני האדם ממעלה גובהו. נקודות מבט היא עבודה של המעצב אלכס חייצקי וצמד האמנים בראדרס אוף לייט.
  • מיגונית בטון סטנדרטית והשתקפותה הטקסטילית עומדות במרכז המיצב חדר בריחה של האדריכליות טליה דוידי והילה שמר.
  • צמד המעצבים ההולנדים ינטז׳ה אין ט׳וולד וטון קוהורסט  יצרו את Helter Skelter – מיצב גרפי חדש המתערב באדריכלות מגדל העץ של האדריכל הצ׳כי מרטין רייניש שבחצר בית הנסן.
  • פרויקט השדכן אשר מחבר בין מעצבים ירושלמיים לבעלי מלאכה ירושלמיים יתמקד השנה בתחום הקולינרי. שבעה פרויקטים חדשים נולדו מהמפגש המרגש וחוצה המגזרים. מעצבים, צורפים, קרמיקאים, אמני זכוכית טקסטיל וקרמיקה יצרו עבודות חדשות בהשראת העולמות הקולינריים וחיברו עולמות: בין קיגל חרדי לפאלפל הירושלמי, גבינות עזים מסורתיות ליין ובירה מקומית, לחם ומאפים מהעיר העתיקה לממתקים ערביים מסורתיים. בהשתתפות: אלאא אדריס ונור אבו סביח, ירון מאייר אבנר אלה, שרה שוראקי זיסקין ובירה שפירא, דניאל אלקיים ואפרת גיאת, טליה רגב מור ורבקה ברנדווין, אוהד כברי ושי צדוק דויד זכריה ומאפיית שווארס. אוצרות: דניאל נחמיאס ועתליה עין מור, ע. אוצר: שאדי פרנסיס מג'לטון.

מתוך פרויקט השדכן – אוהד כברי ושי צדוק



יריד המוזרויות – התערוכה המרכזית, אוצרים: טל ארז וענת ספרן

עיצוב תערוכה: אלון חלמית ושאול גלבוע

יריד המוזרויות היא תערוכה העוסקת בהגדרות הנורמליות והחריגות ומבקשת לשאול מהו הנורמלי, מי מגדיר אותו, וכיצד עיצוב מבקש להשפיע עליו. בתערוכה מוצגות 20 עבודות של מעצבים ומעצבות מישראל והעולם ועיצובה שואב הששראה מיריד המוזרויות ההסטורי כפי שהוצג בקרס הנודד.

בין העבודות המוצגות:

עצמות מצופות עור מקועקע העשויות ממגוון חומרים קרמיים ואחרים של המעצבת רוני לנדה.
עבודת וידאו בתלת מימד בנושא טשטוש מגדרי של המעצבת הבריטית מרסלה בלטרייט.
אובייקט מכני מודפס של תוספת אצבע שישית לכף היד מאת המעצבת הבריטית דני קלוד.
מיצב אינטראקטיבי לעיוות פנים על בסיס אלגוריתמי של המעצבים קובי פרנקו ומיכאל גולן.

רשימת המשתתפים המלאה: אופיר הללי, קובי פרנקו ומיכאל גולן, נטלי אילון, נעמה אגסי, טל מור סיני, הילה שפירא, שאדי פרנסיס מג׳לטון, רוני עזגד, רוני לנדה, זוהר דביר, סולטן אביר, שאול כהן , מרסלה בלטרייט, דני קלוד וריינה אוון, סאלי קריסטל, עופר גץ, עמליה מגריל ודניאל גרבר, דניאלה מרוז, טליא יאנובר

רוני לנדה

חיות העולם הגדול

הטבע הוא בידור, הוא משאב, ואיתו אנו מנהלים מאבק טריטוריאלי מתמיד. החיות, הצמחים, המשאבים הטבעיים – כולם הופכים לחומרי גלם לבריחה האנושית ותג המחיר של השימוש בהם נותן בבירור את אותותיו. שלושה חללים מרכיבים את הפרק אשר עוסק ביחסינו עם הטבע ועולם החי:

  • גן חיות הוא פרויקט חדש של המעצב ארז נאבי פנה בו עשרות צמחים, בעלי שם של חיות, מייצרים מופע בתנועה המדמה מערכת של תגובות אנושיות כמו בריחה, התגודדות וסקרנות. מערכת פנאומטית מאפשרת לצמחים לנוע ואף להגיב למבקרים בחלל.
  • זחלים היא עבודה חדשה של המעצבת דניאלה מרוז שבמרכזה אובייקט תלת מימדי גדול המדמה זחל וסרט בו הוא מופעל על ידי פרפורמר בנוף מדברי מקומי.
  • עתיד החיים היא תערוכה המציגה מבחר חדש של עיצוב סלובני עכשווי, העשוי מחומרי גלם מקומיים ועל בסיס עקרונות בר קיימא. בתערוכה מוצגים כ-20 מוצרים. אוצרות: מיקה צ'ימוליני, ראש התוכנית, CfC וזלה קושניק

דניאל מרוז (אמן תלת: אלעד מלכה)

אחורי הקלעים

מאחורי החזית הזוהרת של הקרקס מתקיים עולם מקביל של אחורי הקלעים. שם מתקיימת המכונה המפעילה את הקרקס ושם נחשפים המנגנונים המייצרים את העבודות, האנשים אשר תופרים את התלבושות, חדרי האיפור המשרתים את המופיעים, והטקסים המכינים את המיצגים.

המעצבים איתמר פלוגה ולילי פלג עיצבו את כל אזור אחורי הקלעים כמיצב גדול מימדים העשוי מחומרים ממוחזרים ומכיל בתוכו סדרה של פרויקטים כשביניהם:

 

שני פרויקטים מהאקדמיה לאמנות ועיצוב בצלאל:

המחלקה לצילום בבצלאל מציגה את כישוף – קסם  – גיא און יצר מתחם אינטראקטיבי המזמין את הצופים לקחת חלק פעיל – לצלם ולהצטלם. העבודות בתערוכה מבקשות לעסוק בקסם וכישוף דרך המדיום הצילומי, ובאמצעות טכנולוגיות מתקדמות של הדפסה על גוף ועל תלת מימד.

כישופוני הוא פרויקט של תכנית התואר השני בתקשורת חזותית בבצלאל. חנות המיסטיקה כישופונִי מוכרת אשליות, מציעה לקהל טשטוש גבולות ומאפשרת לקחת איתם חזרה אל המציאות את אותו הקסם. בתערוכה ממוקמת חנות ובה התוצרים ועותקים שלהם יועמדו למכירה. התערוכה ביוזמה ואוצרות של רינת הדר וחמוטל אתר.

מתוך "כישופוני", רינת הדר וחמוטל אתר

 

שרה – רובוטית לוליינית בעיצובו של אמיר צובל תאזן על גבי זרועה צלחות וכוסות קרמיקה בדיוק מושלם אך אופיה הביישני ייחשף כאשר כמות הקהל בחדר תגדל ואז תאבד את שיווי המשקל, תפיל את הצלחות והמהלך כולו יתחיל מחדש (הפרויקט נעשה בשיתוף ובחסות חברת Ofek – Advanced Flight Systems)

ים מטרסו מציגה את הפנס – מיצב חדש שבמרכזו פנס קסם אשר באמצעות שימוש בתאורה ופילטרים מייצר דימוי משתנה תמידית, שנוגע אל יחסינו המשתנים בהדרגתיות חמקמקה עם מקור אור מופלא אחר – השמש.

מציגים נוספים באחורי הקלעים:

רניי מזור, סאלי קריסטל קרמברג, עופר גץ, בוטיק שווארמה ושלומי יוסף

קופסאות שחורות

בקומה השניה של בית הנסן יוצגו סדרה של פרויקטים חדשים כשכל אחד מהם מזמין את הקהל לחווית בריחה  אימרסיבית שונה בכל חדר. בבנוסף הוזמנו שבע אקדמיות לעיצוב  מכל הארץ להציע פרשנות שלהן לנושא חדרי הבריחה.

בין הפרוייקטים:

  • בעבודה פאנצ׳.ג׳נרייט.פריק של המעצבים: דוד אופנהיים, דורון אלטרץ, דב גנשרוא ושרית יודלביץ' הופך החלל למעין מועדון ספורט כשבמרכזו שקי אגרוף בעלי צורות משונות אשר נוצרו על ידי אלגוריתם המתעד את המפגש בין החובט והשק. המבקרים יוזמנו לחבוט בשקים ולצפות בזמן אמת ביצירת הדימויים החדשים.
  • קבוצת מלחמאמי הירושלמית יוצרת את זריחות טורקיז מובטחות למאמין – חלל אדריכלי מנותק המדמה חווית מועדון בעזרת תאורה וסאונד.

מציגים נוספים: תום גן אור, רובין ״סנדוויץ׳ פנטופרו, אור ״דיג׳יי סופט״ דרורי, נדב ״מצ׳טה״ יהל

האקדמיות המשתתפות: המכללה האקדמית הדסה, בית הספר לעיצוב ויצ"ו חיפה, אקדמיה לאמנות ועיצוב בצלאל, בית הספר הגבוה להנדסה ועיצוב שנקר, HIT מכון טכנולוגי חולון, מכללת סמינר הקיבוצים והמסלול האקדמי המכללה למנהל.

פאנצ׳.ג׳נרייט.פריק

השיבה הביתה

הפרק האחרון מתייחס לרגע בו הקרקס מתפרק ונעלם. הרגע בו אנו שבים הביתה מביקור במקום רחוק והמוכר הופך למוזר. השיבה הביתה היא המרחב המעוצב של הבין לבין, והמבט החדש שהוא מציע על מה שכבר הפסקנו להבחין בו.

  • בחלל הגדול של עליית הגג יצרו האדריכלים שארל ויינברג ושי בן עמי את המיצב המראה – במקום שבין פנטזיה למציאות, ׳המראה׳ מציעה טיסה לשום מקום.
  • בחלל הקטן יוצגו שלושה פרויקטי מציאות מדומה באוצרותו של טל הרינג. טכנולוגיית מציאות מדומה מאפשרת ניתוק ובריחה מושלמת מהמרחב והזמן וביקור בסיטואציות בדיוניות או משוחזרות שלא ניתן לחוות אותן בשום דרך אחרת.

בחלל יוצג הפרויקט הישראלי סינדרום פיינגולד של נמרוד שפירא ורועי לב החוזר לרגע התהפכות סירתה של יסמין פיינגולד, אלופת ישראל בחתירה בנחל הירקון בשנת 2009. לצופה מתאפשרת הצצה להרהוריהם ולאישיותם של האנשים אשר צפו במתרחש ולא הושיטו יד באותן דקות קריטיות והוא מעלה שאלות על אחריות חברתית. הפרויקט יוצג בפסטיבל טרייבקה ובפסטיבל קאן אך זוהי חשיפתו הראשונה לקהל בפורמט מציאות מדומה התנסותי מלא.

פרויקטים נוספים שיוצגו הם:

Emergence של הסטודיו הבריטי המפורסם Universal Everything אשר מדמה חוויה אינדיבידואלית מול מאסה של קהל אנושי וכן הפרויקט המטלטל Out of Exile של היוצרת האמריקאית נוני דה לה פנייה אשר מבוסס על סיפור אמיתי של יציאתו מהארון של בחור הומוסקסואל ומזמינה את הצופה לנכוח ברגע הרגיש יחד איתו ובני משפחתו.



 

בית הנסן – רחוב גדליהו אלון 14  | לפרטים נוספים, תכניה, דרכי הגעה וחניונים – בקרו באתר www.jdw.co.il

הפוסט שבוע העיצוב ירושלים 2021 | ״קרקס הבריחה״ הופיע ראשון בערב רב Erev Rav


שיוויתי השם לנגדי

$
0
0

המחזאי והמשורר הגרמני ברטולד ברכט אמר כי האמנות איננה מראה למציאות, אלא פָּטיש שבאמצעותו היא מעצבת אותה. ברוח זו, לדידי, שברים וטלטלות הם אלמנטים הכרחיים לתרבות המבקשת לצמוח ולהתפתח, ועולם האמנות הוא זירה מצוינת ליצור טלטלות כאלה מכיוון שבתוך המרחב הזה פנימה, זעזועים אינם גורמים נזק ממשי, או לפחות לא נזק בלתי הפיך. כפי שניסח את הדברים האמן האפריקאי־אמריקאי פרד ווילסון, עולם האמנות הוא אחד המקומות הבטוחים ביותר לעשות בו ניסיונות מסוכנים.

ניסיונות מסוכנים וחתרניים לא מאפיינים את עולם האמנות שלנו, ולכן גם השיח המתנגד להם אינו מאתגר תרבותית. התקפות מצד הימין ביחס ליצירות אמנות המוצגות במרחבים ציבוריים הפכו לעניין שבשגרה בתקופת כהונתה של מירי רגב כשרת התרבות, וברוחם כעת – התעוררה השבוע התקפה חריפה נגד הצגת עבודה במשכן לאמנות, עין חרוד. ההתקפות הללו מאופיינות אמנם במנעד דציבלים גבוה, אך בדרך כלל זו סערה בכוס מים – העבודות עצמן לא בהכרח מאתגרות באופן דרמטי את השיח הדומיננטי.

תקציר האירועים: ח"כ בצלאל סמוטריץ' פנה ליועץ המשפטי לממשלה בדרישה להגיש כתבי אישום נגד המעורבים ב"שריפת השם" במוזיאון. מדובר בעבודת וידאו של גרגורי אבו, אמן אוטודידקט ומעצב המציג כעת במשכן לאמנות עין חרוד את ״ידעתיך״ – סדרת עבודות ברוח ניו אייגי'ת ש"מהרהרות ומערערות על הקשר בין האמנות לטבע, האדם לסביבתו והציוויליזציה לדת שהיא מתמסרת אליה", כדברי אוצרי התערוכה, ד״ר בת שבע גולדמן־אידה ויניב שפירא. מה שלכד את תשומת לב המבקרים הוא קטע מתוך עבודות וידאו, ובו נראה האמן מבעיר באש את אותיות שם ה' (יהוה). לדברי האוצרת, כתיבת שם האל וקריעת ושריפת הנייר שעליה הוא נכתב היא ביטוי אמוני: "אם בעבודות קודמות האמן שאל אם האל או הוא עצמו נוכחים, כאן התשובה ברורה: 'ידעתיך'". לעומת זאת סמוטריץ' לוקח לעצמו את הכוח לטעון בשם "מיליוני יהודים בארץ ובעולם שנפגעו מהעבודה", וקובל כי "לצערי נראה הדבר כי מיום אל יום 'האמנות' הנאורה יורדת מדחי אל דחי עד הדיוטה התחתונה (…) והכל בשם 'חופש האמנות והביטוי'".

שרפת השם ואפילו מחיקתו היא איסור הלכתי שהוא גם טאבו בחברה הדתית, ולכן קריאת העבודה כאקט של חילול קודש היא אופציה אפשרית גם אם היא לא עולה בעולם האמנות. מבחינה זו אכן מדובר בדימוי נפיץ. אולם, העבודה יכולה להיקרא באותה מידה כתיקוף של הנשגב ברוח הסנה הבוער באש (שמות, ג, ב)  ו"כי יהוה אלהיך אש אכלה הוא אל קנא" (דברים, ד כ"ד). במסורת היהודית, על גבי שערי ספרים, ייצוג האל  סומן בדיוק כך: שם הויה  וקרני אור או אש סביבו.

אמנות לא פעם עובדת בתפרים שבין הנבזה לנשגב ומי שאינו מוכן לחוות דיסוננסים, מוטב לו שלא יתבונן בה. למעשה, אמניות ואמנים רבים עושים היום שימוש ביצירתם בטקסטים מקודשים כחלק מחומרי היצירה – אקט שבמבט ראשון נראה כחילול קודש, אבל יכול להתפרש גם אחרת – באופן שהוא לא פחות אינטואיטיבי ומשכנע:  עבודות כאלה נעות בין חילול להשגבה. במפנה המאה ה-21, בוחרים אמנים לעבוד עם חומריות הטקסט עצמו ועושים בו כבתוך שלהם. לעתים קרובות הם "מתעללים" בטקסט – מסמנים, קורעים, מכסים, חותמים ומטשטשים אותו. פעולות אלה מייצרות אצל הצופה דיסוננס של חילול קודש מחד גיסא, ונשגבות מאידך גיסא.

השיח הכוחני והמאיים אינו חדש. הוא אפיין את מה שמכונה "מלחמות התרבות" שהתקיימו בשנות ה-90 בארצות הברית. במסגרת זו מנהיגים שמרנים בחרו לעסוק באופן תדיר בהתקפות על מוסדות אמנות ששימשו עבורם זירה פוליטית להתגוששות אל מול מה שהם תפסו כשמאל פרוגרסיבי.

הפולמוס הנודע ביותר בהקשר זה, התעורר, כמו במקרה שלנו, סביב הנושא של אמנות ודת. העבודה Immersion (Piss Christ) של האמן אנדרה סראנו היא הדפס שקף (סיבכרום) מבהיק, שבמרכזו פסלון פלסטיק בדמות ישו הצלוב, על רקע אדמדם־צהוב היוצר תחושה מעורפלת ומסתורית. האפקט נוצר על ידי צילום הפסלון באמבטיית פרספקס שמולאה בדם ושתן. בשנת 1989, בשיאה של הסערה הציבורית שחוללה היצירה, קרע הסנטור הרפובליקני, הכומר ג'סי האלמס, צילום של היצירה בנאומו בפני הקונגרס ואמר: ״אני לא מכיר את מר אנדרה סראנו, ואני מקווה שאף פעם לא אפגוש אותו, כי הוא לא אמן, הוא חתיכת אידיוט״. מבט מושכל ביצירה עצמה מגלה שהיא לא פרובוקטיבית כלל ועיקר, וכשלעצמה יכלה לשמש בקודש בכנסייה. רק כותרתה היא אשר מכה בהלם את הצופה ולוכדת את תשומת הלב לכך שנעשה פה שימוש בשתן.

אנדרה סראנו, ,Piss Chrsit 1987. הדפס סיבכרום מונח על זכוכית אקרילית, 101×406 ס"מ. אוסף גלריה סאצ'י, לונדון (https://en.wikipedia.org/wiki/Piss_Christ)

בנדון דנן, עקב הפגנה שהתעתדו לארגן כמה גורמים שבראשם יו"ר להב"ה בנצי גופשטיין, המשכן לאמנות, עין חרוד הודיע כי יצירת האמנות "מחללת הקודש" תוסר. כמו במלחמות התרבות בארצות הברית בעבר, גם היום בישראל, ההתקפות על עולם האמנות בתואנה של "פגיעה ברגשות דתיים" הם בראש ובראשונה מאבק פוליטי שבמסגרתו עולמות דתיים מנוכסים לטובת מאבק של קיצוניים כנגד עולם האמנות שאותו הם סימנו כראש חץ של הליברליזם ה"סמולאני". אלא שלמעשה, באקלים שבו המוזיאונים שלנו לא מוכנים לעמוד מאחרי הבחירות האוצרותיות שלהם, אמנות מאתגרת באמת, גם לו היתה נוצרת, ספק אם יכלה להגיע לעיני הציבור.

הפוסט שיוויתי השם לנגדי הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

נפש חיה בכולנו

$
0
0

מספר דקות לתוך שיח הגלריה שהתקיים לפני מספר שבועות במרכז לאמנות עכשווית בערד במסגרת התערוכה "נפש חיה בי" של האמנית דנה דרויש, כבר היה ברור שזהו לא עוד שיח גלריה. ראשון הדוברים – אחרי דברי פתיחה של אוצרת התערוכה והמרכז, לאה אביר – היה אריק זרחי מעמותת "ערד לחי" הפועלת לטיפול בבעלי חיים במצוקה באזור הדרום. זרחי דיבר על הכלבים הניצבים במרכז הצילומים של דרויש, הצילומים המרכיבים את "נפש חיה בי": כלבים נטושים ועזובים אך גם משוחררים וחופשיים, כלבי פרא שחיים בפאתי העיר ערד, ליד אזור התעשייה, כלבים שהופקרו ומופקרים מאז, המחכים מדי יום שזרחי יגיע להאכיל אותם קצת לפני השקיעה. התערוכה נולדה מהשליחות הזו של זרחי, אליו הצטרפה דרויש במהלך שהותה בתכנית הרזידנסי של המרכז לאמנות עכשווית. זו לא הייתה כוונתה המקורית כשנסעה לדרום, אבל המפגש עם זרחי, ובעקבותיו עם הכלבים, הוביל את האמנית לאזורים בעיר שגם תושבי ערד, שגדשו את שיח הגלריה בנוכחותם, לא הכירו.

כמי שאיבדו את האמון בבני האדם והתרגלו לחיות בחברת בני מינם, הכלבים לא מתקרבים לזרחי. הוא מניח את המזון ומתרחק, מאפשר לקבוצות הכלבים לסעוד בחברת עצמם. צילומיה של דרויש מתחקים אחר הפעולה הזו. היא מתמקמת במרחק מדוד מן הכלבים, לא קרובה מדי אבל גם לא רחוקה. לא מבקשת לזעזע כדרכו של הצילום האקטיביסטי-עיתונאי, אך גם לא תופסת עמדה אנתרופולוגית-מחקרית. הכלבים בתצלומים נחים, בוהים, אוכלים. הגורים ששפר מזלם ואמם עדיין מסוגלת להניק אותם, יונקים. דרויש כמעט ולא מבקשת את מבטם של הכלבים. היא נותנת להם להיות. אבל כשמבט כזה נתפס במצלמה, כשאחד הכלבים מביט אלינו, קשה להישיר מבט בחזרה אל הדימוי.

דנה דרויש, מראה הצבה מתוך "נפש חיה בי", 2021

התצלומים של דרויש מהלכים בין שורה של ניגודים. לא רק בין האקטיביסטי לאנתרופולוגי, אלא גם בין אקטיביזם לאמנות. דרויש עצמה מבחינה בין עבודתה האמנותית, המורכבת מקולאז'ים ופוטומוטאז'ים המבוססים על דימויים שהיא אוספת ממגזינים וספרים, לבין גוף העבודות הזה. מסיבה זו, היא נמנעה גם מלמסגר את תצלומי הכלבים באותו האופן בו היא ממסגרת את עבודותיה האחרות. אבל האבחנה הזו היא תולדה של מערכת החוקים וההיררכיה הפנימית של עולם האמנות שאינו מסוגל לשאת את חוסר ההכרעה בין התחומים. חללי אמנות מסוימים, או תערוכות ספציפיות, יכולים להכיל את המורכבות הזו. הם עצמם הופכים למרחב בו ענייני השעה מתבטאים בצורה חזותית ומבקשים מהצופים התייחסות. מרחב שכמעט ואינו קיים בשום מקום אחר בחברה הישראלית. ועדיין, מבחינה אוצרותית נעשה כאן מהלך מעניין שמחבר ומפריד בין התחומים: מספר עבודות קולאז' של דרויש מוצגות באזור אחר בחלל התצוגה, בנפרד מצילומי הכלבים אך גם ביחס אליהם. עבודות אלו, על אף שהן שונות מאוד מתצלומי הכלבים, הן מבחינת הטכניקה והן מבחינה אסתטית, כוללות גם הן אלמנטים מעולם החי – חתול שקופץ מסירה ברגע אינטימי, דג מת שמסתיר מפשעה, ציפור שחותכת דימוי של פנים – אלמנטים באמצעותם מפיחה דרויש חיים בדימויים אותן היא גוזרת ומכליאה עם דימויים אחרים. כותרת התערוכה, "נפש חיה בי", מדגישה את המשותף בין גופי העבודות וחושפת כי על אף שדרויש בוחרת למקם את תצלומי הכלבים מחוץ לפרטיקה האמנותית הקבועה שלה, בהחלט אפשר לשרטט גנאלוגיה אחרת במסגרתה הם מהווים חלק בלתי נפרד מהאופן בו היא בוחנת את יחסי הגומלין בין חי ודומם, אנושי ולא אנושי, דימוי קיים ודימוי חדש.

דנה דרויש, מתוך "נפש חיה בי", 2021

במקום אחר, כתבתי על שורת עבודות וידיאו אשר נוצרו בשנים האחרונות ברחבי העולם ומתעדות, בדומה לתצלומיה של דרויש, להקות כלבים נטושות. עבודות בהן הכלבים הם נושא העבודה, אך בה בעת משמשים כאלגוריה ועדות לקטסטרופה אתית, פוליטית ואקולוגית המתרחשת באזורים המתועשים, או ליתר דיוק, פוסט-מתועשים, על פני כדור הארץ. הממד הזה, גם אם הוא חבוי מעט, מתקיים גם כאן. בכל התצלומים המופיעים בתערוכה ניתן לראות ברקע שאריות של זיהום תעשייתי: כמויות עצומות של זבל, צינורות מחלידים, מפעלים, דרכי עפר שפוצעות את המדבר. כל מה שמאפשר את הקיום הנינוח שלנו, ואילו אנו, בעלי חיים מסוג אדם, מבקשים לשכוח. אלו כבר לא המרחבים המתועשים, המאורגנים, נטולי החיים, שבראנו על מנת להתקיים, אלא הגרורות ההרסניות שלהם. עולמות שנוצלו ונזנחו וכעת, אט אט, מתפראים מחדש לכדי אזורי כלאיים שאין בהם ריבון, אבל גם לא חסד. הכלבים בתצלומיה של דרויש עוברים תהליך דומה. מי שיהיו, או שהיו הוריהם, חבריו הטובים ביותר של האדם, חיות מבויתות ושימושיות, בעלי חיים מסוג כלב שהמבט שלהם מרגיש קרוב ומובן, עוברים באזורי הספר של העיר ערד התפראות מחדש. התצלומים מדגישים את ההיבט הזה: מי שהותרנו לבדם בחום המצמית של המדבר, ללא הדרכה או הגנה, כבר אינם הכלבים שהיינו רוצים שיהיו. עולמם כבר אינו סובב סביב בני האדם, כפי שהתרגלנו או רצינו לחשוב. הם מקיימים עולם משל עצמם בשטחים שבני האדם הפקירו, מאיימים עלינו בקיומם העצמאי, קשה ואכזרי ככל שיהיה.

דנה דרויש, מראה הצבה מתוך "נפש חיה בי", 2021

כשתיאר זרחי את המראות בהם הוא נתקל מדי יום בעודו מאכיל את הכלבים, אישה אחת בקהל הזילה דמעה (מתי בפעם האחרונה ראיתם בשיח גלריה מישהו/י מזיל דמעה?). התיאורים היו מצמררים, מדכאים. דרויש, לעומתו, הציעה קריאה אחרת. בניגוד להרבה כלבים אחרים, אמרה, הכלבים המצולמים חופשיים לעשות כרצונם, משוחררים מרצועה, מלונה או תא סורגים. אמנם אין להם חיים של חסד, אבל גם לא ריבון. זהו אולי הניגוד הטרגי מכולם ש"נפש חיה בי" פועלת בתוכו. ניגוד שהוא לא כורח המציאות, אלא תולדה שלה.

התערוכה "נפש חיה בי" (אוצרת: לאה אביר) מוצגת עד ה-24 ביולי במרכז לאמנות עכשווית בערד.

בתאריך ה-3 ביולי ייערך שיח גלריה נוסף בתערוכה.

הפוסט נפש חיה בכולנו הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

רב ערב 29.06.21

$
0
0

"באישון ליל – In the Dead of Night" / מור רימר

הגלריה בבארי

פתיחה חגיגית: שישי, 2.7.21, בשעה 10:00
שיח גלריה בהשתתפות האמנית: שבת, 10.7.21, בשעה 13:00
אוצרת: ד"ר זיוה ילין
סיוע באוצרות והפקה: סופי ברזון מקאי

מור רימר, בת קיבוץ אורים, שהיה אחד מאחת עשרה הנקודות שעלו להתיישבות במוצאי יום הכיפורים 1946, עוסקת בשימור ומחיקה, בשעת הלילה והחלום, בסטאטיות של השינה, במרחב המרוקן מאדם והמאובן, ובמבט על אז והיום על הקיבוץ שגדלה בו, מתוך רצון ליצור חוויה של שיטוט לילי במרחבי המקום. העלייה להתיישבות בן לילה מוארת באור של חלוציות ואידיאולוגיה; החלוצים עלו למקום צחיח ומדברי, למקום ריק. היום המקום הוא גן עדן פורח, אך האנשים שהקימו אותו אינם עוד וכמוהם גם הערכים והאידאולוגיה מזמן אינם העיקר. עבודותיה של רימר הן כמו שיטוט במרחב הזמן בין אז לעכשיו. היא עובדת בעקבות צילומי ארכיון מהעלייה להתיישבות: שתילות ראשונות, צריפים ראשונים במרחב הפתוח והנקי של צפון הנגב. הפרטים מהתצלומים משתלבים לציור רחב המתפרש על תשעה מטרים ויוצרים מרחב חדש, שכמו בתחריטים הוא חסר קו אופק, הרקע מושחר לעומת הצבעוניות העזה של האובייקטים, הוא מזכיר תפאורה אך גם את תחילת ההתיישבות ואת הראשוניות של הנוף.

בתחריטים עוסקת רימר בדימויים שצילמה ברחבי הקיבוץ בו גדלה; התשתית קיימת, המדרכות, והמבנים המרכזיים עומדים, עצים וצמחיה פורחת, אך המדרכות ריקות מאדם. הטקסטורות בתחריט כמו מאבנות הכל, מבנים וצומח כאחד, ויוצרות תחושת חלל אינסופי, ללא קו אופק. בציור הרחב נוצרים הפשטה וצמצום והמרחב חוזר להיות ראשוני, מינימליסטי, דומם. לתוך הציור היא משאילה פעולות של תהליכי העבודה בתחריט: כיסוי והגנה על לוח המתכת לפני החשיפה לחומצה. הדימויים שעולים בכיסוי הלוח (בתהליך העבודה בתחריט) משמשים לשימור (מפני החומצה המכלה את החומר, מפני שינוי) ומבחינה ויזואלית נוצרת מעין מחיקה של הדימוי. גם בתצלום המטופל קיימת פעולת המחיקה לעומת ההדגשה של פרטים בו.

שעות פתיחת הגלריה: רביעי, חמישי, שישי 9:00-13:00, שבת 10:00-14:00, או בתיאום מראש עם זיוה ילין 0547918049 או סופי ברזון מקאי 0547918464

מור רימר, מתוך "באישון לילה"



ערב פעולות אמנות ציבוריות במרחב החמישי

בין טקס פולחני למופע, אפוקליפטיות לתקווה, המרחב החמישי מארח שתי פעולות אמנות ציבוריות על הגג

המרחב החמישי הוא פרויקט המגדיר את הגג הפרטי-ציבורי של בית ליבלינג כמרחב ציבורי חדש, כחלק מתערוכת "ברוכים הבאים לרה_פאבליק".

לו"ז האירועים:

18:00 פתיחת דלתות עם אפריטיבו של גבינות ויין עם קפה לב והבנות אוהבות אוכל

20:00 קינתניהו – מסכת פרפורמטיבית פרועה המשלבת טקסטים מיתולוגיים, עממיים ופוליטיים, עם אנסמבל ״קושמר – קשישים עם מחלות רקע": נעמי יואלי, פרופ׳ שמעון לוי, יובל מסקין ויוסי מר חיים.

21:15  ״מיקרוקוסמוס״ – אנסמבל אופוס אוקטופוס: שש זמרות, צ׳לו וכינור טווים. מופע שירה ונגינה כאקט קהילתי, שיצרה המנצחת נטע שפיגל בעיבוד יצירותיו של המלחין בלה ברטוק.

אוצרת הערב: דפנה קרון

המרחב החמישי: יאקוב שטנצני (ורשה) הדס טובל (תל־אביב–יפו); אוצרת הפרוייקט: שירה לוי-בנימיני; סצנוגרפיה והפקה: ענת לוי; ניהול והקמה: אלירן פז ולירון ישורון

הפרוייקט מתקיים בשותפות עם מכון אדם מיצקביץ׳ ובתמיכת קרן פיס לתרבות וקרן רבינוביץ׳

לפרטים נוספים

צילום: יעל שמידט



״קרקס הבריחה״ – שבוע העיצוב ירושלים 2021

בית הנסן, מרכז תרבות לעיצוב, מדיה וטכנולוגיה

השקת שבוע העיצוב וערב פתיחה: חמישי, 1.7.21, בשעה 19:30  
אירועים, מופעים ותערוכות עיצוב מקומיות ובינלאומיות: 1-8.7.2021
ניהול כללי: סמדר צוק ורן וולף, חברת רן וולף
מנהלת אמנותית: ענת ספרן
אוצר ראשי: טל ארז

ההשתתפות בכל האירועים הינה ללא תשלום ופתוחה לקהל הרחב

בערב הפתיחה החגיגי, לצד חשיפת כלל התערוכות והמייצבים, יתקיימו ברחבי בית הנסן שלל התערבויות מוסיקליות, פרפורמטיביות וקרקסיות, שביניהן: הליצן x, חבורת אמנים מולטידיסיפלינריים, פועל כקבוצת הקרקס הרשמית של שבוע העיצוב ירושלים. בערב הפתיחה יקיימו יחד עם מוזיקאים ואורחים נוספים מופע מרכזי גדול לצד שלל התערבויות בכל רחבי בית הנסן; האמנית סלי קריסטל קרמברג יחד עם האמן בר פלש יקיימו פרפורמנס קעקועים מתמשך; משתתפי פרויקט השדכן יזמינו את הקהל  לחוויה קולינרית עיצובית ירושלמית; ועוד אירועים רבים.

לצד הביקור בתערוכות ובמיצגים יוכלו המבקרים ליהנות במהלך שבוע העיצוב ממתחם אוכל ומשקאות מבית פיצה פלורה, מבית הקפה של משק עפאים ובר "הדיר" ולבקר בחנות הפופ אפ לעיצוב ישראלי של "אסופה".

פרטים נוספים באתר שבוע העיצוב: www.jdw.co.il



לשם שמיים – פודקאסט התרבות של בית הנסן וערב רב חוזר לעונה שנייה

שיחות עומק עם יוצרים ויוצרות

״לשם שמיים״, פודקאסט התרבות של בית הנסן – מרכז לעיצוב, מדיה וטכנולוגיה בירושלים, ומגזין האמנות והתרבות ערב רב. רונן אידלמן ויונתן אמיר מארחים יוצרים ויוצרות מעולמות הקולנוע, ספרות, אמנות, מחול, עיצוב ומוזיקה. שיחות על הצלחה, כישלון ומה שביניהם.

״לשם שמיים״ מופק ביוזמת בית הנסן וחברת רן וולף, ובתמיכת הרשות לפיתוח ירושלים ומשרד ירושלים ומורשת.

הפודקאסט מוקלט באולפן המרכז לאמנות ומחקר מעמותה בבית הנסן.

טכנאי הקלטה: אמיר בולצמן

עורך סאונד: דניאל מאיר

מפיקה: קארין שבתאי

להאזנה

הפוסט רב ערב 29.06.21 הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

אמיר בולצמן הוא ראש המחלקה למוזיקה חדש במוסררה

$
0
0

אמיר בולצמן, אמן סאונד רב תחומי, אוצר ומלחין מונה לעמוד בראש המחלקה למוזיקה חדשה במוסררה – ביה"ס לאמנות וחברה ע"ש נגר. בולצמן נולד בשנת 1985 בברזיל. הוא בוגר המחלקה למוזיקה חדשה בבית הספר מוסררה ובעל תואר ראשון ושני מהמחלקה לסונולוגיה בקונסרבטוריון המלכותי של האג.
בעשור האחרון הוא מעורב בסצינת המוזיקה הנסיונית בישראל, הולנד וגרמניה כנגן יחיד ובשיתוף פעולה עם נגנים והרכבים משתנים. חבר בצמד אנסמבל של אהבה טרור יחד עם המתופף אריאל ערמוני אשר הוציאו שני אלבומים בלייבל הגרמני full body massage. הציג ואצר עבודות למגוון גופי תרבות ירושלמים כגון: מעמותה ("ירד הגבול אל קצה ההר", ״המבדיל״), גלריית ברבור (האזנות סתר), עונת התרבות בירושלים (הדים I + II) וקולקטיב האמנות ״נו קואסט״. מנהל אמנותית עם שאול קוהן את ׳הדים׳ –  הוצאה לאור, פלטפורמה למוזיקה עכשווית ונסיונית. מנחה, מורה למוזיקת מחשבים וקומפוזיציה במחלקה למוזיקה חדשה במוסררה ירושלים. מנהל בשיתוף סלה-מנקה את תוכנית הרזידנסי ״מעמותה סאונד״ במרכז מעמותה לאמנות ומחקר.

הפוסט אמיר בולצמן הוא ראש המחלקה למוזיקה חדש במוסררה הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

יצחק גולומבק ועדינה בר-און הם זוכי פרס דיזנגוף לשנת 2021

$
0
0

חברות ועדת השופטים: דלית מתתיהו (יו"ר), תמר גטר ואלונה רודה החליטו להעניק את פרס דיזנגוף לאמנויות הפלסטיות לשנת 2021 מטעם עיריית תל אביב-יפו ליצחק גולומבק ולעדינה בר-און. מנימוקיהן:

"הפיסול והרישום של פרופסור יצחק גולומבק מאתגרים את תפיסת החלליות של היצירה בקריאתם המפתיעה את מסורות הקולאז' בציור, במיוחד המקומי, ובהמציאם ערוץ חדש לעיסוק במעמד המילה ביחס לגוף פיסולי. יצירתו מתחברת באורח מקורי ורב העזה לשאלות מרכזיות אודות משמעות השכפול, הסדרה והחזרה בהקשר של עבודה ידנית.

אלה, ומעל לכל שאלת נוכחות הדובר, יצרו פיסול פיגורטיבי-סיפורי ומושג חדש של אינטימיות, תכונות שהכו גלים נרחבים בשדה המקומי מאז אמצע שנות ה-80.

עדינה בר און, היא אמנית מופע חלוצית ועקבית הפועלת קרוב לחמישה עשורים בשדה האמנות המקומי והבינלאומי. יצירתה נטועה בשאלת "ההופעה" כחוויה של התנסות המגיעה להכרתו של הצופה באופן ישיר ללא הסתמכות על תיאוריות או תחומי ידע. באמצעות גופה וקולה מחוללת בר און קריאת תיגר מעוררת על גבולות מדיומלים, פוליטיים ובין אישיים. יצירתה שאינה הצגה של דבר או ייצוג רעיון, נענית למבנים מופשטים הקוראים לנוכחות מועצמת וחד פעמית של הרגע הנוכחי ולעוצמתה של פעולה בעולם".

עדינה בר-און, צילום: שחר דייויס

עיריית תל-אביב-יפו מעניקה את הפרס ע"ש מאיר דיזנגוף לאמנים מתחום הציור והפיסול היושבים במדינת ישראל ויוצרים בה. הפרס, בסך 18,000 ₪, יוענק לכל אחד מהזוכים בטקס חגיגי שייערך ביום שלישי, 7.12.2021, במעמד ראש עיריית תל-אביב-יפו, רון חולדאי ובהשתתפות השופטים, הזוכים בפרס השנה וזוכי הפרס בשנים הקודמות.

הפוסט יצחק גולומבק ועדינה בר-און הם זוכי פרס דיזנגוף לשנת 2021 הופיע ראשון בערב רב Erev Rav

Viewing all 4030 articles
Browse latest View live